FUNDAMENTOS ARTÍSTICOS 24

3100 a.C.

MESOPOTOMIA

MESOPOTAMIA Y PERSIA El arte mesopotámico tenía carácter cívico: tiene palacios, templos y servicios públicos; tales como murallas, canales de riego, puentes, puertas y fortalezas. En la sociedad caldea el arquitecto disfrutó de alta estimación Las paredes se cubrían de relieves en colores siguiendo esquemas muy simples, en particular los de repetición y simetría.

EGIPTO

EGIPTO •Cultura sedentaria y agrícola •Arquitectura y obra civil •Culto a los muertos, inmortalidad y resurrección •El mito de Isis •El idealismo en la representación. Faraón-Dios •Esquematización narrativa: la pintura •Rigidez narrativa y rigidez política •Pintura a la encáustica •Idealismo y naturalismo: escultura •Mobiliario y objetos suntuarios

TUMBAS

FUNCIONALIDAD: Expresión de poder Preservar el cuerpo para la vida eterna. CARACTERÍSTICAS: Formas nítidas, geométricas, rotundas Estructuras adinteladas ( conocían las bóvedas, pero líneas rectas dan sensación de eterno) Predominio de la masa sobre los vanos Monumentalidad y colosalismo MATERIALES: Adobe en construcciones civiles. Piedra en templos y tumbas

TEMPLOS

TEMPLO: FUNCIONALIDAD: Culto y económica Uso de piedra: ETERNIDAD Colosalismo: SENTIDO DE PODER ARQUITECTURA ARQUITRABADA

2500 a. C.

1.500a. C.

Jónico: con basa, columna esbelta, fuste acanalado, sin éntasis, capitel con volutas, arquitrabe dividido en tres fajas, friso continuo (puede estar decorado).

FUNDAMENTOS Y ARTE ANTIGUO Ángeles del Canto

35.000 a. C.

25.000 a. C.

2 100 a.C.

1.000a. C.

PIRÁMIDE: Escalonada Acodadas Regulares Pirámide de Gizeh

La Puerta de Istar (o de Ishtar) fue una de las 8 puertas monumentales (10 metros de altura por 14 de ancho) de la muralla interior de Babilonia, a través de la cual se accedía al templo de Marduk, donde se celebraban las fiestas del año nuevo. El nombre de Istar lo recibe de la diosa a la que estaba consagrada.

COLUMNAS: PAPIROFORME HATÓRICA CAMPANIFORME PALMIFORME

HIPOGEO: Tumbas excavadas en roca Sepultura Tutankamon I, valle de los Reyes, Tebas

PARTES: Avenida de esfinges Obelisco, Pilonos (muro en talud) Patio hipetro rodeado de pórticos Sala hipóstila bosque de columnas Capilla Residencia del Dios Disminuye en tamaño y en luminosidad

El Zigurat es una torre cuadrada de varios pisos escalonados, en cuya cima está el santuario. Las caras se orientan hacia los cuatro puntos cardinales y se sube a los diferentes niveles por medio de una rampa que rodea los cuatro lados, o por dos escaleras simétricas que trepan por el frente o os laterales.

MASTABA: Forma rectangular Estructura trapezoidal Distribución interna: cámara funeraria subterránea pozo, serdab (capilla del doble) falsas puertas Mastaba de Saqqara

PARTES DEL TEMPLO: Avenida de esfinges o carneros de Amón Obelisco, Pilonos (muro en talud) Patio hipetro rodeado de pórticos Sala hipóstila bosque de columnas Capilla Residencia del Dios Disminuye en tamaño y en luminosidad

ARQUITECTURA PERSA: Herederos de caldeos y asirios, fusionaron arquitectura de éstos con las egipcia y la dotaron de personalidad propia, elegancia y armonía. Uso constante de la columna (en su territorio abundaba la piedra): gran altura (20 mts), sobre base cuadrada o campaniforme, fuste estriado, capitel con cuatro pares de volutas verticales sobre las que apoyaban dos mitades delanteras de toros arrodillados y unidos por el torso. , En su lomo, reposaban las vigas de techumbre.

Templo de Luxor (1400-1000 a.C.)

La estatua del rey Micerino y su esposa (aprox. 2500 a.C.)

Código de Hammurabi (1750 a.C.)

Estatua del príncipe Gudea ( 2120 a.C.)

Venus de Willendorf (28000-25000 a.C.)

Bisonte de Cueva de Altamira (Cantabria) (aprox 35000 -11000 a.C.)

Stonehenge (Inglaterra) (3100- 2000 a.C.)

ESCULTURA ROMANA

En la escultura romana es clara la influencia helénica, particularmente en las de carácter religioso, y también la influencia etrusca, sobre todo en el realismo del retrato.En los temas mitológicos encontramos fundamentalmente copias de obras griegas.Va desde el idealismo griego en la República y el Alto Imperio hacia el hieratismo y rigidez de las últimas realizaciones del Bajo Imperio.

ESCULTURA GRIEGA

Características generales: Importancia del HOMBRE. El CÁNON: belleza, número, proporción.Materiales: piedra o mármol; bronce. Técnica criselefantina. Escultura de bulto redondo. Relieves: adaptación al marco arquitectónico. Escultura policromada. Evolución: desde la simplicidad arcaica hasta el barroquismo helenístico.

ARCAICA

Período arcaico (siglos VIII-VI a.C.) Función religiosa. Influencias orientalizantes. Hieratismo, frontalidad, geometrización, sonrisa arcaica. Progreso hacia el naturalismo. Kurós y koré. Dama de Auxerre, El moscóforo.

PRIMER CLASICISMO

Primer clasicismo (estilo severo): etapa de transición, se abandona la frontalidad. Idealismo y expresión contenidas (equilibrio entre el “ethos” y “pathos”). Auriga de Delfos.

SEGUNDO CLASICISMO

Segundo clasicismo (siglo IV a.C.): menor majestuosidad, canon estético más estilizado, se acentúa el naturalismo, aparece el desnudo femenino. Se busca la belleza a través de lo diverso y expresivo. o Praxíteles (estilo hedonista):. o (estilo moral): Ménade furiosa. o Lisipo (uso del canon): Apoxiomenos.

GRECIA

LOS ANTECEDENTES HISTÓRICOS (II - I Milenio AC.): •LA CIVILIZACIÓN CRETENSE •LA CIVILIZACIÓN MICÉNICA •LAS INVASIONES INDOEUROPEAS (Los Dorios, los Rodios y los Aqueos) EL TIEMPO HISTÓRICO: •LA POLIS ARCAICA (S. VIII - VI AC. •LA POLIS CLÁSICA (S. V-IV AC.) •LA ETAPA HELENÍSTICA (S. IV-II AC.) (Del Imperio de Alejandro Magno a los Reinos Helenísticos)

ROMA

Roma: designa la entidad política unitaria surgida de la expansión de la ciudad de Roma, llegó a extender sus dominios sobre toda la cuenca del Mediterráneo y gran parte de Europa. Como capital del Imperio romano, se constituyó en una de las primeras grandes metrópolis de la humanidad, centro de una de las civilizaciones antiguas más importantes. Influenció la sociedad, la cultura, la lengua, la literatura, el arte, la arquitectura, la filosofía, la religión, el derecho y la forma de vestir de los siglos sucesivos.

DÓRICO

Dórico: sin basa, columna robusta, fuste en arista viva, éntasis, capitel sencillo, arquitrabe de una sola pieza, friso dividido en triglifos y metopas.

1000 a. C.

JÓNICO

Jónico: con basa, columna esbelta, fuste acanalado, sin éntasis, capitel con volutas, arquitrabe dividido en tres fajas, friso continuo (puede estar decorado).

CORINTIO

Corintio: similar al jónico, capitel con hojas de acanto.

1.50 a. C.

FARTE CLÁSICO Ángeles del Canto

KURÓS DE CRESO

Mirón, Él discóbolo

"Atenea Parthenos", escultura de bulto redondo de grandes proporciones que se encontraba en la naos del Partenón. Realizada en bronce y oro, solo nos ha llegado alguna copia de tamaño reducido. La original medía 12 metros de altura.

El Canon es un tratado teórico escrito por Policleto que en la actualidad está casi totalmente perdido. En él se detalla su sistema de composición escultórica y define la distribución proporcional como la correspondencia funcional de las partes y los miembros del cuerpo humano. El tema central de la obra es el hombre perfecto entendido no sólo como perfección física sino como identificación de lo bello, a través de la simetría y la proporción, con lo bueno. La armonía, relación de las partes con el conjunto, era formulada a través de relaciones numéricas atendiendo a un sentido pitagórico de la proporción como orden divino. Con mucha probabilidad, el Doríforo, ( 450 a. C.) fue el modelo utilizado por Policleto para ejemplificar su canon.

Escuela de Rodas El conjunto escultórico del Laocoonte pertenece a la escuela de Rodas. Sus autores fueron Agesandro, Polidoro y Atenodoro. Está tallada en una sola pieza de mármol. Mide 2,42 mt. y actualmente se halla expuesta en los Museos Vaticanos.

Praxíteles Hermes con Dionisio niño

Apoxeomenoi (330 a. C.) Con Lisipo la escultura se estiliza, pues alarga el canon de las esculturas y destaca la individualización realista en los retratos. En efecto, uno de sus mayores méritos, fue el de modificar y renovar, en primer lugar, el canon de proporción para la representación del cuerpo humano, que anteriormente se había fijado por Policleto, en relación 1:7. Lisipo revisó el canon aumentándolo a siete cabezas y media

Templo Dórico de Segesta

Erectión

Templo Corintio de Zeus

El Coliseo (anfiteatro flavio) hacia el 72-80 Es una de las obras clave de la arquitectura y la ingeniería romanas

El Templo Morada del dios. Origen: mégaron micénico. Planta tipo: pronaos, naos y cella. También templos circulares (tholos).

ÓRDENES CLÁSICOS : Dórico: sin basa, columna robusta, fuste en arista viva, éntasis, capitel sencillo, arquitrabe de una sola pieza, friso dividido en triglifos y metopas. Jónico: con basa, columna esbelta, fuste acanalado, sin éntasis, capitel con volutas, arquitrabe dividido en tres fajas, friso continuo (puede estar decorado). Corintio: similar al jónico, capitel con hojas de acanto.

FRONTÓN CLÁSICO

Un arco de triunfo es un monumento construido para conmemorar una victoria militar, aunque en realidad se usó para festejar a un gobernante.consiste en dos pilastras macizas unidas por un arco, rematadas por una superestructura plana o ático en la que puede estar una estatua o que luce inscripciones conmemorativas

Toman de los griegos dórico, Jónico y corintio Introducen dos órdenes nuevos: •El toscano que procede de los etruscos. •El compuesto que mezcla el jónico con el corintio

PLANTA DE LA BASÍLICA :En uno de los extremos de la nave principal existía una exedra o un ábside, donde se instalaba la presidencia, mientras que la entrada se efectuaba por el extremo opuesto a través de un pórtico.

Victoria de Samotracia ( 190 a. C) Escuela de Rodas

El Toro de Farnesio (150 a.C.) Escuela de Tralles

El torso de Belvedere (siglo II a.C.)Apolonio de Atenas

Panteón de Agripa (118-125)

Augusto Prima Porta ( Siglo I d.C.)

Batalla de Issos, Pompeya (siglo I d.C.)

Partenón de Atenas (447-438 a.C.) Ictino, Calícrates y Fidias

2030

ROMÁNICO

•La iconografía se basa en el simbolismo cristiano, pero está muy marcada por la ilustración miniada de las biblias y del Apocalipsis que se realizó durante la alta edad media. •Relatos del Antiguo Testamento, del Apocalipsis … y con la representación de los animales fantásticos de que habla Juan en el Apocalipsis a partir de los bestiarios alto medievales.

ESCULTURA GÓTICA

ESCULTURA GÓTICA Progresiva liberación del marco arquitectónico. Naturalismo.Las imágenes expresan sentimientos. Realismo El artista tiene libertad para hacer sus obras y las firmará. Gran importancia de la escultura funeraria.

Gótico lineal

GÓTICO LINEAL Extendido por toda Europa. Importancia de la línea y del contorno. Colores planos y vivos.. Escenas bajo arquerías góticas. Ausencia de luz natural. Desinterés por el espacio: ausencia de perspectiva. Figuras recortadas sobre fondos neutros. Movimiento indicado por los pliegues de las vestimentas.

Escuela italogótica

ESCUELA ITALO GÓTICA Ruptura con la tradición bizantina en beneficio de un mayor naturalismo. Nuevo tratamiento del espacio y de las figuras. Los fondos neutros desaparecen y dejan lugar a entornos naturales o arquitectónicos. Aumento de la riqueza gestual. Creciente importancia del estudio anatómico. Estudio de la luz. Mantenimiento de fondos dorados, frontalidad, composiciones planas y perspectivas forzadas.

