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alix, jade, lola, sarah, réanne

les chef-d'oeuvresde la renaissance

Introduction

La renaissance est un moment de l’histoire entre deux périodes, elle se situe entre 1400 et 1600. Elle est née en Italie, en Espagne et au pays bas. Les sujets de prédilections à cette période étaient l’histoire de la bible, l’antiquité (avec la mythologie) et la représentation des Hommes avec l’influence de l’humanisme. Comment les artistes de la renaissance exprimaient-ils leurs opinions sur le monde?Pour répondre à cette question nous verrons 5 œuvres de la renaissance, quelques détails importants autour des techniques de réalisation utilisées et des anecdotes autour de ces oeuvres.

OEUVRE 3

OEUVRE 5

OEUVRE 2

oeuvre 1

OEUVRE 4

oeuvres

Portrait et Biographie

Léonard de Vinci (italien : Leonardo di ser Piero da VinciÉcouter, dit Leonardo da Vinci), né le 14 avril 1452 du calendrier actuel à Vinci (Toscane) et mort le 2 mai 1519 à Amboise (Touraine), est un peintre polymathe toscan, simultanément artiste, organisateur de spectacles et de fêtes, scientifique, ingénieur, inventeur, anatomiste, sculpteur, peintre, architecte, urbaniste, botaniste, musicien, philosophe et écrivain.

Enfant naturel d'une paysanne, son père l'inscrit pour deux ans d’apprentissage dans une scuola d’abaco et ensuite à l'atelier d'Andrea del Verrocchio où il côtoie Botticelli, Le Pérugin et Domenico Ghirlandaio.La Joconde ou Mona Lisa est un des portraits les plus emblématiques de l'histoire de la peinture. Peint par Léonard de Vinci au XVIe siècle, il entra dans les collections de la cour de France our enfin faire partie des œuvres exposées au Musée du Louvre.Selon l'hypothèse admise depuis Giorgio Vasari, le modèle s'appellerait à l'origine Lisa Del Giocondo, née Lisa Maria Gherardini en mai 1479 à Florence (Toscane). Issue d'une famille modeste, elle épousa à seize ans le fils d'un marchand de soie, Francesco di Bartolomeo di Zanobi del Giocondo.

Oeuvre avec des points d'intérêts commentés

la femme est assise sur un siège presque imperceptible dans l’ombre. Elle est représentée à mi-corps, cadrée jusqu’au-dessous de la taille.

La position: Assise les mains croisées

Un paysage flou et lointain, avec la mer, des collines et un chemin sinueux

Les vêtements de Mona Lisa porte un voile noir délicat sur les cheveux et une robe rouge

Un portrait: Mona Lisa, une femme de face, qui regarde le spectateur ave un sourire léger

Anecdotes sur l'oeuvre

Certains observateurs ont constaté des étrangetés au niveau du fond : le paysage visible à gauche ne semble pas se poursuivre à droite. En effet, il parait plus bas à gauche qu'à droite. Il semble que nous soyons en face de deux paysages : un réel, avec un pont et une route sinueuse en bas, et un irréel en haut.

Esthétique

Construction

Ou est il emmener

Une esthétique qui fait référenceLa technique de composition de la Joconde en fait une des œuvres les plus étudiées dans l’histoire de l’art et par les apprentis artistes. Elle est appréciée pour son cadrage très moderne comme un portrait qu’on pourrait réaliser de nos jours. Plus subtilement, des effets d’optique sont créés par l’emplacement des yeux de la jeune femme et son sourire discret. Certains disent qu’on a l’impression d’être constamment observé par la Joconde, quelle que soit la position depuis laquelle on la regarde. Cette anecdote démontre les connaissances scientifiques et anatomiques de Léonard de Vinci. Quant au célèbre sourire de Mona Lisa, des témoignages narrent qu’un groupe de musiciens jouait pendant les heures de travail du peintre afin qu’elle garde cette attitude joyeuse. L’arrière-plan est également un cas d’école. La technique du sfumato est utilisée pour créer une perspective qui se fond de manière douce.

