matérialité_immatérialité

La matière, les matériaux et la matérialité de l’œuvreÉlargissement des données matérielles de l’œuvre : intégration du réel, usages de matériaux artistiques et non artistiques.Extension de la notion de matériau : données numériques, sons, gestes, lumière, mots, idées…

en lien avecSur-Natures, Paradis Artificiel de Miguel Chevalier

Corpus d'oeuvres

Une oeuvre a-t-elle besoin d'être créée pour exister ?Une oeuvre est-elle nécessairement le fruit du travail de l'artiste ?Existe-t'il des artistes sans oeuvre ? Existe-t'il des oeuvres sans artiste ?Une oeuvre immatérielle échappe-t-elle au marché de l'art ?Une oeuvre immatérielle échappe-t-elle à la muséification ?Vous interrogerez :- le statut de l'oeuvre- le statut de l'artiste

Ex de problématiques

C'est une idée (idéal de beauté > déesse de l'Amour) traduite dans le marbre, pour l'éternité

Technique : sculpture en ronde-bosseElle est composée de deux éléments joints au niveau des hanches. Le bras gauche était rapporté (présence d'une mortaise). Des éléments en bronze étaient rapportés : présence de trous pour un diadème, et un bracelet au bras droit.)

Etat de l'oeuvre : incomplet car il manque le bras gauche, une grande partie du bras droit, le pied gauche. Le nez présente des éclats. Le dos présente de nombreuses épaufrures (éclats de pierre). La plinthe (socle) a été retaillée dans l'Antiquité. Le chignon a été recollé et l'extrémité du nez a été refaite en plâtre.

204 cm de haut, marbre de Paros (lychnites), -150 / -125Lieu de découverte : Mélos (Milo) en 1820Statue de l'Antiquité grecque

https://collections.louvre.fr/ark:/53355/cl010277627

Une première représentation d’Aphrodite : La Vénus de Milo, musée du Louvre, Paris

oeuvres d'antithèse

Michel-Ange : "J'ai vu un ange dans le marbre et j'ai seulement ciselé jusqu'à l'en libérer ".

Eléments scénographiques, dispositif d'expositionRapports oeuvre / son espace d'expositionRapports oeuvre / spectateur (échelle)

204 cm de haut, marbre de Paros (lychnites), -150 / -125Lieu de découverte : Mélos (Milo) en 1820Statue de l'Antiquité grecque

La Vénus de Milo, musée du Louvre, Paris

matérialité picturalematériaux hétérogènesmatériaux organiques (paille, branches)empâtements

Anselm Kiefer : "Je ne fais pas de tableaux d’illusions, il n’y a pas de tableaux finis chez moi, c’est toujours un processus."

C'est une idée (mémoire) traduite dans le matérialité picturale, pour des toiles monumentales

Technique :Ces images ont une texture sédimentaire géologique. Des rapprochements fortement symboliques émergent du plomb, du béton, des productions sèches, du verre, du barbelé, des cendres, du bois, de la paille, de la peinture et d’autres matériaux hétérogènes. Les couches nombreuses de pâtes de couleurs donnent à la surface de ses tableaux une structure et une plasticité presque sculpturale, comme des bas-reliefs.

Durant la 59ème Biennale de Venise, la Fondazione Musei Civici di Venezia (MUVE) a invité l’artiste Anselm Kiefer à investir une salle du mythique Palais des Doges.

oeuvres d'antithèse

Monumentalité

matérialité picturalematériaux hétérogènesmatériaux organiques (paille, branches)empâtements Matières > matériaux

Durant la 59ème Biennale de Venise Anselm Kiefer au Palais des Doges.

oeuvres d'antithèse

Dans votre carnet de recherche, réalisez des croquis d'une de leur oeuvre(10 croquis au total avec cartel complet)

Sam Francis

Antoni Tàpies

Caractérise ce qui est matériel, concret. Donc la matérialité de l’oeuvre est à étudier à travers les qualités physiques du support, de l’outil, du médium, du vernis, du geste, …

https://www.profartspla.site/wordpress/Glossaire/materialite/

Lucio Fontana

Nicolas de Staël

Pierre Soulages

Jackson Pollock

Paul Cézanne

Auguste Renoir

Vincent Van Gogh

Claude Monet

matérialité picturaleempâtements

La peinture de ces artistes n'est pas une image à contempler mais une matière vibrante, vivante, qui montre le travail de l'artiste et doit déclencher des émotions chez le spectateur, au-delà de toute figuration.