Pintura Flamenca

Gran realismo.Representación de lo cotidiano.Inclusión de paisajes. Descontextualización de los personajes sagrados.. Gran detallismo en la representación de arquitecturas o paisajes.. Valor simbólico de todos los elementos..Apariencia escultórica y volumétrica de las figuras..Importancia de la luz, que crea gamas de tonos de colores brillantes e intensos.. Estudio del espacio: profundidad. Introducción de la técnica al óleo: pigmentos mezclados con aceite de linaza o nuez.Transparencias y veladuras. Colorido más brillante..Tabla como principal soporte. Temática religiosa.

GÓTICO

El Gótico se desarrolla entre mediados del siglo XII y principios del siglo XVI, salvo en Italia, donde el Renacimiento se inicia a principios del siglo XV. La arquitectura gótica nace y se desarrolla en la Isla de Francia (París). Gótico Inicial (1150- 1200)Conviven elementos románicos con otros del gótico. Se incluyen en este gótico los monasterios del Cister. Gótico pleno (Siglos XIII y XIV) En el siglo XIII el gótico alcanza todas sus características y elementos representativos: verticalidad, preponderancia del vano sobre el muro, etc. Es la época de las grandes catedrales. . En el siglos XIV la arquitectura sigue haciéndose más esbelta y empieza a darse una relativa independencia de la escultura y pintura. Gótico florido o flamígero Es la fase decadente correspondiente al siglo XV en que se produce una explosión decorativa, hasta el punto de hablar de barroquización del gótico. Junto al arco ojival se usan nuevos arcos como el escarzado, carpanel (tres centros) y conopial (cuatro centros) .

ROMÁNICO

El Románico fue un estilo artístico predominante en Europa durante los siglos XI, XII y parte del XIII. Fue el primer gran estilo claramente cristiano y europeo que agrupó influencia romana, prerrománica, bizantina, germánica y árabe y consiguió formular un lenguaje específico y coherente aplicado a todas las manifestaciones artísticas.Surgió de manera paulatina y casi simultánea en España, Francia, Italia, Alemania Surge como consecuencia de la prosperidad material y de la renovación espiritual .Se difundió por toda Europa, debido a: –Expansión de las órdenes religiosas (Cluny y Císter) que construyen monasterios y Las peregrinaciones

Románico catalán

-ROMÁNICO PRIMITIVO O CATALÁN: Edificios de apariencia austera, en sillarejo o mampostería, generalmente de tres naves, separadas por pilares simples, y cuya cabecera tiene tres ábsides. -Exterior decorado con bandas lombardas y pequeños arcos ciegos. -Esbeltos campanarios, de varios pisos, que también reflejan el primitivo románico lombardo.

Cirtersciense

CISTERCIENSE: Sus construcciones prescinden de los adornos, en consonancia con los preceptos de su orden de ascetismo riguroso y pobreza, consiguiendo unos espacios conceptuales, limpios y originales. Su estilo se inscribe en el final del románico, con elementos del gótico inicial, lo que se ha llamado "estilo de transición".

Románico Pleno

Floreció en el reino de Castilla, sobre todo. Escultura en fachadas Puertas monumentales Ventanas de medio punto con abocinamiento Canecillos a menudo decorados.

Ángeles del Canto

ROMÁNICO GÓTICO

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•La “Maiestas Domini” o Cristo en Majestad Jesús-Dios, omnipotente, que preside todo el cosmos, al que bendice o juzga, con el libro (evangelio) en la mano y es acompañado por los evangelistas.(Tetramorphos) Perspectiva jerárquica: tamaño superior al de cualquier otra figura, y lugar central y elevado en la composición,y expresión atemporal. Casi siempre aparece enmarcado en un óvalo: mandorla ( marco o aureola en forma oval o de almendra en donde se insertan personajes sagrados, siendo el más frecuente Jesucristo pero también, la Virgen María o los santos)

La portada, el punto en que entra en contacto lo profano con lo sagrado, es el lugar preferente para desplegar la potencia plástica de la escultura. –el tímpano –los arcos –los capiteles y, a menudo, –las propias columnas. –También puede añadirse uno o más frisos en relación con el tema del tímpano.

Los motivos representados en los capiteles se relacionan con la zona en la que esten situados dentro de la iglesia o de el claustro .La izquierda según la orientación de la iglesia era el norte mas oscura solia representar el pecado, la derecha la virtud al ser una zona mas luminosa. Adopta el bestiario procedente del mundo grecoromano, bizantino y persa dotándolo de significado sagrado.

Obtención de la pasta vítrea: El vidrio se obtiene a unos 1500 °C a partir de arena de sílice , 60% carbonato de sodio y caliza . A esa pasta se le añadía color utilizando, manganeso, cobalto en función de el color que se deseaba dentro del crisol que se calentaba en el horno a altísimas temperaturas

El habitual parteluz de las puertas góticas suele ser ocupado por una "figura amable" que da la bienvenida al feligrés, como Cristo Maestro o La Virgen en Majestad. Se simboliza la entrada al paraíso y por ello es una entrada amable.

Anunciación 1333 SIMONE MARTINI Galería de los Uffizi Florencia

Bestiario medieval, es una recopilación o compendio de animales fabulosos.

Transi: efigie de un difunto representado en estado de cadaver. Este tipo de esculturas funerarias se pusieron de moda durante el s. XIV en el contexto de los estragos causados por la peste negra. Inciden en las ideas de caducidad del cuerpo y la fugacidad de la vida terrenal, como recordatorio de la necesidad de cuidar el alma para disfrutar de la otra vida

Otra manifestación escultórica importante es el de los sepulcros esculpidos que pueden ser de dos tipos: -Adosados: de arcos solio. -Exentos: la cama funeraria está separada del muro. Se decoran los lados de la cama funeraria, y ésta se apoya en figuras animales. Sobre la cama funeraria ser suele representar al fallecido en posición yaciente y orante.

La catedral gótica es el edificio más representativo de la nueva sociedad urbana. Es la Iglesia de la ciudad. Se caracteriza por su verticalidad y su luminosidad. En las catedrales las columnas ganan altura gracias a los nuevos avances técnicos. Estas nuevas técnicas constructivas permite rasgar los muros y sustituirlos por vidrieras de colores. CATEDRAL DE LEÓN

San clemente de Tahull

San Martín de Frómista

Cisterciense

Planta de cruz latina, de tres o cinco naves y pilares compuestos. Girola o deambulatorio con absidiolos. Transepto destacado en planta Tribunas o triforios Son edificios totalmente abovedados ( bóveda de cañón y de aristas) y con varias torres. El cimborrio va a ejercer una importante función lumínica.

Las puertas tienen arquivoltas abocinadas y tímpano con relieves. Parteluz

PLANTA DE SALÓN Dividida en cinco naves, que en la cabecera generan un doble deambulatorio. El transepto no suele sobresalir exteriormente, ya que queda integrado en el cuerpo longitudinal del edificio, aunque se siguen abriendo pórticos a su exterior. Abside , Absidiolos ( capillas radiales)

El alzado interior de la catedral se articula en: arcadas que separan la nave central de las laterales; triforio a modo de galería abierta sobre la nave central; y claristorio, con vanos cubiertos de vidrieras que posibilitan el paso de la luz exterior.

ARBOTANTE Estructura en forma de medio arco colocada en la parte exterior de un edificio que transmite el peso de la bóveda hacia los contrafuertes.

BÓVEDA DE CRUCERÍA SIMPLE Y SEXPARTITA

ARCO GÓTICO APUNTADO

El S. XV conoció el impulso definitivo de la arquitectura civil, que en el ámbito de las finanzas tuvo su máximo exponente en la construcción de lonjas (edificios destinados a albergar actividades mercantiles y que eran el reflejo del dinamismo de la clase comercial).

Pantocrátor Fresco del ábside de San Clemente de Tahull,1133

Interior Catedral de León (primer tercio Siglo XIII)

Anunciación a los pastores del panteón de reyes de San Isidoro de León, ca. 1180

Jónico: con basa, columna esbelta, fuste acanalado, sin éntasis, capitel con volutas, arquitrabe dividido en tres fajas, friso continuo (puede estar decorado).

Ángeles del Canto

ALBERTI

ALBERTI –Humanista completo, matemático, arquitecto, arqueólogo, poeta…. –Gran tratadista más que arquitecto, “De re aedificatoria” acabada en 1460. –Preocupado sobre todo en temas de perspectiva y recuperación de las formas clásicas. –Obras: •Palacio Rucellai.: Modelo de palacio renacentista mejorando el planteamiento de Michellozo. –Alternancia de órdenes, toscano, jónico y corintio. –Banco corrido en el zócalo que está realizado imitando el opus reticulatum romano.

BRAMANTE

Bramante. ras el templete de San Pietro in Montorio, en noviembre de 1503, es nombrado arquitecto pontificio, llevando a cabo dos intervenciones: el llamado Palacio de los Papas y la nueva Basílica de San Pedro en el Vaticano, proyecto este último que solo llegó a comenzar y que sería más tarde continuado y modificado por Rafael, Antonio de Sangallo y Miguel Ángel, para ser concluido en el siglo XVII por Carlo Maderno.

BRUNELLESCHI

BRUNELLESCHI• Considerado pro su cúpula de Santa Maria de las Flores como el primer arquitecto renacentista. •Gran conocimiento matemático que le permitió levantar la cúpula pero también crear obras de una perfecta proporción numérica, conmodulatio. •En su interés por respeta las proporciones y medidas va a crear el dado brunelleschiano, fragmento de entablamento que se coloca sobre la columna para evitar que su longitud fuera mayor al doble del intercolumnio. •En los interiores se decantará por una luz diáfana, pura, ayudado por el uso de la pietra serena para las columnas y los arcos.

ESCUELA VENECIANA

ESCUELA VENECIANA Características del estilo: •Predominio del color en detrimento del dibujo •Importancia de los temas secundarios: los paisajes de fondo, lo anecdótico y los detalles •Arte sensual, desnudos Autores Giorgone, Tiziano, Tintoretto, Veronés

BOTTICHELLI

BOTTICHELLI Trabajó para los Medici.Delicaleza y melancolía, modelo de belleza femenina. Línea fina de contorno.Escorzo Las figuras parecen flotar . Temple sobre tabla

PINTURA RENACIMIENTO

Evocación de lo antiguo, cuya belleza idealizada pretendían tomar como ejemplo. Observación viva de la naturaleza. Los cuadros se sitúan en paisajes naturales que se intentan recrear con fidelidad, o en marcos arquitectónicos, en los que columnas, frontones, palacios y templos sirven de excusa a alardes de perspectiva. La figura humana se convierte en centro y medida de todas las cosas. El estudio de la anatomía, incluso la realización de autopsias, ayuda a los artistas a comprender la realidad del cuerpo humano Dominio de la perspectiva, y de las técnicas compositivas Los efectos de luces y sombras como el claroscuro o la grisalla. De ahí técnicas nuevas como el esfumado Continúan realizándose decoraciones murales al temple y al fresco., aunque se extiende el uso del lienzo. Cuadro único. Se introducen nuevos temas, como los mitológicos, alegorías y temas históricos.

QUATROCENTO

Estos artistas se diferenciaron del gótico precedente al colocar las figuras en espacios arquitectónicos que procuran representar con la debida perspectiva. El centro de atención es la figura humana, generalmente idealizada, estudiada en diversas posturas y movimientos. Las proporciones humanas volvieron a normalizarse. Se perfeccionó así la tridimensionalidad y se sentaron las bases del estilo renacentista. Quattrocento Precedente: Giotto. Gran desarrollo en el uso de la luz. Falta de cohesión entre color y forma. Belleza idealizada (desnudos). Tema religioso desde un punto de vista sexual. Autores: Masaccio, Fra Angélico, Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Paolo Uccello, Filippo Lippi y Andrea Mantegna.

MASACCIO

Primer pintor renacentista Primero en dominar la perspectiva lineal y atmosférica Monumentalidad y volumen de las figuras jugando con la luz

FRA ANGÉLICO

Fray Angélico combinó la elegancia decorativa del gótico con el estilo más realista de otros maestros del renacimiento como el pintor Masaccio y los escultores Ghiberti y Donatello y aplicó también las teorías sobre la perspectiva de León Battista Alberti. Las expresiones de devoción en los rostros son muy logradas, así como la utilización del color que consigue dar mayor intensidad emotiva a la obra. Su maestría en la creación de figuras monumentales, en la representación del movimiento y en la capacidad para crear planos de profundidad a través de la perspectiva lineal, especialmente en los frescos realizados en Roma, lo confirman como uno de los pintores más importantes del primer Renacimiento.

DE LA FRANCHESCA

Piero de la Franchesca. Pintor especialista en frescos, pero en su época fue conocido también como un geómetra y matemático, maestro de la perspectiva y de la geometría euclidiana, temas en los que se concentró a partir del año 1470. Su pintura se caracterizó por su estilo sereno y el uso de las formas geométricas, particularmente en relación con la perspectiva y la luz.