La construction de la légende de la JocondeCe sont sans doute ses mystères qui ont permis à Mona Lisa d’acquérir une telle renommée. Mais est-ce vraiment Lisa qui est représentée ? On rapporte que le commanditaire du tableau auprès de Léonard de Vinci était un noble installé à Florence. Deux fois veuf, Francesco del Giocondo épousa en 1495 une jeune femme prénommée Lisa. C’est cette histoire qui donna le nom par lequel ce petit tableau d’une dimension de 77x53 cm. Pourtant une autre théorie veut que la jeune femme représentée ne soit autre qu’une favorite de Julien de Médicis, dirigeant de la République florentine. À ce jour, le mystère n’a toujours pas été résolu. La Joconde devint populaire auprès du grand public lors de son très relayé vol en 1911. La presse se saisit de l’évènement : on se demande qui a bien pu voler la Joconde, pourquoi elle et surtout comment ? Le tableau est retrouvé, le coupable était un Italien très chauvin nommé Vincenzo Peruggia. Son acte avait pour ambition de restituer l’œuvre à son pays natal.

Un tableau dans les valises de Léonard de VinciIl est d’usage de parler de la Joconde comme d’une œuvre que Léonard de Vinci invité par le roi François Ier aurait amenée avec lui en France. L’histoire mentionne qu’un portrait féminin était avec l’artiste et scientifique italien lors de son séjour au château du Clos Lucé (également appelé manoir du Cloux) à côté d’Amboise (château de la Loire). La Joconde fit dès lors partie des collections royales pour être exposée au château de Versailles pendant le règne de Louis XIV. Elle ne prend résidence au Louvre qu’en 1797.

Autres oeuvres

La Cène (Léonard de Vinci)

Le Baptême du Christ

Le baptême du Christ est un des épisodes de la vie de Jésus-Christ : son baptême dans le Jourdain par Jean le Baptiste. Il est relaté dans les trois Évangiles synoptiques. Il s'inscrit dans les trois épiphanies du Messie de Dieu avec l'Adoration des mages et les Noces de Cana. Il marque la fin du temps de Noël. Le 'Baptême du Christ' est un thème que l'on trouve très fréquemment dans l'iconographie chrétienne.

La Cène (en italien : L'Ultima Cena, soit « le Dernier Repas ») de Léonard de Vinci est une peinture murale à la détrempe de 460 × 880 cm, réalisée de 1495 à 1498 pour le réfectoire du couvent dominicain de Santa Maria delle Grazie à Milan. Le thème de l'œuvre est un de ceux de l'iconographie chrétienne : La Cène (terme issu du latin cena : repas du soir) est le nom donné par les chrétiens au dernier repas que Jésus-Christ prit avec les Douze Apôtres le soir du Jeudi saint, avant la Pâque juive, peu de temps avant son arrestation, la veille de sa Crucifixion (appelée encore Passion par les chrétiens), et trois jours avant sa résurrection.

MEDIAGRAPHIE

Sites:-https://fr.wikipedia.org/wiki/L%C3%A9onard_de_Vinci-https://www.beauxarts.com/grand-format/leonard-de-vinci-en-3-minutes/-https://fr.wikipedia.org/wiki/La_Joconde-https://www.pariscityvision.com/fr/paris/musees/musee-du-louvre/la-joconde-son-histoire-ses-mysteresVidéo: -https://www.youtube.com/watch?v=I_zTG8UQ7mg-https://www.youtube.com/watch?v=SCcF-9HSs_kpodcast:-https://www.radiofrance.fr/franceculture/podcasts/une-histoire-de/histoires-de-peintures-la-joconde-1818914

Biographie et portrait

Le 6 mars 1475 naissait le sculpteur, peintre, architecte, poète et urbaniste florentin Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, plus connu dans nos contrées sous le nom de Michel-Ange. Maître de la Haute-Renaissance italienne, l’artiste fait figure de référence absolue dans l’Histoire de l’art, tandis que ses créations les plus célèbres sont aujourd’hui unanimement reconnues comme d’immenses chefs-d’œuvre. À l’occasion de l’anniversaire de naissance du maître, attardons-nous sur une de ses créations : le célèbre David. Pour la création de David Michel-Ange n'a alors que 26 ans, mais il est déjà devenu l'artiste le plus célèbre et le mieux payé de l'époque grâce à la beauté sculptée de la Pietà du Vatican. Le jeune Michel-Ange accepta le défi et pendant trois ans, de 1501 à 1504, il travailla sans relâche à la réalisation de David. L'Opera del Duomo avait établi des sujets religieux pour la statue, mais personne ne s'attendait à une telle interprétation de la part de l'artiste.