Les peintres qui travaillent dans la matérialité de la pâte picturale : touches visibles, empâtements, griffures, raclures, peinture gestuelle, gliclures, coulures, ...

oeuvres d'antithèsela matérialité

Piet Mondrian : "Par l'intériorisation de ce qui est connu comme matière et par l'extériorisation de ce qui est connu comme esprit, matière-esprit devient une unité " page 52.

https://florencedemeredieu.blogspot.com/2011/08/histoire-materielle-et-immaterielle-de.html

Art conceptuelArt protocolaireArt numérique

La peinture est cosa mentale pour Léonard de Vinci : c’est le projet même qui est « une chose mentale », « une chose de l’esprit » qui importe le plus, avant même l’exécution de l’œuvre et son résultat tangible.

C'est l'idée qui fait l'oeuvre. Sa réalisation est secondaire, voire inutile. Elle peut être réalisée par n'importe qui (oeuvres protocolaires), par un programme (oeuvres numériques), par une machine, un robot, ...

La dématérialisation de l'oeuvre d'art est déjà évoquée par Léonard de Vinci

oeuvres thèse

À un pharmacien de la rue Blomet, Marcel Duchamp demande de vider une petite ampoule de verre de son sérum physiologique et de la sceller. Offert ensuite à son principal collectionneur, Air de Paris est un ready-made qui condense une dimension majeure de son œuvre : l'immatériel. C'est ainsi qu'à la fin de sa vie, Duchamp résume un principe mis en œuvre dès 1913 : « j'aime mieux vivre, respirer, que travailler ».

https://www.centrepompidou.fr/fr/ressources/oeuvre/cbLy77k

« J'ai pensé à un cadeau pour Arensberg qui possédait déjà tout ce que la fortune permet d'acquérir : alors je lui ai rapporté une ampoule d'air de Paris ». Marcel Duchamp

A un collectionneur qui peut tout acheter, Marcel Duchamp, donne quelque chose qui ne s'achète pas, de l'immatériel !

Air de Paris de Marcel Duchamp, 1919 / 1964, Centre Pompidou Parisoeuvre tridimensionnelle, en verre et bois, 14,5 x 8,5 x 8,5 cm

oeuvres thèse

Réplique réalisée par Ulf Linde, Henrik Samuelsson, John Stenborg, sous le contrôle d’Alexina Duchamp Huile, feuille de plomb, fil de plomb, poussière et vernis sur plaques de verre, feuille d'aluminium, bois, acier, 321 x 204,3 x 111,7 cm

Le Grand Verre, 1915-1923 de son titre complet : La Mariée Mise à Nu par ses célibataires, Même

Marcel Duchamp : " Chaque respiration est une oeuvre qui n'est inscrite nulle part ". " Le Verre n'était pas une peinture ".

Man Ray photographie la Tonsure de Marcel Duchamp en 1921

Les gestes artistiques de Marcel Duchamp : ready-made, performance, art corporel (body art), oeuvres éphémères, oeuvres protocolaires, ...

oeuvres thèse

Outil Mnémographique

Suite à l'exposition de 1917 où il expose sa Fontaine, Marcel Duchamp écrit :« Que Richard Mutt ait fabriqué cette fontaine avec ses propres mains, cela n'a aucune importance, il l'a choisie. Il a pris un article ordinaire de la vie, il l'a placé de manière à ce que sa signification d'usage disparaisse sous le nouveau titre et le nouveau point de vue, il a créé une nouvelle pensée pour cet objet ».

1913 / 1964 Assemblage Hauteur du tabouret : 53 cmHauteur du montage et de la roue : 73 cmSocle : 15 x 100 x 100Hauteur totale : 126 x 31,5 x 63,5 cmCentre Pompidou Paris Inscriptions :Signé sous le siège du tabouret : "Marcel Duchamp"Sur une plaquette en cuivre gravée : "Roue de bicyclette ; Marcel Duchamp 1964, ex. Rrose/ Edition Galerie Schwarz, Milan" L'original, perdu, a été réalisé à Paris en 1913. La réplique réalisée en 1964 sous la direction de Marcel Duchamp par la Galerie Schwarz, Milan, constitue la 6e version de ce Ready-made.