RAFAEL

RAFAEL Dibujo preciso Amplia gama de colores Sfumato de Leonardo y expresividad de Miguel Ángel

TIZIANO

La maestría de Tiziano para el retrato le otorgó una amplia fama durante toda su vida. Pintó fielmente a príncipes, duques, cardenales, monjes, artistas y escritores. El reflejo de la psicología de los retratados, la claridad de los rasgos y la instantaneidad de las figuras elevan a Tiziano a la altura de los mejores retratistas de la Historia, como Rembrandt o Velázquez. El rey nombró a Tiziano «pintor primero» de la corona de España, y quizás por ello hay tanta obra suya en el Prado. Entre encargos realizó muchas escenas mitológicas,pero también asombrosas obras religiosas que hicieron que también el Papa Pablo III cayera rendido ante su arte. Tiziano fue uno de los soldados culturales de la Contrarreforma. La iglesia católica necesitaba artistas como él para crear la iconografía necesaria para expandir su ideología y este lo aprovechó al máximo. El pintor continuó aceptando encargos hasta el fin de sus días, y murió con los pinceles en la mano a causa de la peste negra. El respeto a su figura permitió que sus restos no fueran incinerados como obligaban las autoridades. Siglos después su obra sigue siendo venerada. Sus colores cambiaron el rumbo del arte. Sin diseños preparatorios, Tiziano pintaba directamente sobre el lienzo y el resultado denota esa inmediatez y frescura. Un uso del color, vívido y luminoso, con una pincelada suelta y una delicadeza en las modulaciones cromáticas sin precedentes en la Historia del Arte occidental. Un verdadero impresionista del XVI.

LEONARDO

LEONARDO Dibujo preciso, gusto por el detalle. Sonrisa misteriosa. Invención del sfumato, difuminar los contornos .Perspectiva aérea Etapa Florentina( perspectiva y luz) Etapa Milanesa( desde 1482) Al servicio de Ludovico Sforza, como pintor , escultor e ingeniero Segunda etapa Florentina( desde 1550)Trabaja para César Borgia( hijo del papa Alejandro VI)

QUINCECENTO

La pintura del Cinquecento supone la cumbre del Renacimiento italiano. Se desarrolló, como su nombre indica, en la Italia del siglo XVI.Sigue trabajándose sobre todo temática religiosa, pero se tratan también otros temas. Los pintores ya no se obsesionan con la perspectiva lineal y geométrica, sino que procuran una mayor naturalidad en sus obras. Rafael y las obras de juventud de Miguel Ángel ejemplifican esta serenidad ideal, buscando el modelo ideal que subyace a las formas naturales del cuerpo humano.diferenciar a los cuadros del Cinquecento de los del Quattrocento: el uso de la luz. Autores: Leonardo, Miguel Ángel , Rafael

VERONÉS

Veronés. Su temática es predominantemente religiosa, pero representa las escenas bíblicas al modo de las grandes fiestas venecianas, reflejando la alegría de vivir y el esplendor de la República de los dogos. Los trajes son fastuosos y el ambiente, suntuoso, poblado de multitud de personajes en grandilocuentes ambientaciones. Estos alardes creativos chocaban frontalmente con la fidelidad histórica de los hechos bíblicos, lo que motivó las fricciones entre el artista y la Iglesia.

MIGUEL ÁNGEL

Miguel Ángel. Etapas: Etapa clásica. Equilibrio y calma Etapa manierista. •Desequilibrio e inestabilidad •Desproporción, alargamiento y monumentalidad •Desinterés por la belleza. •Inacabado •Serpentinata: giro helicoidal •Terribilitá: sensación de fuerza fruto de mezclar lo colosal con la tensión interna( musculatura), el movimiento y una gran expresividad

RENACIMIENTO

COLUMNAS: PAPIROFORME HATÓRICA CAMPANIFORME PALMIFORME

PLANTA TEMPLETE BRAMANTE

David. Miguel Ángel. Sus obras rompen con el clasicismo imperante y buscan plasmar realismo, pero también expresividad y, sobre todo, movimiento. La serie de los Esclavos son la mejor muestra de ese anhelo que parecen mostrar las figuras trabajadas por el artista renacentista, que se contorsionan como si lucharan por salir del bloque de piedra que las retiene. Esta sensación de movimiento la consiguió con el contrapposto,S Los protagonistas de sus obras expresan sus sentimientos y expresiones de manera dramática: es lo que se ha denominado la terribilitá. Sus personajes muestran miradas penetrantes y profundas. Y no solo en los rostros; también los cuerpos expresan tensión contenida, fuerza. Las manos del David son buena prueba de ello, con sus venas y tendones bien definidos. También el torso, las piernas… Toda la musculatura, todos los detalles anatómicos están representados de manera excepcional en esta escultura

RECTÁGULO ÁUREO

Cúpula de Santa María de las Flores (1418-1446 )

Alberti Santa Maria Novella. •Iglesia gótica fachada renacentista aunque la parte inferior sigue siendo gótica. •Incorporación de elementos clásicos como los pilastras, los arcos de medio punto y los aletones para que sirvan de transición entre el cuerpo inferior y el superior.

TEMPLETE BRAMANTE(1502-1510): Encargo de los Reyes Católicos, que para conmemorar la Toma de Granada (1492) deciden levantar una iglesia en honor a san Pedro apóstol. En el lugar en que se cree fue martirizado se construyó en 1502 el Templete de San Pietro in Montorio o tempietto. Este templete fue casi una especie de prueba por parte del papa Julio II. Está considerado uno de los edificios más armoniosos del Renacimiento. A pesar de su pequeño tamaño, la construcción tiene todas las proporciones rigurosas y la simetría de las estructuras clásicas, rodeado por finas columnas toscanas, con una cúpula por encima.

HOSPITAL DE LOS INOCENTES BRUNELLESCHI

La calumnia de Apeles (1495)

SANDRO BOTTICHELLI La primavera

MASACCIO LA TRINIDAD. Santa María Novella FLORENCIA. Mural al fresco. Primer pintor renacentista. Primero en dominar la perspectiva lineal y atmosférica. Monumentalidad y volumen de las figuras jugando con la luz

Fray Angélico combinó la elegancia decorativa del gótico, en particular del gótico internacional de Gentile da Fabriano, con el estilo más realista de otros maestros del renacimiento como el pintor Masaccio y los escultores Ghiberti y Donatello, que trabajaban en Florencia, y aplicó también las teorías sobre la perspectiva de León Battista Alberti. Las expresiones de devoción en los rostros son muy logradas, así como la utilización del color que consigue dar mayor intensidad emotiva a la obra. Su maestría en la creación de figuras monumentales, en la representación del movimiento y en la capacidad para crear planos de profundidad a través de la perspectiva lineal, especialmente en los frescos realizados en Roma, lo confirman como uno de los pintores más importantes del primer Renacimiento.

PIERO DELLA FRANCHESCA La Flagelación Matemático: geometría de composiciones y estudio de la perspectiva Monumentalidad Contornos marcados

La última cena

ESCUELA DE ATENAS RAFAEL

TIZIANO Venus de Urbino

Veronés. Las bodas de Canaá

Frescos de La Capilla Sixtina (1508-1512)

BARROCO

El barroco fue una época en donde la exageración, ostentación y opulencia cobran un auge muy fuerte y se marcan como tendencias en todo un continente, no solo en el arte, la literatura o música si no que también en la moda jugando un papel muy importante dado que se dan diversos cambios. Se consideró la decadencia del clasicismo renacentista, siendo el manierismo la etapa de transición entre ambos. En Italia aparecen las características definitorias del barroco que siguen la línea marcada por el manierismo, pero sustituyendo su simbolismo y su idealismo por un marcado naturalismo. •El tema religioso será dominante. Iglesias. •Decoración profusa (contra el Renacimiento) que busca impresionar. •Naturalismo ( contra el manierismo) preferencia por lo inmediato y lo cotidiano y realismo ( piel y ropa) se busca la cercanía. •Dramatismo se busca expresar sentimientos y estados anímicos, transmitir emoción. Se destaca el Pathos (emociones incontrolables) sobre el hete ( emociones controladas) •Teatralidad ( composiciones escenográficas) La escultura y la arquitectura se complementan. La arquitectura sirve de escenario para la escultura. •Búsqueda del movimiento con una preferencia por lo curvilíneo (como el manierismo) para expresar movimiento y tensión, ruptura con el equilibrio clásico. •Fuertes contrastes cromáticos y luminosos que buscan centrar la atención.

1750

ESCULTURA BARROCA

Dramatismo que busca expresar sentimientos y estados anímicos, transmitir emoción. Expresividad helenística la misma cara que tiene el Laoconte tiene Santa Teresa en su éxtasis. Teatralidad ( composiciones escenográficas) La escultura y la arquitectura se complementan. La arquitectura sirve de escenario para la escultura. Amor a lo curvilíneo para expresar movimiento y tensión, las figuras nunca se representan en reposo. Ropa parece agitada por el viento. Fuertes contrastes cromáticos y luminosos que buscan centrar la atención. Juegos de luces y sombras, plegados de ropajes, sensación viva y mutable Composición abierta o centrifuga. Proyección de la obra hacia el exterior.

PINTURA BARROCA

La pintura adquirió un papel prioritario dentro de las manifestaciones artísticas, y llegó a ser la expresión más característica del peso de la religión en los países católicos y del gusto burgués en los países protestantes. Temática religiosa y profana: mitológica, alegórica, pintura de género bodegones, vanitas, paisajes. Efectismo visual. Representación del infinito, de las apariencias, la perspectiva aérea, la luz y la sombra. Teatralidad, búsqueda de la expresión de los temperamentos, los sentimientos. Composiciones complejas, con más movimiento, los elementos del cuadro tienen una organización centrífuga. Preferencia por las líneas curvas y en diagonal. Sensación de que el espacio real se amplia. Triunfo del color y la luz sobre el dibujo.

EL GRECO

El Greco. Su formación pictórica fue compleja, obtenida en tres focos culturales muy distintos: su primera formación bizantina fue la causante de importantes aspectos de su estilo que florecieron en su madurez; la segunda la obtuvo en Venecia de los pintores del alto renacimiento, especialmente de Tiziano, aprendiendo la pintura al óleo y su gama de colores —él siempre se consideró parte de la escuela veneciana—; por último, su estancia en Roma le permitió conocer la obra de Miguel Ángel y el manierismo, que se convirtió en su estilo vital, interpretado de una forma autónoma. Su obra se compone de grandes lienzos para retablos de iglesias, numerosos cuadros de devoción para instituciones religiosas, en los que a menudo participó su taller, y un grupo de retratos considerados del máximo nivel.

BERNINI

Poseía la habilidad de crear en sus esculturas escenas narrativas muy dramáticas, de captar unos intensos estados psicológicos y también de componer conjuntos escultóricos que transmiten una magnífica grandeza. Su habilidad para tallar el mármol llevó a que fuera considerado un digno sucesor de Miguel Ángel, muy por encima de sus coetáneos.Bernini empleó la luz como un destacado recurso metafórico que completa sus obras, en ocasiones con puntos de iluminación invisibles que intensifican el foco de la adoración religiosa o amplifican el dramatismo de la narrativa escultórica.

CARAVAGGIO

Michelangelo Merisi da Caravaggio -Grandes composiciones de tema religioso, exageración del dramatismo, incluye personajes de clase baja. Tratamiento tenebrista, las figuras emergen del fondo oscuro, rescatadas por un foco de luz artificial. La pincelada no es perceptible en las figuras el borde es neto

JOSÉ DE RIBERA

( El españoleto). Influencia de Caravaggio, Personajes : religioso, pobres, mendigos, locos. Grandes composiciones de tema religioso con dramatismo, en las expresiones, un tratamiento excelente de la piel humana.La pincelada se adapta al tipo de superficie a representar.

VELÁZQUEZ

Velázquez. Las características más peculiares y representativas de su pintura :Empleo de la perspectiva aérea, Profundidad., Pintura "alla prima", es decir, sin realización de bocetos. La obra de Diego Velázquez es divisible en dos etapas: la sevillana y la madrileña. En su primera etapa guarda mas similitudes con la obra tenebrista y Caravaggio.Su pincelada era mas prieta. Pasa a trabajar en la corte y las grandes composiciones son de carácter profano y mitológico su pincelada se vuelve mas suelta

REMBRANT

Escuela holandesa. Influencia de Caravagio. Contrastes luces y sombras. Pincelada apretada, que evoluciona ha más suelta y pastosa. Cultivó todos los géneros.

RUBENS

Rubens pintor flamenco (belga) una pintura aristocrática y religiosa. Pincelada suelta color brillante, se trata de una pintura muy sensual, con vigorosos colores influidos por la pintura de Ticiano, aborda retratos, temas religiosos, temas mitológicos.