6 mars 1475

Oeuvre avec des points d'intérêts commentés

Michel-Ange a sculpté le David de septembre 1501 à mai 1504. L’œuvre est achevée en 1503 et immédiatement exposée en 1504, alors que la Renaissance pointe en Italie

L’oeuvre est placée devant le Palazzo Vecchio, le siège municipal de Florence, et est censé symboliser la détermination de l’esprit « républicain ».

Sa gloire tient surtout à ce qu’au moment de sa réalisation, Florence est une Cité-État. L’oeuvre est alors placée devant le Palazzo Vecchio, le siège municipal de Florence, et est censé symboliser la détermination de l’esprit « républicain ».

C’est une statue de marbre qui fait plus de 5 mètres avec son socle.

Les visiteurs qui avancent à la rencontre du David se trouvent face à une création équilibrée, étrangement aérienne grâce à la posture dite du « contrapposto » (où un déhanchement porte le poids du corps sur une seule jambe), naturelle et concentrée. On croirait presque voir l’œuvre de marbre blanc bouger sous nos yeux.

Anecdotes sur l'oeuvre

L'histoire du David commence par un bloc de pierre amené à Florence en bâteau à travers la Méditerranée, puis l'Arno de la carrière Fantiscritti à Carrara, ce bloc a été stocké pendant des années en attente d'être sculpté. Au milieu du XVe siècle, l'Opera du Dôme et les consuls de L’Art de la Laine à Florence soutenaient un projet ambitieux qui consistait à sculpter douze figures pour décorer l'extérieur de la cathédrale de Santa Maria del Fiore connue aujourd'hui comme le Dôme de Florence. Au début du XVIe siècle, le projet a été repris considérant les noms des artistes de l'époque tels que Andrea Sansovino, Leonardo da Vinci et Michel-Ange Buonarroti. En 1501, l’Opera du Dôme de Florence commissionne officiellement ce projet à Michel-Ange, Le David est haut plus de 5 mètres et dépasse cinq tonnes. Michel-Ange continua à travailler à la finition du David pendant l'été après sa création, et il fut finalement inauguré le 8 septembre 1504 devant le Palazzo Vecchio, où il resta jusqu'en juillet 1873, lorsqu'il fut décidé de déplacer l'œuvre dans la Galleria dell'Accademia pour éviter les dommages dus aux intempéries. Aujourd'hui sur la Piazza della Signoria on peut en trouver une copie. Le David de Michel-Ange est maintenant dans la Galerie de l’Académie de Florence.

Ce bloc de marbre de 5,50 mètres a été appelé le géant "après" qu’en 1460, Agostino di Duccio et Antonio Rossellino ont tenté de le sculpter sans succès, le laissant inadapté à faire partie du projet et le faisant de nouveau retomber dans l'oubli dans quelques entrepôts.

Autres oeuvres

Comment faire une liste des peintures les plus célèbres de Michel-Ange sans citer La Création d’Adam ? L’œuvre, commandée par le pape Jules II, fait partie d’une fresque monumentale divisée en 9 panneaux distincts et recouvrant l’ensemble du plafond de la chapelle Sixtine, au Vatican. Inspiré de scènes bibliques tirées du livre de la Genèse, l’épisode représenté est sans doute le plus marquant de la série, en témoignent les nombreux hommages et reproductions dont il fait l’objet. Dieu y donne la vie au premier homme en rejoignant son index et celui d’Adam, le touchant presque. Cette image, certainement la plus sacrée de l’histoire de l’art occidental, symbolise l’humanité. Et alors que Michel-Ange, le sculpteur suprême, a longtemps hésité avant d’accepter le projet, La Création d’Adam est de nos jours admirée par environ cinq millions de personnes chaque année dans la chapelle Sixtine

Une fois n’est pas coutume, Michel-Ange puise dans la Bible pour nourrir son inspiration. Comme on peut le voir dans l’oeuvre la Pieta qui est une sublime représentation de la douleur de la Vierge pleurant son fils crucifié, la Pietà de Michel-Ange transcende tous ceux qui ont la chance de la voir. La Pietà, unique oeuvre signée de Michel-Ange, est à l'origine destinée à orner le monument funéraire du défunt roi Charles VIII dans la chapelle Santa Petronilla de l’ancienne basilique Saint-Pierre. Aujourd'hui, elle trône majestueusement dans la basilique Saint-Pierre actuelle, dont la construction fut entamée 7 ans après la réalisation du chef-d'œuvre.