Les gestes artistiques de Marcel Duchamp : ready-made, performance, art corporel (body art), oeuvres éphémères, oeuvres protocolaires, ...

Ready-Made Roue de bicyclette

Ready-made Fontaine, 1917

Parmi ses premières œuvres immatérielles, un lâcher de 1001 ballons bleus dans le ciel de Paris, qualifié de (Sculpture Aerostatique, sur la Piazza du Centre Pompidou en 1957). Avec l’architecte Claude Parent, il développe un projet d’ « Architecture de l’Air », entre quête spirituelle et démarche utopique : une expérimentation pour « rendre visible le vide ». Au début des années 1960 il réalise ses premières Cosmogonies, œuvres produites par des phénomènes atmosphériques, ou ses Peintures de Feu. Yves Klein joue avec les éléments, le souffle du vent, la brûlure du feu, l’érosion de l’eau, l’empreinte du temps, la cristallisation. Il s’agit de saisir, par l’esthétique de l’art, des phénomènes naturels, des « états-moments de la nature » dans leur impermanence et leur dimension éphémère. Un travail de capture de l’insaisissable par la marque et la trace. Un Art qui imprègne le spectateur d’une conscience de l’immensité.

"Voici comment les choses se sont passées : en 1946, je peignais ou dessinais, soit, sous l’influence de mon père, peintre figuratif, des chevaux dans un paysage ou des scènes de plage, soit, sous l’influence de ma mère, peintre abstrait, des compositions de formes et de couleurs. Dans le même temps la « couleur », l’espace sensible pur, me clignait de l’œil d’une manière irrégulière mais obstinée. Cette sensation de liberté totale de l’espace sensible pur exerçait sur moi un tel pouvoir d’attraction que je peignais des surfaces monochromes pour voir, de mes yeux voir , ce que l’absolu avait de visible. (...) J’ai donc débouché dans l’espace monochrome, dans le tout, dans la sensibilité picturale incommensurable." Yves Klein, extrait de « Le dépassement de la problématique de l'art », 1959

Traduire, grader une trace, faire ressentir l' immatérialité

Monumentalité Rapport au lieu

L'immatérialité d'Yves Klein(IKB, Anthropométries)

oeuvres thèse

Tout individu peut réaliser une oeuvre, il suffit de suivre le protocole donné par l'artiste

Sol LeWitt " l’exécution est une affaire sans importance ".

Dessin mural à réaliser in situ selon les spécifications du certificat et du diagramme.

Monumentalité

Sol LeWitt

L'oeuvre existe dans l'esprit de l'artiste peu importe qui peut la réaliser ou même, a-t-elle besoin d'être réalisée ?

oeuvres thèse

Tout individu peut réaliser une oeuvre, il suffit de suivre le protocole donné par l'artiste

Sol LeWitt

oeuvres thèse

https://www.profartspla.site/wordpress/Glossaire/protocole/

Peinture acrylique sur toiles de 196 x 135 cm

N° du jour de son décès le 6 août 2011

Roman Opalka : " Chaque Détail (nom de ses toiles peintes) appartient à une totalité désignée par cette date, qui ouvre le signe de l’infini, et par le premier et le dernier nombre portés sur la toile. J’inscris la progression numérique élémentaire de 1 à l’infini sur des toiles de même dimensions, 196 sur 135 cm, à la main, au pinceau (de taille toujours identique « n° zéro » afin de veiller à la dimension graphique et à la lisibilité peinte des nombres), en blanc, sur un fond recevant depuis 1972 chaque fois environ 1 % de blanc supplémentaire. Arrivera donc le moment où je peindrai en blanc sur blanc... ".

Exposition La RépétitionDans la salle "Compter" Centre Pompidou Metz 09/10/2023

Le protocole suivi par l'artiste fait l'oeuvre

Roman Opalka

L'oeuvre existe par le geste de l'artiste

oeuvres thèse

Enceintes : éléments sonores

- Vanité contemporaine- Temporalité de l'oeuvre, du protocole, de l'artiste, du spectateur- Oeuvre visuelle et sonore (voix de l'artiste qui dicte les numéros en polonais dans le dispositif d'exposition par des haut-parleurs au plafond)

Exposition La RépétitionDans la salle "Compter" Centre Pompidou Metz 09/10/2023

Roman Opalka

L'oeuvre existe par le geste de l'artiste

oeuvres thèse

Andy Warhol : "Je voudrais être une machine ".