VERMEER

Se trata de una expresión del gusto burgués que compraba cuadros, de pequeñas dimensiones. Temas secundarios: paisajes, naturaleza muerta, animales, pintura de género, vida cotidiana, vida en las tabernas,retratos tomando como modelo gente corriente en labores cotidiana. Técnica preciosista, al oleo sobre tela y sobre tabla

SOFONISBA ANGUISSOLA

Pintora italiana, considerada la primera mujer pintora de éxito del Renacimiento. Cultivó el retrato y el autorretrato, estableciendo nuevas reglas en el ámbito del retrato femenino. A los 27 años se estableció en España, en la corte del rey Felipe II. Se le adjudica un importante papel como eslabón entre el retrato italiano y el español en el siglo XVI, además de notable influencia en el desarrollo posterior de este género en Italia.

ARTEMISA GENTILESCHI

Uno de los grandes exponentes de la escuela romana de Caravaggio, con quien se la ha comparado por su dinamismo y por las escenas violentas que a menudo representan sus pinturas. En sus cuadros desarrolló temas históricos y religiosos. Fueron célebres sus pinturas de personajes femeninos como Lucrecia, Betsabé, Judith o Cleopatra, en los que se han leído rasgos feministas

ZURARÁN

Pintor monástico por excelencia, absolutamente identificado con la pasión devota y el prodigio milagroso, siempre visto desde un ángulo sencillo, directo, severo y cotidiano.

BARROCO

Fundamentos Ángeles del Canto

TINTORETTO

Por su fenomenal energía y ahínco a la hora de pintar fue apodado Il Furioso, y su dramático uso de la perspectiva y los especiales efectos de luz hacen de él un precursor del arte barroco. .

MANIERISMO

El término manierismo es la denominación historiográfica del periodo y estilo artístico que se sitúa convencionalmente en las décadas centrales y finales del siglo XVI (cinquecento, en italiano), como parte última del Renacimiento Es una reacción contra el ideal de belleza clasicista y una complicación laberíntica. Características a nivel formal: empleo de la línea serpentinata, anamorfosis, exageración de los movimientos, los escorzos, las texturas, los almohadillados, alteración del orden en los elementos arquitectónicos) El manierismo es considerado subjetivo e inestable. Los artistas se dejan llevar por sus gustos, ALEJÁNDOSE DE LO VEROSÍMIL, TENDIENDO A LA IRREALIDAD Y A LA ABSTRACCIÓN.

Luisa Roldán

Su escultura fue de temática religiosa, siguiendo las directrices del Concilio de Trento de humanizar el arte de las imágenes, para poner la religión más cercana al pueblo. Realizó esculturas de tamaño natural para procesionar, en madera o de barro cocido con policromía

Caravaggio. Luz artificial, intencionada. Contrastes de luces y sombras Personajes reales. Temas dramáticos y violentos. Gran realismo. Precursor del tenebrismo

David.Bernini

Las tres gracias. Rubens . Escuela flamenca. Dinamismo, composiciones abiertas. Riqueza cromática. Pincelada suelta. Obras de carácter sensual. Composiciones de gran tamaño

Autorretrato Rembrant.

Caravaggio. Luz artificial, intencionada. Contrastes de luces y sombras Personajes reales. Temas dramáticos y violentos. Gran realismo. Precursor del tenebrismo

Vermeer. Escenas de interior, plácidas y serenas. Escenas cotidianas. Luz clara y diáfana. Rico cromatismo

San Jerónimo penitente . José de Ribera

La vocación de San Mateo (1601) Caravagio

La ronda de noche (1642) Rembrant

El rapto de la hijas de Leucipo (1616-18) Rubens

San Serapio (1628) Zurbarán

El arte de la pintura hacia (1668) Veermer

El martirio de San Felipe, (1639) Ribera

Apolo y Dafne (1622-1625) Bernini

El lavatorio . El artista representa el episodio de Cristo y san Pedro en un extremo de la composición. La mayor parte del lienzo está ocupado por la estancia donde se desarrolla la Última Cena, con la mesa y los discípulos en torno a ella. En el centro destaca un perro, y detrás los apóstoles descalzándose o en diversas posturas y escorzos.. El extremo de la izquierda está dominado por otro apóstol que se está desatando el calzado, cuya esculturalidad se asemeja a las poderosas anatomías de Miguel Ángel.

El Martirio de San Mauricio y la legión tebana (1580) El Greco

Retrato de Felipe II (1573) Sofonisba Anguissola

El arcángel San Miguel venciendo al demonio (1692) Luisa Roldán

2030

ALEMANIA

ALEMANIA : Importancia del paisaje como transmisor de sentimientos

FRANCIA

FRANCIA: Composiciones más dinámicas, e incluso abigarradas, con mucha importancia del color y una impresión general de sensualidad y con temáticas innovadoras (obras basadas en la literatura, influjo de lo medieval, representación de la naturaleza).

GOYA

Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, provincia de Zaragoza, 30 de marzo de 1746-Burdeos, Francia, 16 de abril de 1828)1 fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la pintura contemporánea y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.Tras un lento aprendizaje en su tierra natal, en el ámbito estilístico del barroco tardío y las estampas devotas, viaja a Italia en 1770, donde traba contacto con el incipiente neoclasicismo, que adopta cuando marcha a Madrid a mediados de esa década, junto con un pintoresquismo costumbrista rococó derivado de su nuevo trabajo como pintor de cartones para los tapices de la manufactura real de Santa Bárbara

INGLATERRA

INGLATERRA: Descubrimiento de la naturaleza, con sus paisajes, la luz y los colores. Se refleja un paisaje que progresivamente está viéndose afectado por la Revolución industrial

DELACROIX

Delacroix: Pintor apasionado que adoptó un estilo resuelto y vigoroso. Trató con libertad el color, la pasta y la textura superficial del lienzo. Son obras típicamente románticas

FRIEDRICH

Friedrich: Cultiva principalmente el paisaje, con ruinas góticas, noches, cementerios, árboles nudosos y espacio helados que transmiten una sensación de melancolía y angustia.

GERICAULT

Gericault: Un estilo recargado, de empaste grueso, muy influido por la obra de Rubens

TURNER

Turner: dotó a sus obras de una dimensión onírica, recurriendo a composiciones en espiral y elaborados empastes, prevaleciendo de manera absoluta el color sobre el dibujo

ROMANTICISMO

ROMANTICISMO CARACTERÍSTICAS

CONTEXTO HISTORICO ARTISTICO: Este auge del nacionalismo fue una reacción a la cultura francesa del siglo XVIII, de espíritu clásico y universalista, difundida por toda Europa mediante Napoleón. CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ESTILO El Romanticismo es una reacción contra el espíritu racional y crítico de la Ilustración y el Clasicismo, y favorecía, ante todo: • La conciencia del Yo como entidad autónoma y, frente a la universalidad de la razón dieciochesca, dotada de capacidades variables e individuales como la fantasía y el sentimiento. • La primacía del Genio creador de un Universo propio, el poeta como demiurgo. • Valoración de lo diferente frente a lo común, lo que lleva una fuerte tendencia nacionalista. • El liberalismo frente al despotismo ilustrado. • La originalidad frente a la tradición clasicista y la adecuación a los cánones. Cada hombre debe mostrar lo que le hace único. • La creatividad frente a la imitación de lo antiguo hacia los dioses de Atenas. • La nostalgia de paraísos perdidos (de la infancia o de una nación). • La obra imperfecta, inacabada y abierta frente a la obra perfecta, concluida y cerrada. • Evasión del Tiempo (medievalismo), evasión a otros lugares,(gusto por lo oriental) • Importancia de lo misterioso lo sebrenatural

PINTURAS NEGRAS

Pinturas negras (1819-1823) es el nombre que recibe una serie de catorce obras murales de Francisco de Goya, pintadas con la técnica de óleo al secco (sobre paredes recubiertas de yeso). Las creó como decoración de los muros de su casa, llamada la Quinta del Sordo, que había adquirido en febrero de 1819. Estos murales fueron trasladados a lienzo a partir de 1874, y actualmente se conservan en el Museo del Prado de Madrid. La composición de estos cuadros es muy novedosa. Las figuras suelen aparecer descentradas,lo que es una muestra de una mayor modernidad compositiva. colores obscuros en gama tonal parda y de temática atroz: violencia, mundo fantasmal demoníaco, personajes deformes o mutilados, que van mas allá del sentimiento romántico de su época, por sus vigorosa y expresiva pincelada puede considerarse precursor del expresionismo

ETAPA COSTUMBRISTA

Trabajó realizando patrones o modelos para la Real Fábrica de tapices destinados a decorar los aposentos reales, se denominaban Cartones, no por su material con en el que estaban hechos, pues eran óleo sobre lienzo. Al mismo tiempo se fue perfilando como retratista, ingresó en la academia y en 1786 fue nombrado pintor del rey e en 1789 pintor de cámara de Carlos IV.

Fundamentos Ángeles del Canto

Retratos

•Género que más cultivo: reyes, nobles y personajes populares.•Tenía una habilidad para plasmar la personalidad del modelo y su situación social.•Se caracteriza por el realismo y la sinceridad, reflejando perfectamente el retrato.•Pincelada sueltas, cortas, dibujos de trazos rotos, discontinuos, y mayor penetración psicológica.•Trabaja excepcionalmente la calidades de los trajes y objetos.. Supo captar a la perfección las transparencias, la ligereza y voluptuosidad de determinados tejidos

PAISAJE

EXPERIMENTACIÓN

REVOLUCIÓN

ROTUNDIDAD

MARIE-L. VIGEÉ-LEBRUM

En sus memorias afirma que le interesa captar la personalidad psicológica de sus retratados pero este pensamiento contrasta con la aparente vacuidad de muchos de sus retratos, aunque coincide en esta característica con el resto de retratistas cortesanos de su época. La Revolución truncó su carrera artística en Francia, pero no en el resto de Europa. Fue una de las artistas femeninas más valoradas de su época, y de las más denostadas, sobre todo por ser autora de algunas de las más grandes obras pictóricas de propaganda política del siglo XVIII al servicio de una idealizada María Antonieta

PINTURA NEOCLÁSICA

La pintura neoclásica. se inspiró menos en los modelos clásicos que apenas se conocían (vasos) Predominio del dibujo y la forma, sobre el color, este último era mero coloreado, que informaba sobre el contenido del cuadro, modelando los objetos representados, sin tener valor estético por sí mismo. La luz clara y fría baña las escenas, casi siempre difusa Se cultivó sobre todo el cuadro de historia, reproduciendo los principales hechos de la Revolución francesa y exaltando los mitos clásicos, a los que se identificó con los valores de la Revolución. Los temas representados siempre eran serios y eruditos, con intención moralizante.

JACQUES LOIUS DAVID

David: toma como modelo la escultura, es el propotipo del pintor neoclásico idealiza partiendo del dibujo correcto de las proporciones.

ROCOCÓ

El estilo se expresa sobre todo en la pintura, la decoración, el mobiliario, la moda y en el diseño y producción de objetos. Su presencia en la arquitectura y la escultura es menor, puesto que su ámbito fundamental son los interiores y, en menor grado, las composiciones monumentales.

FRAGONARD

CAPRICHOS

CAPRICHOS . Su sordera 1793 le lleva a acercarse a una pintura más creativa y original, que expresa temáticas menos amables . Una serie de cuadritos en hojalata, a los que él mismo denominaba de capricho e invención, inician la fase madura de la obra del artista y la transición hacia la estética romántica

NEOCLÁSICO

El neoclasicismo es un movimiento artístico que se desarrolla en Francia durante casi cien años, desde la segunda mitad del siglo XVIII hasta las primeras décadas del siglo XIX. Se trata por tanto de una época de grandes cambios que supone el final del Antiguo Régimen y el inicio del Nuevo Régimen Liberal. En este proceso de cambio, el acontecimiento principal es la Revolución Francesa, pues supone un antes y un después en la sociedad francesa y también la realidad política europea.Comienza a surgir junto al movimiento barroco, en el último tercio del siglo XVIII y llega hasta mediados del siglo XIX en España. Se convierte en el estilo de lo nuevo (la revolución francesa) frente a lo viejo (el Antiguo régimen/Barroco) Aparece con un deseo consciente de imitar la antigüedad romana. Surge por agotamiento de formas decorativas del Rococó. Está influenciado por el descubrimiento de ruinas de Pompeya y Herculano arrasadas por sedimentos volcánicos; interés por arqueología y cultura griega y romana.