MEDIAGRAPHIE

Site:

https://www.florence-museum.com/fr/david-michel-ange.php https://www.beauxarts.com/grand-format/le-david-de-michel-ange-coup-de-projecteur-sur-une-oeuvre-mythique/ https://www.florence-tickets.com/fr/Blog/florence/tout-sur-le-david-de-michel-ange https://materialisme-dialectique.com/le-david-de-michel-ange/ Vidéo: https://blog.artsper.com/fr/artstyle/5-peintures-de-michel-ange-a-connaitre/ https://www.museumtv.art/artnews/articles/ou-sont-exposees-ces-5-oeuvres-majeures-de-michel-ange/

Portrait et Biographie

Raphaël

Raphael (vient de Raffaello Sanzio en Italie) est un artiste peintre et architecte Italien, il naît en 1483 dans la région des marches en Italie et meurt le 6 avril 1520 à Rome. Il est l’auteur de fresques célèbres pour le Vatican, Raphaël est un véritable mythe de l’histoire de l’art. Il est le fils d’une peintre renommé donc il est familiarisé dès son enfance avec le monde des arts. Ces parents décèdent vers ces 12ans, il a donc été formé par des peintres de l’entourage de son père. À partir de 1503, Raphaël parcourt l’Italie, il fait la rencontre de beaucoup d’artistes et on dit qu’il a su combiner la grandeur de Michel Ange et la douceur de Léonard de Vinci, il est d'ailleurs consideré rapidement comme leur égal.Il meurt a 37ans d’une fièvre maligne mais il est considéré comme celui qui a su ressusciter la pudeur et la pureté de l’art grec. Tout dans la peinture de Raphaël évoque la grâce.

Oeuvre avec des points d'intérêts commentés

Dans cette fresque on retrouve une cinquantaine de figures dont aucun spécialiste n’a jamais pu établir la liste avec certitude. Avec le temps, la clé de la fresque a été perdue. L’impression de foule renforce l’importance du binôme central (Platon et Aristote).Elle symbolise la Connaissance : les pères de la philosophie occidentale y sont clairement représentés. Cette fresque s’inscrit dans un projet plus vaste de quatre fresques représentants l’évolution de la pensée en Occident, de la philosophie et de la théologie à la Renaissance.

Ici on retrouve Raphaël lui même avec un béret qui regarde Ptolémée de dos avec un globe terrestre, on retrouve aussi Euclide (ou Archimède) en pleine démonstration qui se penche vers sa tablette. On peut y lire R.V.S.M. (Raphaël Vrbinas Sua Manu, de la main de Raphael d’Urbino)

Il s’agit ici probablement de la mathématicienne Hypathie d’Alexandrie, la première femme dont on sait qu’elle a contribué aux mathématiques, à l’astronomie et à la philosophie.

Ici il s’agit de Platon, le doigt pointé vers le ciel et d’Aristote la main dirigée vers le bas, Raphaël évoque ainsi deux concepts philosophiques opposés depuis l’Antiquité : la transcendance (dont les principes sont extérieurs) et l’immanence (qui trouve ses principes et ses causes en l’homme lui-même).

Un attroupement s’est créé autour de Pythagore, il explique ces théorèmes et incarne le savoir.

Ici il y a certainement Socrate de profil. Il parle surement à Alexandre le Grand en romain. Des discussions s’animent.

On retrouve une perspective avec une impression de profondeur.

On retrouve pour le reste beaucoup de personnages différents se qui donne une impression de foule, ils sont en pleines discussion et on l'air tous cultivés.

On reconnait une symétrie axiale mettant en valeur les personnages au centre du tableau.

Ces voutes rappellent la basilique Saint-Pierre de Bramante (rappel à l'église).

L'escalier sert d’allégorie de la connaissance, il met en évidence les différents degrés de la philosophie et des sciences. Il illustre aussi la démarche des philosophes et scientifiques : c’est un chemin, une ascension vers la connaissance.

Ici on voit Appolon, Dieu du soleil, il incarne le pouvoir de la raison.

Ici c'est minerve, déesse de la guerre défensive, elle préside la paix.