Les machines à dessiner de Jean Tinguely

L'oeuvre existe dans l'esprit de l'artiste peu importe qui la réalise... comme par exemple une machine !

oeuvres thèse

https://patricktresset.com/new/project/human-study-2-la-vanite/

Les dessins produits par Human Study#2 pendant toute la durée de l'exposition sont en vente à la librairie.

Trois robots, un renard et un corbeau empaillésDessins sur papieravec l'aimable autorisation de l'artiste.L'artiste français Patrick Tresser crée et expose des installations théâtrales autour d'agents robotiques en guise d'acteurs. Human Study #2, La Grande Vanité au Corbeau et au Renard s'inspire des célèbres vanités allégoriques peintes au XVIIème siècle. Placés devant la Vanité, trois robots de la série RN-P possèdent chacun un seul bras et un seul oeil, le strict nécessaire pour réaliser un dessin d'observation. Leurs corps sont de vieux pupitres d"écoliers sur lesquels sont posées des feuilles de papier. Bien que la technique de dessin de ces robots s'appuie sur celle de Patrick Tresset, elle passe par l'intermédiaire de leurs caractéristiques physiques et technologiques propres. Les robots dessinent inlassablement des éléments de cette vanité, en une sorte de commentaire sur la futilité de l'existence humaine.

Human Study #2, La Grande Vanité au Corbeau et au Renard, 2004-2017

Né à Noyon (France) en 1967. Vit et travaille à Londres (Grande-Bretagne)

Capteurs, cameras et programmation dePatrick Tresset

Nicolas Schöffer : "Désormais l'artiste ne crée plus une oeuvre, il crée la création ". Signalétique et lettrages de l'exposition Artistes & Robots, Grand Palais, 2018

L'oeuvre existe dans l'esprit de l'artiste

oeuvres thèse

Alta White (1967), récemment acquise par le Centre Pompidou Paris, est une projection lumineuse, blanche, triangulaire, convexe, posée au sol. Elle fait partie de la série des 50 Projection Pieces réalisées par Turrell de 1966 à 1969.

surnommé le "sculpteur de la lumière" !

https://jamesturrell.com/

James Turrell : "Dans mon travail avec la lumière, ce qui est vraiment important pour moi, c’est de rendre la qualité et la sensation de la lumière elle-même tout à fait tactile. La lumière est par essence apparemment intangible, mais elle se ressent physiquement. Souvent, les gens tendent la main et essaient de la toucher ".

Rendre tangible l'immatériel

L'immatérialité des oeuvres lumineuses (Light Art) : James Turrell

oeuvres thèse

≠ Serpent d'Océan immobile ≠ mobile"nature" ≠ technologiesolidité ≠ fragilité

Alberto Giacometti : " Une figure immobile s'entoure d'un espace fermé. Une figure en mouvement ouvre l'espace ".

// Serpent d'Océan de Huang Yong Ping- sculpture, structure- créature- espace de l'oeuvre (plage, espace public, extérieur)

Art cinétique (en mouvement)

surnommé le "sculpteur du vent " !

À Bordeaux, l'artiste néerlandais Theo Jansen expose dix de ses fabuleuses Strandbeests ou « bêtes de plage » qu'il crée depuis 30 ans. Grâce à des voiles et d'ingénieux mécanismes, ces étonnantes sculptures mobiles marchent toutes seules en dépliant leurs pattes, uniquement mues par la force du vent.

Monumentalité Rapport au lieu

Le vent comme constituant plastique

L'immatérialité du vent :

oeuvres thèse

Cette performance, mise au point en 1967 et 1968 n'a été montrée au public (en dehors de la St. Martin's School) qu'à partir de 1969 (pour la première fois à Bruxelles), avant d'être rejouée des dizaines de fois dans les années qui suivirent. Elle ne durait au départ que le temps du disque écouté une ou deux fois (3 ou 6 minutes) mais elle a ensuite été jouée pendant des heures et notamment pendant 8 heures par jour à Düsseldorf (Allemagne) où les deux artistes étaient présents sur leur socle de sculpture avant même la venue des premiers visiteurs et n'en descendaient qu'après le départ des derniers.