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Caminante sobre mar de nubes(1818)

Mar de Hielo( 1824)

Lluvia, Vapor y Velocidad(1844)

La Libertad guiando al pueblo (1831)

El Quitasol, 1777

La Familia de Carlos IV 1800

Caprichos 43 El sueño de la razón produce monstruos 1797

Pinturas Negras 1820-24 Dos viejos comiendo sopa

Pinturas Negras 1820-24 El aquelarre

La Balsa de la medusa (1819)

Pinturas negras, Saturno (1819-1823)

Retrato de María Antonieta (1783 Elisabeth Vigée Le Brun

Jacques-Louis David. Pintor francés más importante en el estilo neoclásico. Buscó la inspiración en los modelos escultóricos y mitológicos David llegó a ser un activo participante en la Revolución francesa así como amigo de Robespierre; en realidad fue el líder de las artes bajo la República. Encarcelado tras la caída de Robespierre del poder, más tarde se alineó con el advenimiento de otro régimen político, el de Napoleón Bonaparte. Fue en esta época cuando desarrolló su 'Estilo Imperio', notable por el uso de colores cálidos al estilo de los venecianos. Tras la caída de Napoleón, terminó sus días en el exilio

Jacques Louis David.Las Sabinas entre sabinos y romanos (1799)

El Columpio.Fragonard Pintor francés del periodo rococó sus obras reflejan la alegría, frivolidad y voluptuosidad del periodo. Se caracterizan por la fluidez de líneas, las vaporosas flores en medio de un suave follaje y las figuras con poses llenas de gracia y elegancia, normalmente de damas con sus amantes o de campesinas con sus hijos.

2030

MANET

Manet: En su Almuerzo sobre la hierba 1863 Manet presenta un bodegón. Pese a que las figuras representadas son humanas, el autor trabaja el cuadro como si fuera una naturaleza muerta Este trabajo influenciará a los impresionistas en la desatención del modelo y de la narración. Por otra parte El bar del Folies-Bergère 1882 evidenciará el deseo de tratar los fenómenos lumínicos al introducir un espejo al fondo que refleja toda la profundidad de la sala y las grandes lámparas de araña, iluminación artificial que crea una luz difusa y menos directa y, por tanto, más difícil de pintar, recordándonos a las escenas festivas de Renoir.

MONET

Monet: Uno de los creadores del impresionismo. El término impresionismo deriva del título de su obra Impresión, sol naciente (1872) Realiza sus cuadros al aire libre . Desarrolló el concepto de las «series», en las que un motivo es pintado repetidas veces con distinta iluminación. Fachada Catedral de Ruan Al mismo tiempo comenzó a trabajar en el famoso jardín de su casa en Giverny con estanques de nenúfares 1916 que luego utilizó como motivo para sus pinturas

RENOIR

IMPRESIONISMO

El Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del S. XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes Se busca que la obra reproduzca la percepción visual del autor en un momento determinado, la luz y el color real que emana de la naturaleza en el instante en el que el artista lo contempla.Todo esto hace que elaboren una serie de un mismo objeto en diferentes circunstancias atmosféricas y temporales, no les importa el objeto, sino las variaciones cromáticas que sufre éste a lo largo del día. El término impresionistas les fue impuesto de modo peyorativo por el crítico Louis Leroy al ver la obra de Monet Impresión atardecer o Impresión sol naciente en la exposición de 1874. La primera exposición impresionista tuvo lugar el 15 de Abril de 1874 en el Salón del fotógrafo Nadar. Las figuras principales del movimiento fueron Eduard Manet, Degas, Claude Monet, Auguste Renoir, Morisot, Pisarro y Sisley. Busca captar en las obras la temporalidad, la apariencia fugaz del fenómeno que quieren representar. Ya se trate de un paseante, de un campo de amapolas o de la atmósfera cambiante frente a la fachada de una catedral, lo fundamental es lo que el artista percibe y cómo se siente frente a lo que percibe. En palabras de Pissarro, se trata de «no proceder según reglas o principios, sino pintar lo que se observa y lo que se siente»

POSTIMPRESIONISMO

POSIMPRESIONISMO o postimpresionismo Es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del XX posteriores al impresionismo. Lo acuñó el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres en 1910. Este término engloba diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de este. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. La obra de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent Van Gogh se caracterizó por un uso expresivo del color y una mayor libertad formal. Cézanne se interesó por resaltar las cualidades materiales de la pintura, representando seres vivos y paisajes, volúmenes y relaciones entre superficiesSu interés por las formas geométricas y la luz prismática inherente en la percepción de la naturaleza anticipó los experimentos del cubismo. Gauguin, en un intento por conseguir la capacidad comunicadora del arte popular, se centró en la representación a base de superficies planas y decorativas y la utilización de numerosos significados simbólicos. Van Gogh, por su parte, se aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas coloristas, evocadoras de las emociones internas del artista. Los artistas que iniciaron esta tendencia siguieron planteamientos estéticos propios que abrieron nuevos caminos a la pintura del siglo XX, Cézanne, influyó en el cubismo, Van Gogh, en el expresionismo y Gauguin en el fauvismo

VAN GOGH

Van Gogh: Se aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas coloristas, evocadoras de las emociones internas del artista. Su experimentación subjetiva, ejemplificada en Noche estrellada 1889,, preludió el expresionismo. Primera etapa de los Países Bajos (1880-1886), colores terrosos, Los comedores de patatas y las pinturas sobre los tejedores, dibujos de mineros, de personajes populares y copió obras de su pintor favorito Millet. Etapa impresionista París (1886-1887), es la que le pone en contacto con los impresionistas Etapa :posimpresionista 1885 y 1915. Obras Los Girasoles, 1888 Autoretrato, Habitación ,Retrato del Doctor Gachet ,La iglesia de Auvers, Van Gogh, 1890 Terraza de café por la noche, Van Gogh, 1889 ,Campo de trigo con cipreses, Van Gogh, 1889.

CEZANNE

Cezanne: Se interesó por resaltar las cualidades materiales de la pintura, representando seres vivos y paisajes, volúmenes y relaciones entre superficies. Su interés por las formas geométricas y la luz prismática inherente en la percepción de la naturaleza anticipó los experimentos del cubismo. Bañistas Los cuerpos y sus poses están reducidos a elementos vivos que están ya cercanos a la abstracción, se integran en la naturaleza que las rodea. Utiliza la técnica del «passage» o transición de color. Del verde oscuro se pasa al verde claro y de éste al amarillo. Obras: Bodegón con cortina, 1895Paul Las grandes bañistas, 1900-1905Los jugadores de naipes, 1894-1895, Naturalezas Muertas, Montaña de Santa Victoria

GAUGUIN

Gaugin: En un intento por conseguir la capacidad comunicadora del arte popular, se centró en la representación a base de superficies planas y decorativas y la utilización de numerosos significados simbólicos, como se aprecia en la obra. Calvario bretón (1889 inspirador de los Nabis. Desarrolló la parte más distintiva de su producción en el Caribe (Martinica) y en Oceanía (Polinesia Francesa), volcándose mayormente en paisajes y desnudos muy audaces para la época por su rusticidad y colorido rotundo Vahine no te tiare (Mujer con Flor), 1891¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos? 1897

El expresionismo fue un movimiento artístico vinculado sobre todo al mundo nórdico y germánico Reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939). Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido–. Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad, a través del carácter expresivo de los medios plásticos, que cobraron una significación metafísica, abriendo los sentidos al mundo interior. Entendido como una genuina expresión del alma alemana, su carácter existencialista, su anhelo metafísico y la visión trágica del ser humano en el mundo le hicieron reflejo de una concepción existencial liberada al mundo del espíritu y a la preocupación por la vida y la muerte, . DOS GRUPOS Die Brücke (el puente) con Kirchner y Heckel. Propugnaban un arte como expresión directa de la vida, inmediato y personal, puro y violento. Admiraban la escultura africana primitiva y a Van Gogh que propiciaron un arte exagerado en sus trazos y colores. Der Blaue Reiter (El jinete azul) con Kandinsky, Marc y Macke. Pintores procedentes de Baviera y muy preocupados por la relación de la pintura con la música y todas las formas de creación. Muy intelectuales. A este grupo acabó uniéndose Paul Klee.

IMPRESIONISMO, POST, SIMBOLISMO , MODERNISMO

Fundamentos II Ángeles del Canto

SIMBOLISMO

Los simbolistas consideran que la obra de arte equivale a una emoción provocada por la experiencia. Tratan de exteriorizar una idea, de analizar el yo. Les interesa la capacidad de sugerir, de establecer correspondencias entre los objetos y las sensaciones, el misterio, el ocultismo. Hay una inclinación hacia lo sobrenatural, lo que no se ve, hacia el mundo de las sombras. La revelación de Freud acerca de la vida de los sueños y la existencia de una parte irracional en lo humano es aplicada al programa simbolista reivindicando la búsqueda interior. Cultivarán el subjetivismo, el antirracionalismo

TOULOUSE LAUTREC

Pintor y cartelista francés, que destacó por la representación de la vida nocturna parisina de finales del siglo XIX. Se le enmarca en el movimiento postimpresionista. Su obra se caracteriza por su estilo fotográfico, al que corresponden la espontaneidad y la capacidad de captar el movimiento en sus escenas y sus personajes. La obra de Toulouse-Lautrec se caracteriza por su estilo fotográfico, al que corresponden la espontaneidad y la capacidad de captar el movimiento en sus escenas y sus personajes, siendo el suyo un estilo muy característico. A esto hay que añadir la originalidad de sus encuadres, influencia del arte japonés, que se manifiesta en las líneas compositivas diagonales y el corte repentino de las figuras por los bordes. Poseía una memoria fotográfica y pintaba de forma muy rápida. Sin embargo, su primera influencia fue la pintura impresionista y, sobre todo, la figura de Degas, de quien siguió la temática urbana alejándose de los paisajes que interpretaban Monet o Renoir. Fue la vanguardia del modernismo y del Art Nouveau. Lautrec fue fundamentalmente un dibujante e ilustrador, tareas que le permitieron subsistir. Sus pinturas al óleo son comparativamente escasas y apenas las expuso en vida. Al contrario que Van Gogh, su «malditismo» o fama de persona marginal no implicaron que fuese un artista fracasado; y de hecho fue muy popular por sus ilustraciones y carteles publicitarios. Aportó quince diseños al semanario Le Rire y también ilustró el programa de mano del estreno teatral de Salomé de Oscar Wilde.

CAMILE CLAUDEL

Fue ayudante, musa y amante de Rodin. Tuvo una vida muy torturada, lo que contribuyó a la fuerza expresiva de su obra. A pesar de verse eclipsada por su amante, muchas veces ella misma inspiraba a Rodin y gran parte del genio de este se debe de manera directa o indirecta a Claudel. Sus obras son muy emotivas y, como las de su amante, se centran en la composición más que en el acabado. Como Rodin, prefirió el modelado rápido y expresivo y sus obras suelen ser de pequeño formato, aunque no siempre. Su mejor obra es La edad madura (1913), donde muestra su estado de ánimo ante la ruptura con Rodin.

GUSTAV KLINT

Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también manifestó a través de objetos de artesanía, como los que se encuentran reunidos en la Galería de la secesión vienesa. Intelectualmente afín a cierto ideario romántico, Klimt encontró en el desnudo femenino.Sentía especial predilección por un tipo de mujer agresiva y dominante que podría identificarse con el modelo icónico de la femme fatale.

EDVARD MUNCH

Sus evocativas obras sobre la angustia influyeron profundamente en el expresionismo alemán de comienzos del siglo XX.Sería clasificado como simbolista y como representante temprano del expresionismo, que sería la tendencia artística predominante en la primera mitad del siglo XX. Para expresar sentimientos fuertes y sutiles era necesario otra forma de expresión diferente al naturalismo. En la obra de Munch se mezclan la realidad interior y exterior en grandes superficies limitadas por contornos claros.

MARC CHAGALL

Desde los comienzos de su carrera, Marc Chagall desarrolló una iconografía artística distintiva y profundamente personal, con un estilo pictórico entre onírico y folklórico. Y aunque sintió la influencia de la explosión de las estéticas y las filosofías modernistas de la primera mitad del siglo XX, y la curiosidad lo acercó en diversos momentos al fauvismo, al cubismo, al expresionismo y al surrealismo,

EXPRESIONISMO

EXPRESIONISMO ALEMÁN: El expresionismo fue un movimiento artístico vinculado sobre todo al mundo nórdico y germánico reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939). Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido–. Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad, a través del carácter expresivo de los medios plásticos, que cobraron una significación metafísica, abriendo los sentidos al mundo interior. Entendido como una genuina expresión del alma alemana, su carácter existencialista, su anhelo metafísico y la visión trágica del ser humano en el mundo le hicieron reflejo de una concepción existencial liberada al mundo del espíritu y a la preocupación por la vida y la muerte, DOS GRUPOS Die Brücke (el puente) con Kirchner y Heckel. Propugnaban un arte como expresión directa de la vida, inmediato y personal, puro y violento. Admiraban la escultura africana primitiva y a Van Gogh que propiciaron un arte exagerado en sus trazos y colores. Der Blaue Reiter (El jinete azul) con Kandinsky, Marc y Macke. Pintores procedentes de Baviera y muy preocupados por la relación de la pintura con la música y todas las formas de creación. Muy intelectuales. A este grupo acabó uniéndose Paul Klee.