Anecdotes sur l'oeuvre

L’école d’Athènes est une fresque de Raphaël, elle mesure plus de 5m de large pour 8m de haut, elle a été peinte entre 1508 et 1512 et elle se trouve dans la salle de signatures du musée du Vatican.Ce chef-d’œuvre est une commande du pape Jules II, qui occupait le Vatican au 16ème siècle. L’École d’Athènes a pour but premier de décorer sa bibliothèque personnelle dans la basiliques saint pierre lors de sa reconstruction, mais elle doit aussi faire l’éloge de l’Église, à une époque où cette dernière perd en légitimité. Elle a été peinte avec 3 autres ouvres. Chacunes avait un theme different: la poesie, le droit, la theologie et ici, la philosophie.

Autres oeuvres

La dispute du saint sacrement

Ces oeuvres sont directement liées à l'Ecole d'Athènes puisqu'elles ont été peinte "en meme temps" dans la salle des signatures. L'ecole d'athènes et la Dispute du saint-sacrement se font face et La parnasse et Les vertus cardinales egalement.

La parnasse

Les vertus cardinales et théologales

MEDIAGRAPHIE

L'ecole d'Athènes: sites-magazine numerique "les beaux arts":https://www.beauxarts.com/grand-format/raphael-en-2-minutes/ Documents du musée vatican: https://www.museivaticani.va/content/museivaticani/fr/collezioni/musei/stanze-di-raffaello/stanza-della-segnatura/scuola-di-atene.htmlJournal "La Libre": https://www.lalibre.be/debats/opinions/2021/07/27/quand-raphael-samusait-a-peindre-lecole-dathenes-KTMBAUVMQJEZXDJYHCUDTTUTTM/Extrait de l"Artsper Magazine": https://blog.artsper.com/fr/la-minute-arty/lecole-dathenes-de-raphael/#:~:text=Ce%20chef%2Dd'%C5%93uvre%20est,cette%20derni%C3%A8re%20perd%20en%20l%C3%A9gitimit%C3%A9.Video-https://www.youtube.com/watch?v=glUghkUapRU

Portrait et Biographie

Jan van Eyck est né vers 1390 peut-être à Maaseik et est mort à Bruges le 9 juillet 1441. C’est un peintre né dans les territoires soumis à l'autorité du prince-évêque de Liège Jean de Bavière, qui devient son protecteur. Il est célèbre pour ses portraits d’un naturalisme minutieux et d'une extrême précision au point qu'on l'a parfois comparé à Apelle (un célèbre peintre grec qui a vécu au IVe siècle av. J.-C.). L’apport technique de Van Eyck à la peinture occidentale est capital. Il a porté la technique de la peinture à l'huile. On ne sait rien de ses études, mais il lisait le latin et un peu le grec. Il connaissait bien les œuvres de Pline l'Ancien et d'autres auteurs anciens grace auquel il avait appris les propriétés des couleurs ainsi que des principes de géométrie. Dans les années 1422-1425, il est employé à La Haye, à la cour de Jean III de Bavière, le comte de Hollande et de Zélande, pour etre peintre de la cour et valet de chambre. En 1424, il est désigné sous le nom de « Mayster Jan den Maelre », peintre de cour lorsqu’il réalise la décoration avec son atelier, du palais du Binnenhof. Le 6 janvier 1425, le prince-évêque meurt et Jan van Eyck quitte aussitôt La Haye pour rejoindre un atelier a Bruges ou il decedera 16ans plus tard.

L' oeuvre et ses points d'interets

Le tableau est une représentation en pied du couple Giovanni Arnolfini et sa femme Giovanna Cenami (Les Arnolfini sont une famille de marchands italiens de Bruges, fournissant la cour de Bourgogne en draps fins).

Reflet du miroir

Le miroir sphérique qui mesure 5 centimètres est un des éléments les plus importants de la composition. Il est coupé en son milieu par la médiane verticale du tableau. Au XVe siècle, le miroir est encore un produit de luxe. Son cadre de bois est orné de 10 médaillons représentant la vie et la passion du Christ. Il reflète le dos les époux, et montre ce que le spectateur ne peut voir de sa position : l’espace entier du plancher au plafond, la fenêtre invisible ainsi que deux personnages, l’un vêtu de bleu et l’autre de rouge, peut-être les témoins du mariage.

Le chien est représenté, comme le couple, d’une manière un peu hiératique et figée. Toutefois, son pelage et son regard ont fait l’objet d’un grand soin. Traditionnellement dans la culture européenne, il représente la fidélité.