4min33 en 1952de John Cage

Oeuvre musicale emblématique qui consiste en un silence de 4 minutes et 33 secondes. Bien que l'œuvre soit généralement considérée comme de la musique avant-gardiste, elle est souvent présentée dans des expositions d'art contemporain en raison de son exploration des idées de silence, d'absence et de contexte. John Cage était lui-même un artiste plasticien et a collaboré avec des artistes tels que Robert Rauschenberg, Merce Cunningham et Marcel Duchamp.Cette oeuvre peut être assimilée à une performance, dans un esprit "Fluxus".

https://mediation.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-oeuvres-sonores/ENS-oeuvres-sonores.html

Auguste Rodin : " Peinture, sculpture, littérature, musique, sont plus proches les unes des autres qu'on ne le croit généralement. Elles expriment toutes les sentiments de l'âme humaine en face de la nature. Il n'y a que les moyens d'expression qui varient. ".

Les sons (musiques, bruitages, voix, ...) comme constituants plastiques

L'immatérialité des oeuvres sonores :

oeuvres thèse

Nature à l'oeuvre

Cette installation numérique présente sur un écran géant un ensemble de neuf pissenlits, qui se balancent en réaction au souffle du spectateur. Totalement interactive, l’œuvre invite le public à faire envoler les akènes des pissenlits dans une brise virtuelle, qui se régénère ensuite dans l’attente de nouvelles interactions.

Pionniers de l’art numérique en France : Michel Bret et Edmond Couchot(mathématiciens, informaticiens, artistes et théoriciens de l'art)Pissenlits, Artistes & Robots au Grand Palais, en 2018Création de 1990 avec le logiciel 3D temps réel Anyflooeuvre numérique, interactive

Michel Bret : "Personnellement, je pense que l’art, comme expression et formation d’une culture, se doit d’être en phase avec son époque. Il y a effectivement une révolution du numérique et les artistes ne peuvent l’ignorer ".

Rapports spectateur > spect-acteur (néologisme de Pierre Barboza, maître de conférence ensciences de l'information et de la communication)Temporalité dans l'oeuvre et de l'oeuvre

L'immatérialité des oeuvres numériques

oeuvres thèse

Walter Benjamin : " La reproduction, d'où toute matérialité s'est retirée ".

BIENNALE 3000 de Fred Forest en 2010 La Biennale en ligne est en concurrence directe avec la Biennale officielle de Sao Paulo. "Une Biennale pour le futur : sans commissaire, sans budget, sans lien avec la spéculation qui sévit dans le marché de l'art".

2017 Fred Forest nous offre une visite en vidéo à 360°, une visite virtuelle de son musée du mètre carré artistique, où les mondes virtuels et réels s'hybrident.

Lieux d'art dématérialisés : art partout et sans lieu ?Oeuvres dématérialisées : perte ou gain ? Réception du spectateur à travers des interfaces : manques ou potentialités infinies ?

Dématérialisation des expositions : de Fred Forest aux expositions virtuelles

Alors qu’un contenu numérique était par essence facilement duplicable, les NFT ont permis de numéroter et de rendre chaque œuvre unique. Pour la première fois, les œuvres digitales pouvaient gagner en rareté et obtenir un certificat d’authenticité. Il est alors devenu possible de vendre une œuvre numérique en tant qu’œuvre originale.Comme toute oeuve numérique, le statut de l'artiste, son rôle dans le processus de création, la notion même de talent sont remis en question.

La transaction la plus impressionnante à ce jour reste celle réalisée par Mike Winkelmann, connu sous son nom d’artiste Beeple, avec son oeuvre numérique Everyday - The first 5000 days vendue pour la modique somme de 70 millions de dollars. L’artiste n’avait jamais réussi à vendre une de ses oeuvres imprimées, et donc tangibles, pour plus de 100 $ !!!

ProjetRéalisationMonumentalité

Kasimir Malevitch : "Nos ateliers ne peignent plus de tableaux, ils bâtissent les formes de la vie ; ce ne seront plus les tableaux mais les projets qui deviendront des créatures vivantes." Bazart (groupe d'artistes barcelonais, 1994) : "L'art devient un produit de consommation comme un autre avec toujours de nouveaux arrivages ".