FAUVISMO

El fovismo, fauvismo, en francés fauvisme, (1904-1908) fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color. ·SE PINTA LO QUE SE SIENTE NO LO QUE SE VE. El color es la clave, se utiliza de manera arbitraria, subjetiva, apasionada y expresiva pero optimista.·Aplican el pigmento en manchas planas, anchas, con pincel, paleta o directamente del tubo.·El color de fuertes contrastes, se independiza del objeto y de la realidad.·La línea recupera protagonismo, es de trazo grueso (influencia pintura japonesa).·La luz y la perspectiva pasan a un segundo plano.·La composición tiende al plano único, a la manera de Gauguin.·La temática sigue siendo la misma: habitaciones, bodegones, paisajes, etc.

Käthe Kollwitz

Durante la década de 1920 produjo una serie de obras que reflejaban su preocupación por los temas de la guerra: la pobreza, la vida de la clase trabajadora y la vida de las mujeres comunes y corrientes.E dolor y el tormento impregnan cada una de estas imágenes, transmitidas gráficamente por los cortes brutos del medio de grabado en madera. Los siete grabados sobre la guerra de Kollwitz es uno de los varios portafolios de grabados de artistas alemanes que se centran en el salvajismo de la Primera Guerra Mundial.

E. KIRCHNER

Sus formas son angulosas, inspiradas en el cubismo y sus líneas gruesas y rectas. Sus temas son paisajes urbanos y chicas mirando escaparates o moviéndose por las calles. Por tanto, el movimiento y la luz, reflejadas en los colores ácidos son los motores de la obra de Kirchner. La fiereza de los colores y su excentricidad marcan mucho los personajes. Los trazos son vigorosos y la luz es muy intensa.

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El Pífano, 1866

Impresión, sol naciente (1872)

Noche estrellada 1889

Los grandes Bañistas CEZANNE 1900-1905 Cézanne pintó reiteradamente bañistas, renovando el tema de la mujer en el baño, haciendo de él una construcción moderna. Así lo hizo a partir de la década de 1870, en cuadros en los que los personajes se funden con la naturaleza que los rodea. El tratamiento que da a los desnudos en un paisaje es completamente distinto al de los maestros de siglos precedentes como Tiziano o Poussin. No se trata aquí de figuras mitológicas o literarias. Tampoco las representa según los cánones de la anatomía tradicional. Pinta a las bañistas en diversas posturas: unas de pie, otras sentadas, otras tumbadas. Los cuerpos y sus poses están reducidos a elementos vivos que están ya cercanos a la abstracción, y lo mismo cabe decir del paisaje. Las bañistas se integran en la naturaleza que las rodea. Utiliza la técnica del «passage» o transición de color. Del verde oscuro se pasa al verde claro y de éste al amarillo.

El bar del Folies-Bergère 1882

Los jugadores de cartas: es una serie de cinco cuadros sobre el tema de la partida de cartas, que realizó el pintor francés Paul Cézanne entre 1890 y 1895 Especialmente en las tres últimas versiones, todos los volúmenes están definidos de manera geométrica, lo que confiere a los dos personajes una dignidad clásica. En las versiones iniciales son tres jugadores contemplados por otros personajes, composición que va simplificando hasta reducirla a dos campesinos que juegan a las cartas, con una botella de vino en medio, en la que se refleja la luz. Distorsionando la visión perspectiva. Toda la tela está construida con tonos de los colores azul, amarillo y rojo. Esta restricción cromática «intensifica la sensación de austeridad formal». Las pinceladas se presentan solitarias y sintéticas, como el reflejo sobre la botella o el simple trazo que describe el ojo del jugador de la derecha. Pinta con la técnica del facetado, lo que es evidente en la cara del jugador de la izquierda. Éste lleva un sombrero de forma cilíndrica, lo que recuerda la afirmación de Cézanne de que "Todo en la naturaleza está modelado según la esfera, el cilindro y el cono.

Niña en un sillón azul, Mary Cassatt, 1878 Mary Stevenson Cassatt 1844 - 1926) fue una pintora y grabadora estadounidense. Aunque nacida en Pensilvania, pasó gran parte de su vida adulta en Francia, donde forjó amistad con Edgar Degas y se incorporó al movimiento impresionista. Cassatt pintó, principalmente, imágenes representando la vida social y privada de las mujeres, con especial énfasis en los lazos entre ellas y sus hijos. Cassatt y Degas colaboraron durante mucho tiempo. Sus estudios estaban bastante cercanos. Degas adquirió el hábito de visitar el estudio de Cassatt, ofreciéndole sus consejos y ayudándole a conseguir modelos. Tenían mucho en común: gustos similares en cuestiones de arte y literatura, ambos provenían de familias ricas, habían hecho estudios de pintura en Italia, y eran independientes y solteros. El grado de intimidad entre ellos no se puede evaluar.Degas enseñó a Cassatt la pintura al pastel y el grabado, técnicas que Cassatt dominó rápidamente; por su parte, Cassatt ayudó a Degas a vender sus pinturas y a promocionar su figura en Estados Unidos. Ambos se consideraban a sí mismos como pintores de la figura humana;

El espejo psiqué, Berthe Morisot,1876 Berthe Morisot. (1841-1895) fue una pintora impresionista francesa. Morisot demostró las posibilidades de las mujeres en las artes a fines del siglo XIX.A la edad de 20 años, Berthe Morisot conoció a Camille Corot, quien la admitió como su discípula y la introdujo en los círculos artísticos. Morisot decidió ser una artista adoptando una postura muy radical que la vincularía al grupo de artistas impresionistas, adquirió la técnica impresionista de pintar al aire libre, donde creaba pequeños cuadros y esbozos para grandes obras que terminaba en el estudio. Su primera participación en el Salón de París fue en 1864 con dos paisajes y continuó exhibiendo continuamente en el Salón hasta 1874. En 1868, conoció a Édouard Manet y en 1874 se casó con Eugène Manet. Ella fue la que convenció al maestro de pintar al aire libre y lo atrajo al grupo de pintores que sería posteriormente los impresionistas.. Asimismo, Berthe fue la modelo de Manet tanto en diversos e importantes retratos como en su obra de gran formato El Balcón, donde el pintor francés da cuenta de su admiración por la obra de Goya Al igual que Mary Cassatt, Berthe Morisot fue relegada a la categoría de "artistas femeninas" por su temática de la vida cotidiana (mujeres, niños y escenas domésticas). Sin embargo, como mandaba la doctrina impresionista ella pintaba el mundo que la rodeaba.

Edouard Manet, Desayuno sobre la hierba, 1863

El Columpio Renoir

El grito (1843)Munch

La toilette, (1889) Toulouse Lautrec

El beso (1907-1908) Klint

Crucifixión blanca (1938) Chagall

La Edad Madura (1899) Camille Claudel

Fränzi ante una silla tallada (1910) Ernst Ludwig Kirchner

La viuda (1922-23) Käthe Kollwitz

Henri Matisse, Armonía en rojo, 1908

Henri Matisse, La raya verde, 1905

2030

DADÁ SURREALISMO, FAUVISMO , EXPRESIONISMO

NAM JUNE PAIK

Contribuyó a redefinir el arte y el modo como éste se exhibe a partir de los años sesenta y hasta principios del nuevo milenio, lo que lo llevó a expresar una de sus frases más conocidas: “The future is now” (“El futuro está aquí”).A Paik se le considera “el padre del videoarte” e introductor de la tecnología en el arte.

DALÍ

Salvador Dalí: método paranoico crítico. Este método era empleado en la creación de obras de arte , para lo cual el artista trataba de recrear a través de la obra aquellos procesos activos de la mente que suscitan imágenes de objetos que no existen en realidad, por ejemplo, al superponerse una imagen en primer plano con otra en un plano más alejado. Un ejemplo de esto en la obra final pude ser una imagen doble o múltiple cuya ambigüedad da lugar a diversas interpretaciones

MIRÓ

Miró: Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción . Sus imágenes son simples, con pocos trazos, a la manera de los niños. Rechaza la perspectiva, el modelado, y el acabado minucioso. Traza signos abstractos, simples,, que no tratan de expresar ideas, sino que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo irracional Miró El carnaval del arlequín (1924). Los personajes principales de la composición pictórica son un autómata que toca la guitarra junto con un arlequín con grandes bigotes. Un pájaro con alas azules saliendo de un huevo, un par de gatos jugando con un ovillo de lana, peces volando, un insecto que sale de un dado, una escalera con una gran oreja y, en la parte superior derecha, se ve a través de una ventana una forma cónica con la que quiso representar la torre Eiffel. Numerosos seres y objetos se yuxtaponen en el aparente desorden de una habitación con una pequeña ventana.. La presencia de ciertos objetos, como por ejemplo la escalera, están dotados según explicó el propio Miró de una relación simbólica. La esencia de esta explicación es que estos objetos simbólicos se mezclan con otros objetos en la habitación sin que ello afecte a la expresión artística. irracionales.

SURREALISMO

Surrealismo: El surrealismo creía en la existencia de otra realidad y en el pensamiento libre. Plasmó un mundo absurdo, ilógico, donde la razón no puede dominar al subconsciente. Tomó del Dadaísmo la importancia del azar y la rebeldía, pero rechazó su carácter negativo y destructivo. Buscó inspiración en el subconsciente , la imaginación, el método de la escritura automática y el estudio de las teorías del psicoanálisis de Freud. El surrealismo fue el movimiento literario y artístico más importante de entreguerras, pero sus intenciones no se limitaron al arte. Su finalidad era transformar la vida a través de la liberación de la mente del hombre de todas las restricciones tradicionales que la esclavizan. La religión, la moralidad, la familia y la patria se convierten así en instituciones a revisar.

Fundamentos II Ángeles del Canto

DADÁ

PinturaEsculturaPoesíaQuería promover todo lo irracional, absurdo y falto de sentido.Medios de expresión irónicos y satíricos a través del gesto,el escándalo y la provocación. Protesta contra las convenciones de su época.Actitud de burla y humor.Materiales inusuales.Ilógica o de difícil comprensión.Sin reglas.Manifestación contra la belleza, las leyes, la razón,...Sin signos de puntuación.Para ello utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los elementos de las obras. El pintor y escritor alemán Kurt Schwitters destacó por sus collages realizados con papel usado y otros materiales similares. El artista francés Marcel Duchamp expuso como obras de arte productos comerciales corrientes —un secador de botellas y un urinario— a los que denominó ready-mades.

HANNA HÖCH

Artista dadaísta que trabajó la técnica del fotomontaje con intenciones plásticas. Fue además una importante activista de los derechos de la mujer, denunciando continuamente una sociedad machista y misógina.

MARCEL DUCHAMP

En el campo de la escultura fue pionero en dos de las principales rupturas del siglo XX: el arte cinético y el arte ready- made. Este último consistía simplemente en la combinación o disposición arbitraria de objetos de uso cotidiano, tales como un urinario ("La fuente", 1917) o un portabotellas, que podían convertirse en arte por deseo del artista. El ready-made introducía una fuerte crítica a la institucionalidad y el fetichismo de las obras de arte, provocando enormes tensiones incluso dentro del mismo círculo surrealista.

MAX ERST

Llegó a ser uno de los principales exponentes del Surrealismo utilizando la técnica del frotagge . Las imágenes surgidas aparecerán cargadas de misteriosas evocaciones, de signos de catástrofe y desolación. Pionero del movimiento dadaísta y también del surrealista, inventor de lo que por los comienzos del siglo XX fueron técnicas tan sofisticadas como el collage, el frottage, el grattage y la decalcomania.

MAGRITTE

Ofrece cierta similitud con Chirico, es uno de los surrealistas más claramente simbolistas. Provoca el choque emotivo de color aplicado a formas realistas puestas en lugares y momentos inverosímiles. Magritte no buscaba dar expresión al subconsciente, sino romper con los convencionalismos para representar la realidad.

LEONORA CARRINGTON

Una extraordinaria imaginación, creadora de un mundo estético, simbólico y conceptual no siempre fácilmente descifrable. Artista versátil, continuamente en busca de nuevas formas de expresión, sus pinturas, dibujos, escritos, tapices o esculturas nos hablan de aspectos del ser humano (el miedo, el dolor, la alegría, la extrañeza o la felicidad). En las obras de la artista se puede ver su obsesión por el cuerpo, los animales, las diosas o seres mitológicos, en ocasiones también un ‘alter ego’ de ella misma, y todo con influencias de la mitología celta, el mundo de la magia y lo oculto, la alquimia, el budismo o el tarot.

REMEDIOS VARO

Su obra completa está teñida de una atmósfera de misticismo, plasmado en las figuras representativas del mundo secular moderno. Su pintura está puntualizada por un marcado interés por la iconografía científica, por ello años después las obras de la pintora han sido retomadas cada vez con más frecuencia en la literatura de divulgación.