Sur la gauche du tableau, nous voyons deux fenêtres, l’une ouverte, par laquelle on aperçoit des arbres fruitiers, et une autre, invisible aux yeux du spectateur, font baigner l’espace dans la lumière. Van Eyck montre sa maîtrise technique. Le haut est doté d’un vitrail, autre indicateur de l’aisance financière du couple.

le lustre orné à six branches ne compte qu’une seule bougie allumée, symbole de la présence de Dieu ou de l’unité du couple

les fruits peuvent symboliser l’innocence de l’homme ou la tentation qui mène à la Chute

la statue située au bord du panneau de bois représente sainte Marguerite, patronne de l’enfantement (on aperçoit aussi trois autres statuettes, à la symbolique plus mystérieuse)

L'espace domestique qui nous est montré est une chambre nuptiale luxueusement décorée et confortablement meublée qui montre que les Arnolfini sont riches. Le rouge des draps annonce l’enfantement.

La main posée sur le ventre peut être un signe annonçant un enfant à venir. Enfin, les mains jointes semblent être le signe du serment de mariage. Cependant, la façon particulière dont les mains sont jointes, posées l’une sur l’autre, ne trouve pas d’explication spécifique. Cette posture renforce le mystère entourant le tableau. Le vert est la couleur de l’espérance, et le bleu celui de la fidélité.

Les perles de cristal du patenôtre, accrochées au mur, symbolisent la pureté mariale

Elles servent à cacher le lit, lieu d’intimité du couple et celui du « mystère » de la procréation. Ces rideaux servent également à conserver la chaleur, la nuit, quand le feu de cheminée s’éteint et que la pièce se refroidit.

Jusqu’en 1857, on pensait que cette phrase signifiait « Johannes de Eyck fut celui-ci 1434 ». On en conclut que le tableau représentait l’artiste et son épouse. Cette hypothèse a été renforcée par la ressemblance de la femme du double portait avec Margareta van Eyck. Cette hypothèse est remise en cause par le fait que l’homme du portrait ne ressemble pas à un autoportrait supposé du peintre : L’Homme au turban rouge. Elle pourrait egalement dire Jan van Eyck était ici en 1434

Ce sont des chaussures que l'on enlève dans les lieux sacrés

Anecdotes sur l'oeuvre

Ils font face au spectateur, mains liées, dans un espace domestique. La verticalité du tableau, renforcée par la taille des personnages, est doublée par sa profondeur : en effet, l’œil, d’abord attiré par les personnages, s’enfonce vers le fond de la pièce lorsqu’il voit le miroir convexe, puis se rapproche en se tournant vers le petit chien. La symétrie de l’oeuvre est marquée par un triangle central, délimité par les bras joints des époux et leurs regards, au centre duquel se trouve le miroir et une inscription en latin : Johannes de Eyck fuit hic 1434. Peinture à l’huile sur bois de chêne 82,2 cm x 60 cm de Jan van Eyck, surnommée « Les Époux Arnolfini ». On sait peu sur de choses sur son exécution, ni sa date exacte de conception, probablement en 1434, selon l’inscription faite sur le tableau même. il rejoint la National Gallery de Londres

La peinture à l’huile utilise des pigments naturels, minéraux ou végétaux réduits en poudre, comme colorants, de l’huile de lin ou de l'huile d'œillette comme liant, de l'essence de térébenthine comme solvant. Les avantages de la peinture à l’huile sont la souplesse et la résistance.

Le commanditaiire est Giovanni Arnolfini, il épousa Giovanna Cenami. Le tableau représente les fiançailles ou le mariage.

Autres oeuvres

La Vierge du chancelier Rolin ou Vierge d'Autun est un tableau peint egalement par Van Eyck pour Nicolas Rolin, chancelier du duc de Bourgogne. Il est conservé depuis 1805 au musée du Louvre. Le tableau est un ex-voto, a tempera et huile sur bois de 66 cm de haut et 62 cm de large,

L’Adoration de l'Agneau mystique ou Autel de Gand, achevé en 1432, est un polyptyque peint sur bois, un chef-d'œuvre de la peinture des primitifs flamands. Depuis 1986, il est présenté dans l'ancien baptistère de la cathédrale Saint-Bavon de Gand. Commandé par Joost Vijdt, riche marguillier de l’église Saint-Jean, pour la chapelle privée de sa femme, le polyptyque est commencé par Hubert van Eyck (le frere de Jan van Eyck) et terminé par Jan van Eyck après la mort de son frère en 1426.