NFT = Non Fungible Token ou Jetons non fongibles (non interchangeables), identifiants numériques uniques et inviolables qui permettent d’authentifier n’importe quel fichier digital

Un projet coopératif impliquant des historiens, des développeurs et des analystes, Microsoft, la banque ING, l’université technologique de Delft et deux musées d’art néerlandais, le Mauritshuis (cabinet royal de peintures de La Haye) et le Rembrandthuis (musée de la maison de Rembrandt d’Amsterdam) qui n'a rien d'un chef d'oeuvre. C'est une expérience scientifique et technologique.Les scientifiques ont scanné plus de 160 000 fragments de 346 tableaux signés par Rembrandt, grâce à un scanner 3D

Ron Augustus, ingénieur de Microsoft : "Nous avons utilisé la technologie et les données comme Rembrandt a utilisé ses stylos et ses pinceaux pour créer quelque chose de nouveau. ".

Un programme informatique reproduit la technique du maître hollandais, disparu en 1669. Un portrait numérique à la manière du maître de plus de 100 autoportraits réalisés à son époque à la peinture à l'huile, en gravure et en dessin, est aujourd'hui généré un ordinateur, des algorythmes et imprimé en 3D. Le résultat a été présenté à la galerie Looiersgracht60 à Amsterdam en 2016.

L'art, les sciences et les technologies : dialogue ou hybridation

Intelligence artificielle, alogorithmes et imprimantes 3D supplanteront-elles l'artiste ?

Votre écrit reposera sur :Thèse : oui car...Antithèse : non car ...Synthèse : votre avis personnel+ références culturelles personnelles et dans ce Genial.ly sur Matérialité-Immatérialité

Les artistes doivent-ils avoir peur de l'intelligence artificielle ?

Comment Ai-Da a été conçue ?Aidan Meller, directeur de galerie d’art à Oxford, a eu l’idée de créer Ai-Da il y a maintenant plus de dix ans, et l’a nommée ainsi en hommage à la pionnière anglaise de la science informatique, Ada Lovelace. Mais c’est en 2017 que la conception de l’humanoïde a démarré, dans les ateliers d’Engineered Arts. Les ingénieurs ont créé le squelette, puis donné à Ai-Da une apparence féminine afin de « corriger le déséquilibre entre les hommes et les femmes, omniprésent dans le monde de l’art », selon Aidan Meller. Les étudiants des universités de Leeds et d’Oxford ont, développé le cerveau du robot, composé d’algorithmes complexes. Grâce à ces programmes hyper-élaborés, Ai-Da peut converser et choisir, sans l’aide de l’homme, les œuvres qu’elle souhaite dessiner. « On ne sait pas ce qu’elle a en tête quand elle commence à crayonner. Il est impossible de prédire ce qu’elle va réaliser », poursuit le marchand d’art.

Ce robot humanoïde ultraréaliste, qui se revendique comme le nouveau peintre du XXIe siècle, expose actuellement au Design Museum de Londres. Il est possible d’aller visiter « Ai-Da : Portrait du robot » , une série d’autoportraits qui soulèvent des questions sur l'identité humaine à l'ère numérique. « Elle s'améliore tout le temps », a déclaré son créateur Aidan Meller. C’est la première fois que des autoportraits du robot sont exposés. « C'est littéralement le premier autoportrait au monde sans ‘personne derrière’. Elle n'a aucune conscience, c'est une machine », a-t-il poursuivi. Dans une conversation troublante avec le quotidien britannique, Ai-Da a déclaré qu'elle travaillait sur un nouvel autoportrait. « J'ai toujours été fascinée par les autoportraits pour me questionner sur ce que vous regardez exactement », a-t-elle déclaré, en clignant des yeux, avant de poursuivre : « Je n'ai pas de sentiments comme les humains, mais je suis heureuse quand les gens regardent mon travail et se demandent ce que c’est. J'aime être une personne qui fait réfléchir les gens ».

Ai-Da, le premier robot artiste, expose à Londres Article de ParisMatch en ligne rédigé par Camille Hazard 20/05/2021 à 17:46, Mis à jour le 20/05/2021 à 18:11 https://www.parismatch.com/Vivre/High-Tech/Ai-Da-le-premier-robot-artiste-expose-a-Londres-1738755#9Le robot humanoïde Ai-Da, créé par Aidan Meller, expose une série d’autoportraits au Design Museum de Londres. Une première.

Commentaire critique