CHIRICO

Precedentes del Surrealismo Los pintores se encontraron con precedentes en Los caprichos de Goya, en el Bosco y Valdés Leal, aunque los más inmediatos deben buscarse en el movimiento Dada y en Giorgio de Chirico, creador de la pintura metafísica. Chirico crea un mundo enigmático que es reflejo de la desolación provocada por la guerra, que se percibe inquietante y desolador.: Maniquíes, únicos seres capaces de habitar plazas desiertas y calles que se sumergen en el infinito

FLUXUS

Fluxus (palabra latina que significa flujo) es un movimiento artístico de las artes visuales en especial, pero también de la música, la literatura y la danza, el cual tuvo su momento más activo entre la década de los 60 y los 70 del siglo XX. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como un movimiento artístico sociológico.Artistas:Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik

WOLF VOSTELL

Artista alemán de los más representativos de la segunda mitad del siglo xx, que trabajó con varios medios y técnicas como la pintura, la escultura, la instalación, el décollage, el videoarte, el happening y el fluxus.

JOSEPH BEUYS

En 1962 comenzó sus actividades con el movimiento neodadá Fluxus, del que llegó a ser el miembro más significativo y famoso. Su mayor logro fue la socialización que consiguió hacer del arte, acercándolo a todos los tipos de público. Su «secta» fue de lo más atractiva, ya que afirmaba que «todo ser humano es un artista», y cada acción, una obra de arte.

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Carnaval del arlequín, 1924

Salvador Dalí, La persistencia de la memoria, 1931

La creación de las Aves (1957) Remedios Varo

La giganta (1946) Leonora Carrington

El hijo del hombre (1964) Magritte

Europa después de la lluvia (1942) Max Ernst

Fuente (1917) Duchamp

Collage con máscara étnica (primer tercio siglo XX) Hannah Höch

Las Musas inquietantes (1916-1919) Giorgio de Chirico

Li Tai Po (1987)Nam June Paik

Endogen depression, (1980)Wolf Vostell https://www.youtube.com/watch?v=6pchVx-zqNs

Como explicar arte a una liebre muerta (1965)Joseph Beuys https://historia-arte.com/obras/como-explicar-arte-a-una-liebre-muerta

Tierra, agua, fuego y aire. Serie Los Mártires (2014)Bill Viola

2030

CUBISMO

CUBISMO: CONCEPCIÓN VISUAL 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque. Vauxcelles dijo, despectivamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo».Perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. Tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. El cuadro cobra autonomía como objeto, Incorpora elementos, collage. Representación profundidad: cubismo combina dos puntos de vista. Representación de los volúmenes, cubismo no modula los tonos para dar sensación de volumen, trabaja con colores planos.Utilización de la línea como elemento expresivo separada del color, para diferenciar planos.Incorporación de distintos materiales al cuadro, inicio del collage. A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos. Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fovismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta. Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que representa, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages. La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis por parte de la "crítica", llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica artística. De ahí en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban.

CUBISMO FUTURISMO ABSTRACCIÓN

ART DECÓ

Movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países) que influyó las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura y cinematografía.En 1925 organizaron la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas) en París. Art déco era casi puramente decorativo, por lo que se considera un estilo burgués. A pesar del eclecticismo de sus influencias formales y estilísticas, el art déco es sólido y posee una clara identidad propia. No se trata de un historicismo ni de un anacronismo; es fiel a su época y deja entrever la noción futurista de la Revolución industrial. Su significación gira en torno al progreso, el ordenamiento, la ciudad y lo urbano, la maquinaria. Elegante, funcional y modernista, el art déco fue un avance frente al art nouveau, esta vez exitoso en la generación de un nuevo repertorio de formas acordes con la problemática e imaginería de su tiempo. El art déco era un estilo opulento, una reacción contra la austeridad forzada producto de la Primera Guerra Mundial. De manera simultánea a una creciente depresión económica y al fantasma del acercamiento de la Segunda Guerra, había un deseo intenso por el escapismo. La gente gozó de los placeres de la vida y del art déco durante la era del jazz. La tumba de Tutankamon abierta en 1922 Fue un descubrimiento que tuvo mucha influencia en las artes decorativas del siglo XX Incluyendo elementos ornamentales del antiguo Egipto

GRIS

En 1912 Juan Gris da claramente el salto al cubismo con varias pinturas presentadas en el Salón des Indépendents de París. Empezó a trabajar la técnica del papier collé: recortes de cartón y papel, en ocasiones obtenidos de periódicos, que se pegan sobre el lienzo para combinarse con el óleo. Fue su principal aportación al cubismo. El desayuno, 1914

BRAQUE

BRAQUE 1º FASE cuadros de superficies superpuestas y planos angulares, componiendo a base de cubos; usaba pocos tonos cromáticos. 2º "cubismo analítico" (1909-1912), en el que los objetos quedaban descompuestos en facetas hasta el punto de ser irreconocibles. 3º cultiva el "cubismo sintético", es decir, con unidad compositiva. Impulsa más que Picasso en esta tendencia del cubismo sintético.

PICASSO

Picasso: CUBISMO Las señoritas de Aviñón 1907 supuso un nuevo punto de partida para Picasso, abandona los cánones de profundidad espacial y perspectiva, así como el ideal hasta entonces existente del cuerpo femenino, al reducir la obra a un conjunto de planos angulares, sin fondo delimitado ni perspectiva espacial, otras obras: Los tres Músicos 1921, Retrato de Vollard. 1910, Horta del Ebro Mujer con peras, Pablo Picasso, 1909

TAMARA DE LEMPICKA

Tamara fue "la primera artista mujer en ser una estrella del glamour". Influenciada por el Cubismo, Lempicka fue una de las mayores representantes del estilo Art Deco en dos continentes, fue la artista favorita de muchas estrellas de Hollywood y llamada "la baronesa con pincel". Fue la retratista más reconocida de su generación entre la "alta burguesía" y la aristocracia, pintando duquesas, grandes duques y las altas esferas sociales. A través de su red de amistades, fue capaz de exponer sus pinturas en los salones de mayor élite del momento. Su producción se centra en retratos femeninos y en desnudos de ambos sexos. Siguiendo la tendencia de la pintura art decó, pintaba mujeres etéreas, con ropajes flotantes y dedos largos, si bien dan una impresión férrea y escultural por la pincelada pulida y los marcados contrastes de luces y sombras; son sus mejores ejemplos, junto con los desnudos. Sus influencias principales son Botticelli, Bronzino, el retrato manierista en general, y el Cubismo, pero sin llegar al arte abstracto. Curiosamente, Tamara empleaba este eclecticismo o fusión de estilos antiguos para representar temas actuales, donde las figuras visten ropajes y peinados de última moda. Aunque las imágenes más populares de su arte son desnudos, también retrató a su hija en varias ocasiones y a personas relacionadas con la burguesía artística de París y Nueva York. También realizó cuadros de flores.

Fundamentos II Ángeles del Canto

CUBISMO ANALÍTICO Y SINTÉTICO

Una diferencia fundamental entre el cubismo analítico y el sintético, es que el primero “desarma” más minuciosamente cada figura (al punto que a veces no se entiende qué ha representado el artista) para reordenarla desde perspectivas múltiples (una parte, pongamos por ejemplo un rostro, puede verse de frente y de perfil al mismo tiempo). En cambio, en el sintético, el artista sólo descompone las figuras en sus partes más representativas, es más simple (y como se distinguen claramente las figuras representadas, podemos decir que es “más figurativo” que el anterior). Otra diferencia a simple vista es el color. El cubismo analítico no se “distrae” de su propósito de descomponer las figuras para rearmarlas y utiliza monocromías o muy pocos colores, apagados, oscuros, con grises y ocres. En la segunda etapa, en cambio, se utiliza mucho más colorido. Y la novedad que se incorpora en el cubismo sintético es que, además del óleo, en muchos cuadros veremos sobre la tela recortes de periódicos, de partituras, retazos de telas o trozos de madera. Así nacen los que se consideran los primeros collages de occidente (en oriente, la técnica se utilizaba hace unos dos mil años).

EXPRESIONISMO ABSTRACTO

El expresionismo abstracto fue ese movimiento pictórico dentro de la abstracción posterior a la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto. Tras estos terribles acontecimientos siguió un periodo de lógica incertidumbre y de cuestionamiento de la moral humana. Esto da como resultado la proliferación de obras de arte que incluían formas de creación desgarradas en las que quedaba a un lado el goce estético tal y como se entendía hasta entonces. Un desencanto por lo colectivo dio como resultado obras muy personales. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense. Se potencia también la materialidad del cuadro y convierten el proceso artístico casi en un rito religioso, siendo la pintura la prueba documental del mismo. La improvisación formaba parte de este trance casi místico, en el que el artista entraba en contacto directo con sí mismo. Este automatismo podría derivar del surrealismo, que aún estaba vivo en esos años.

MONDRIAN

Piet Mondrian, fue un pintor vanguardista neerlandés, miembro de De Stijl y fundador del neoplasticismo, junto con Theo van Doesburg. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción. Al dedicarse a la abstracción geométrica, Mondrian, busca encontrar la estructura básica del universo, la supuesta “retícula cósmica” que él intenta representar con el no-color blanco (presencia de todos los colores) atravesado por una trama de líneas de no-color negro (ausencia de todos los colores) y, en tal trama, planos geométricos (frecuentemente rectangulares) de los ya mencionados colores primarios, considerados por Mondrian como los colores elementales del universo. De este modo, repudiando las características sensoriales de la textura y la superficie, eliminando las curvas, y en general todo lo formal. Expresó que el arte no debe ser figurativo, no debe implicarse en la reproducción de objetos aparentemente reales, sino que el arte debe ser una especie de indagación de lo absoluto subyacente tras toda la realidad fenoménica. Como anécdota de sus ligeras excentricidades cabe mencionar que prohibió el color verde en su casa. Busca, en suma, un "arte puro", despojado de lo particular, y dice que «El propósito no es crear otras formas y colores particulares con todas sus limitaciones, sino trabajar tendiendo a abolirlos en interés de una unidad más grande.» Su radicalismo es tal que, cuando Van Doesburg buscó variaciones a sus estructuras formales a partir de 1924, inclinando los rectángulos, Mondrian abandonó De Stijl.

NEOPLASTICISMO

Mondrián junto a Van Doesburg publicaban el Manifiesto De Sijl, opuesto en absolutamente todo al primero. Si los dadaístas querían destruir el arte y de características destructivas e irracionales, De Stijl quería su renovación total de manera racionalista, ordenada y simple.Con el nombre de "De Stijl" (El estilo) se conoce al grupo de artistas y revista fundados en 1917 Búsqueda de la renovación estética y de la configuración de un nuevo orden armónico de valor universal, eliminando todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental. Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos. Planteamiento totalmente racionalista. Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos. Creación de ritmos asimétricos, pero con gran sentido del equilibrio, logrado por la compensación de las formas y los colores. Nunca se recurre a la simetría. Colores planos, de carácter saturado (primarios: amarillo, azul, rojo) o tonal (blanco, negro y grises). Empleo de fondos claros.

HIPERREALISMO

EL HIPERREALISMO es una tendencia de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 1960 que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. El término hiperrealismo es también aplicable a la escultura.Pero es innegable que el arte pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas. En esa época la abstracción era la tendencia dominante y el realismo estaba mal visto; se consideraba un arte que copiaba de fotografías o de la realidad y sin ningún interés. Sin embargo, artistas como Chuck Close, Richard Estes, desarrollaron técnicas totalmente nuevas de representación de la realidad, consiguiendo resultados a veces asombrosos.

KANDINSKI

Wassily Kandinsky expone su primera obra abstracta argumenta que la jerarquía de valores al uso, basada en las leyes del Renacimiento, no es válida para considerar el arte de otras culturas; muchos artistas crean desde la realidad pero con un impulso abstracto, que hace que las últimas tendencias del arte se den en sociedades menos materialistas. Kandinski, al igual que Piet Mondrian, estaba interesado también en la teosofía, entendida como la verdad fundamental que subyace detrás de doctrinas y rituales en todas las religiones del mundo; la creencia en una realidad esencial oculta tras las apariencias, proporciona una obvia racionalidad al arte abstracto.

FUTURISMO

El futurismo surgió Italia, buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales que la historia del arte consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. El futurismo procede directamente del cubismo en la fragmentación de las formas, producida , en el caso del futurismo por la necesidad de representar el movimiento. Los planos y superficies tienen un efecto vibrante que tiene su origen en el Divisionismo.