MEDIAGRAPHIE

Les epoux Arnolfini:Site: "Les mysteres des epoux Arnolfini" https://artenquestion.com/mystere-epoux-arnolfini/ "Analyse du tableau des epoux Arnolfini" https://www.laculturegenerale.com/epoux-arnolfini-analyse/ "Wikipédia les époux Arnolfini" https://fr.wikipedia.org/wiki/Les_%C3%89poux_Arnolfini#Le_commanditaireVidéo: " le mystere des epoux arnolfini video inedite" de "Sous la toile" cree le 19 juillet 2019 d'une durée de 8min35 https://www.youtube.com/watch?v=xPUtPELLaXoPodcast: "Les Époux Arnolfini (1434)"cree le dimanche 12 juillet 2020 par Jean-Philippe Postel d'une durée de 58min https://www.radiofrance.fr/franceculture/podcasts/l-art-est-la-matiere/les-epoux-arnolfini-1434-4014300

Portrait et Biographie

Paolo Caliari, dit Véronèse, né en 1528 à Vérone et mort le 19 avril 1588 à Venise, est un peintre vénitien.Bien qu'il ait joui d'une réelle popularité de son vivant, notamment à Venise, il fut ignoré des critiques de son temps qui parlent de l’art vénitien, seul Francesco Sansovino parle de lui dans son Guide de 1556. Pourtant, Véronèse constituait avec Titien et Le Tintoret le triumvirat des peintres vénitiens de la Renaissance tardive. Véronèse est connu comme un grand coloriste ainsi que pour ses décorations illusionnistes (trompe-l’œil) en fresque et à l'huile. Ses travaux les plus connus sont des cycles narratifs raffinés, exécutés selon un style dramatique et coloré, avec des arrangements majestueux et scintillants.L'auteur des Noces de Cana est considéré comme un représentant du courant manieriste né sous l'impulstion de Michel-Ange

L' oeuvre et ses points d'interets

Mais une autre action se joue en tout discrétion au milieu de cette agitation. Marie fait remarquer à un serviteur se tenant à ses côtés que l'une des jarres est vide. Quel est donc le miracle qui va se produire ? Différentes hypothèses avancent l'identification de certaines figures comme Alphonse d'Avalos, marquis de Guast et son épouse Elisabeth d'Autriche, reine de France, au bout de la table sur la gauche du tableau. Puis en remontant suivraient François Ier (1494-1547), la reine d'Angleterre Marie Ière (1516-1558), le dixième sultan ottoman Soliman le Magnifique (1494-1566), la marquise de Pescaire Vittoria Colonna (1490-1547) et enfin l'empereur romain germanique Charles Quint (1500-1558) dont le visage est de profil.

Remarquez les six jarres au premier plan et l'air étonné de quelques convives tenant dans leur main un verre de vin. Ce premier miracle apparaît dans le deuxième chapitre de l'Evangile selon saint Jean dans le Nouveau Testament

Au centre, une figure, semblant étrangère à la scène, se distingue instantanément des autres. Hiératique, au regard fixe, au visage lumineux et à la tête nimbée, le Christ trône immobile au centre. Muet, il est le seul à regarder dans notre direction. À sa droite se tient Marie, vêtue d'un tissu noir, le regard impassible et méditatif. Leur attitude contraste fortement avec l'agitation générale qui les entoure. En effet, une véritable effervescence anime les corps des convives, les uns s'adressant à leur voisin de table en appuyant leurs paroles d'amples gestes pour mieux les illustrer, les autres cherchant à remplir de nouveau leur verre. Les attitudes sont expressives et uniques

Une scène particulière se joue au niveau de la terrasse au-dessus de la figure du Christ. Un personnage masculin brandit un couteau. Serait-il en train de s'atteler à la découpe d'une pièce de viande ou se pourrait-il qu'il s'agisse d'une évocation de l'agneau sacrificiel ?

Mais une autre action se joue en tout discrétion au milieu de cette agitation. Marie fait remarquer à un serviteur se tenant à ses côtés que l'une des jarres est vide. Quel est donc le miracle qui va se produire ? Différentes hypothèses avancent l'identification de certaines figures comme Alphonse d'Avalos, marquis de Guast et son épouse Elisabeth d'Autriche, reine de France, au bout de la table sur la gauche du tableau. Puis en remontant suivraient François Ier (1494-1547), la reine d'Angleterre Marie Ière (1516-1558), le dixième sultan ottoman Soliman le Magnifique (1494-1566), la marquise de Pescaire Vittoria Colonna (1490-1547) et enfin l'empereur romain germanique Charles Quint (1500-1558) dont le visage est de profil.

Mais les peintres du temps seraient également mis à l'honneur ! Le groupe de musiciens au centre comprendrait Véronèse vêtu de blanc, Titien face à lui avec sa tunique rouge à la basse de viole, Tintoret jouant du violon et Bassano soufflant dans un cornet.

ici, ce trouve "l'écuyer tranchant",cette violence de découper un agneaux serait la représentation du sacrifice

les moines ont finis leur repas,preuve qu'ils n'ont pas succomber à la gourmandise ,qui est un péché

les noces sont écrasées par le ciel qui constitue une grande partie de l'œuvre ce qui signifie que l'essentiel se trouve ailleurs

Anecdotes sur l'oeuvre

Le tableau est commandé le 6 juin 1562 par le bénédictin Paul du monastère San Giorgio Maggiore, à Venise. Il est destiné au réfectoire du monastère, dont Palladio vient d’achever cette même année la rénovation. Il est présenté en hauteur, sans cadre et est éclairé par une lumière naturelle1. Le contrat précise que Véronèse peut peindre autant de figures qu’il est possible d’en faire entrer dans le tableau, une formule sans doute suggérée par Véronèse lui-même. Il précise encore que le tableau devra être « de même largeur et de même hauteur que le mur de face, l’occupant tout entier. » Véronèse doit avoir achevé le tableau pour le 8 septembre 1563. Il reçoit paiement de la somme de 300 ducats le 6 octobre 1563 « pour le grand tableau fait dans le réfectoire des révérends pères de San Giorgio MaggioreLe tableau fait partie des œuvres d’art attribuées à la France en vertu du traité de Campo-Formio du 17 octobre 1797 au titre des contributions de guerre à la suite de la première Campagne d'Italie. Il est découpé en sept lais qui furent par la suite recollés en France1. Le 31 juillet 1798, Les Noces de Cana entrent au Muséum central des arts, l’actuel musée du Louvre. Il est exposé au premier étage, dans l’actuel Salon carré.En 1815, l’Autriche, puissance occupante de l’Italie, réclame le retour à Venise des Noces de Cana. Dominique Vivant Denon parvient à convaincre le commissaire autrichien que la fragilité et les dimensions de la toile rendraient son transport très difficile. L’Autriche reçoit en échange du tableau de Véronèse La Madeleine chez le pharisien de Charles Le Brun « pour le suppléer dans le réfectoire du couvent des Bénédictins de San Giorgio MaggioreLa France en est maintenant propiétaire et il se trouve au Louvre

Autres oeuvres

Cette œuvre lui a été commandée par les religieux dominicains1 de l'église Santi Giovanni e Paolo à Venise qui souhaitaient remplacer la Cène du Titien qui avait été détruite en 1571 dans l’incendie du réfectoire. Confisquée par les armées napoléoniennes, la toile est conservée 15 ans au Louvre avant d'être restituée à l'Italie à la chute de l'Empire. Elle est alors placée à la Gallerie dell'Accademia de Venise où elle fait l'objet de plusieurs restaurations2.

Lucrèce est une peinture de Paul Véronèse datant d'environ 15851. Elle représente le célèbre épisode où Lucrèce, femme romaine, qui après avoir été violée, se suicide pour sauvegarder son honneur et celui de sa famille2. La peinture est conservée au musée d'histoire de l'art de Vienne.

Médiagraphie

https://www.beauxarts.com/grand-format/paul-veronese-en-2-minutes/

https://www.artstorywalks.com/blog/oeuvre-a-la-loupe-les-noces-de-cana

https://www.histogames.com/HTML/chronique/analyse-tableau/les-noces-de-cana.php

page Les Noces de Cana sur Wikipedia

CONCLUSION

En conclusion nous pouvons dire que la renaissance a été témoin du changement de la technique des artistes avec des oeuvres complexes souvent guidées par les cieux qui étaient à cette époque très important. En effet, à cette époque l'Art est un sujet de prédilection du renouveau humaniste de la littérature, des arts et des sciences qui s'est produit en Europe du XIVe au XVIe siècle. L'un des aspects essentiel de la Renaissance en tant que période est le renouvellement des thèmes et de l'art en Europe après le Moyen Âge. Ce renouveau a changé l'Art dans l'Histoire.