MARK ROTHKO

Mark Rothko. Creador del llamado “Color Field Painting” fue un artista de dedicación plena y obsesiva a su obra. Alcanzó una técnica exquisita a la hora de fundir tonos y obtener colores expresivos. Pintor de grandes formatos, reivindica la identidad de la abstracción y la expresividad de grandes superficies de color. Comienza siendo expresionista en los años 30 y también se verá atraído por el surrealismo en los 40, pero en los años 50 su pintura se simplifica para centrarse en el color, un estilo que se conocerá como “Color Field Painting”. Se trata de superficies llenas de color en las que las manchas se superponen a modo de veladuras, aumentando así la gama cromática de la obra. Este tipo de pintura, en el que priman las relaciones cromáticas, deriva de los experimentos espaciales de los cubistas. Se trata de una plasmación del mundo interior del artista, algo que debe hacer meditar al espectador, algo totalmente basado en la expresividad

POLLOCCK

Jackson Pollock, creador de un nuevo modo de pintura: el Dripping. El artista sitúa el lienzo en el suelo y, moviéndose alrededor del mismo (y en ocasiones por dentro del mismo lienzo) deja caer finos hilos de pintura que se desprenden del pincel recién cargado en el bote. El resultado es una trama compleja de hilos que forman una trama muy atractiva visualmente. El artista se interesa por el azar, por lo que no es controlable. Tras verse influenciado por el regionalismo, los muralistas mexicanos y los surrealistas, Pollock realiza a principios de los cuarenta unas obras cercanas a la abstracción pero de carácter totémico, primitivo. Será alrededor de 1947 cuando Pollock comienza a pintar con el estilo que le hará mundialmente famoso: se trata de abstracciones libres hechas a base de manchas y de “dripping”, una técnica que consiste en agujerear un bote metálico de pintura y desplazarse con él por el lienzo (previamente puesto en el suelo) dejando caer la pintura. Lo importante para Pollock será esa acción de pintar, el momento y el cómo el artista realiza su obra siguiendo sus impulsos interiores, sin un plan previo. Por eso este tipo de pintura se denominará “action painting” o “pintura de acción”. En 1951 Pollock tendrá un nuevo estilo. Volverá a las pinturas totémicas, pero esta vez abandonará los colores, centrándose sólo en el negro.

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BRAQUE Mujer con mandolina, 1910

Mujer con peras, Pablo Picasso, 1909

El desayuno, 1914

Las Señoritas de Avignon, Pablo Picasso, 1907

Pablo Ruiz Picasso, Mesa frente a la ventana, 1919

Autorretrato con Bugatti verde,1929

ROTHCKO Sin título (naranja, ciruela y amarillo) (1950)

POLLOCK Ritmo de otoño (número 30) (1950)

Composición amarillo, azul y negro (1921)

Composición VIII (1923) Kandiski

Formas únicas de continuidad en el espacio, (1913) Boccioni

Antonio López "Una obra nunca se acaba, sino que se llega al límite de las propias posibilidades". Con estas palabras Antonio López resume su particular modo de acercamiento al objeto a pintar. Sus cuadros se desarrollan a lo largo de varios años, décadas en ocasiones, con una plasmación lenta, meditada, destilando con cada pincelada la esencia del objeto o paisaje, hasta que el artista consigue plasmar la esencia del mismo en el lienzo. El pintor busca entre la realidad que le rodea aquellos aspectos cotidianos, que él recoge con un tratamiento pleno de detallismo, rozando lo fotográfico. Sus preferencias van desde las vistas de Madrid hasta los retratos de sus familiares, pasando por los objetos más cotidianos y cercanos. A lo largo de la mayor parte de su carrera artística, Antonio López ha desarrollado una obra independiente, en medio de un panorama artístico estructurado en base al informalismo y la abstracción. Tampoco parece tarea fácil vincular la obra de López con las tendencias realistas europeas más recientes, o con el hiperrealismo americano.Gran Vía de Madrid 1974-8

NEOGÓTICO

Neogótico:En el siglo XIX la Europa continental vivió una auténtica fiebre neogótica que, además de levantar nuevos edificios, restauró y completó edificaciones medievales, como catedrales y castillos. En Francia destacó la labor restauradora y reconstructora de Eugène Viollet-le-Duc

MODERNISMO

El modernismo rechaza el estilo poco atractivo de la arquitectura industrial de la primera mitad del siglo XIX , y desarrolla nuevos conceptos arquitectónicos basados en la naturaleza, los materiales de construcción que se emplean, en las formas de los edificios y en las figuras de sus fachadas. Los arquitectos y sus escultores colocan en el exterior de los edificios pájaros, mariposas, hojas y flores a modo de elementos decorativos, ya sea como figuras adosadas o como adorno de la piedra o cerámica. También se colocan figuras de tamaño mayor, animales fabulosos o personas, y en las cornisas elementos de cerámica de color. Las ventanas y los balcones disponen de rejas de hierro forjado, que son labradas artísticamente y contienen motivos inspirados en la naturaleza.3 El desarrollo del modernismo es fomentado en Cataluña por la burguesía, que se siente catalana y es culta y sensible al arte. Esta burguesía ve en esta nueva arquitectura la manera de satisfacer sus ansias de modernización, de expresar su identidad catalana, y de poner de manifiesto de manera discreta su riqueza y su distinción. Fueron más de 100 arquitectos los que realizaron edificios de estilo modernista catalán, destacando entre ellos sobre todo tres: Antoni Gaudí, Lluís Domènech i Montaner y Josep Puig i Cadafalch.

NEOMUDÉJAR

El neomudéjar es un estilo artístico y arquitectónico que se desarrolló principalmente en la Península Ibérica a finales del siglo XIX y principios del XX. Se enmarca dentro de las corrientes orientalistas de la arquitectura historicista imperante en Europa por aquella época. El nuevo estilo se asoció especialmente a construcciones de carácter festivo y de ocio, como salones de fumar, casinos, estaciones de tren, plazas de toros

EXPOSICIONES UNIVERSALES

Exposiciones Universales:Utilización de nuevos materiales industriales en arquitectura: hierro , remaches y cristal • Creación de espacios diáfanos de gran amplitud. • Potenciar la arquitectura espectáculo en cuanto a sus dimensiones y su relación con el ocio y disfrute, incorporación a la arquitectura de otros avances industriales. Como la iluminación eléctrica. • Difusión de los avances arquitectónicos por las fotografías lo que posiblilita su influencia en otros paises Las Exposiciones Universales se originaron en la tradición francesa de exposiciones nacionales, una tradición que culminó con la exposición industrial francesa de 1844 celebrada en París. Esta feria fue pronto seguida por otras exposiciones nacionales en la Europa continental y, finalmente, el Reino Unido. Francia inicia una serie de exposiciones universales, a partir de 1855, cuya periodicidad de 11 años (1855, 1867, 1878, 1889 y 1900) se impone implícitamente. Esta periodicidad es indispensable para encuentros de semejante magnitud. La Exposición Universal de 1855 reúne, por primera vez, las industrias y las Bellas Artes. La primera Exposición Universal se celebró en el Palacio de Cristal en Hyde Park, Londres, Reino Unido, en 1851, bajo el título "Gran Exposición de los Trabajos de la Industria de Todas las Naciones Este fue el caso de Nueva York, ciudad que en 1853 organizó la segunda muestra de estas características y que dispuso de un Crystal Palace basado en la idea de Paxton, con la novedad de presentar una gran cúpula de fundición. La edición correspondiente a 1855 se celebró en París, donde el arquitecto Viel levantó el Palacio de la Industria; un edificio concebido como réplica al de Londres; si bien su ancho duplicó largamente al de aquel, y en el que se emplearon grapas metálicas y cristal engastado. Hasta finales del siglo XIX, Londres y París se alternaron en la organización de estas exposiciones, destacando Francia en cuanto a las novedades arquitectónicas que presentaron los sucesivos certámenes

GAUDÍ

Gaudí,:su obra puede calificarse sin duda ninguna como un modernismo fuertemente impregnado de referencias “historicistas”, incluso románticas, sin duda ninguna exóticas... en la construcción se ven claras inflfluencias neogóticas (el Palacio Arzobispal de Astorga es un buen ejemplo) y neomudéjares (pueden verse por ejemplo la Casa Vicens en Barcelona o El Capricho en Comillas, 1883-1885. En 1900 empieza la etapa que podemos llamar de “madurez” de su obra y de su prestigio. Empieza recibiendo el premio del Ayuntamiento de Barcelona, precisamente por esa Casa Calvet,el Parque Güell. Hasta 1910 desarrolla varios de sus proyectos más importantes, destinados a hacerse famosos: la reforma de la Casa Batlló , 1904-1906 y, en el mismo Paseo de Gracia, la construcción de la Casa Milà, la famosa Pedrera Templo Expiatorio de la Sagrada Familia, iniciado 1882, inicia las obras que llevará a cabo en la Colonia Güell en Santa Coloma de Cervelló. En esta etapa de su obra, Gaudí abandona ya todo tipo de referencias historicistas, y bajo la influencia del simbolismo imperante se lanza a un esteticismo sin excusas, basado en una imaginación totalmente en libertad.

MIES VAN DER ROHE

Mies Van Der Rohe (1886-1969): vinculado a la Bauhaus, Se interesa desde siempre por los materiales como elementos expresivos. Esta característica definirá su obra; la piedra, los mármoles, el acero, el vidrio, serán utilizados de forma pura, desnuda. Sus espacios nunca son cerrados, se abren hacia el exterior buscando la integración con el entorno. Las ventanas se abren hacia fuera, creando nuevos planos y otra peculiaridad serán los pilares metálicos. En 1919 traza un proyecto de rascacielos de metal y vidrio con el que se sentó las bases de todos lo grandes edificios modernos.

FRANK LLOYD WHRIGT

Frank Lloyd Wright (Arquitectura Orgánica) EEUU. En 1893 abrió su propio estudio de arquitectura en Chicago.Siempre rechazó los estilos neoclasicistas y victorianos de finales del siglo XIX, oponiéndose a la imposición de cualquier estilo, porque estaba convencido de que la forma de cada edificio debía estar vinculada a su función, al entorno y a los materiales empleados en su construcción, aspecto en el que demostró gran maestría, combinando con inteligencia todos los materiales de acuerdo con sus posibilidades estructurales y estéticas. Otra de sus aportaciones fundamentales a la arquitectura moderna fue el dominio de la planta libre, con la que obtuvo impresionantes espacios que fluyen de una estancia a otra, en una continuidad en la que paredes, suelo, techo y chimenea forman bloques ininterrumpidos. Este concepto será evidente en las llamadas casas de la pradera. Características: Influencia del ideal de casas japonesas, tipos de cubierta, concepto de espacio interior. Continuidad: paredes, suelo, techo y chimenea forman bloques ininterrumpidos. Complementación de la naturaleza. Ruptura del concepto de espacio fraccionado. La altura de los interiores se adapta a las proporciones humanas. Biaxialidad: dos ejes desiguales que se cruzan en ángulo recto visible desde arriba. De 1909 a 1911 Wright viaja a Europa donde le influirá el cubismo. En 1936 dará un giro decisivo a su carrera: abandona los volúmenes cúbicos y la composición ortogonal, iniciándose el período de las curvas.Formas extravagantes y fantásticas.

HADID

Es una de las mejores representantes de la Arquitectura Deconstructivista, corriente caracterizada por •Romper con todos los principios de la arquitectura. No hay equilibrio en la estructura, ni armonía, ni el concepto del espacio tradicional •Imaginación y creatividad desbordante del arquitecto. •Separar la forma de la función. •Fragmentar el edificio (deconstruir). Desintegrar el espacio. Formas irregulares. •Son edificios dinámicos, aparentemente irrealizables. •Complejidad constructiva y técnica que obligan a apoyarse en sofisticados medios informáticos en los diseños. •Utilización de un lenguaje escultórico. •Materiales variados y novedosos que alcanzan gran protagonismo. •Resultado espectacular y fascinador en el espectador.

ARQUITECTURAXVIII - XX

Fundamentos Ángeles del Canto

ART DECÓ

Art Decó: se inspira en las Primeras Vanguardias. Las influencias provienen del constructivismo, cubismo, futurismo, del art nouveau, del que evoluciona, y también del estilo racionalista de la escuela Bauhaus. Los progresivos descubrimientos arqueológicos en el Antiguo Egipto marcaron asimismo su impronta en ciertas líneas duras y la solidez de las formas. Como estilo de la edad de la máquina, utilizó las innovaciones de los tiempos para sus formas: las líneas aerodinámicas, iluminación eléctrica, la radio, el revestimiento marino y los rascacielos. Estas influencias del diseño se expresaron en formas fraccionadas, cristalinas, con presencia de bloques cubistas o rectángulos y el uso de la simetría. El color se nutrió de las experiencias del fovismo; trapezoides, facetamientos, zigzags y una importante geometrización.

ARTS AND CRAFTS

•Creencia en la superioridad de la producción artesanal sobre la producción mecanizada, que se ve como algo degradante para el creador y el consumidor•Simplicidad de las formas, Volúmenes llanos y lineales.•Primera fase: inspirada en formas vegetales, animales y naturaleza.•Segunda fase: mas abstracta inspirada en el movimiento y figuras míticas.•Regreso a los gremios como único modo de garantizar la dignidad de los objetos.•Rechazo de la máquina. Retorno a la Artesanía. Búsqueda de honradez, sencillez, moral, religión, ética.

ARQUITECTURA ORGÁNICA

El estilo orgánico es un movimiento arquitectónico que se deriva del funcionalismo o racionalismo y que puede considerarse promovido fundamentalmente por los arquitectos escandinavos en la década 1930-40 y por el arquitecto estadounidense Frank Lloyd Wright. El movimiento acepta muchas de las premisas del racionalismo, como son la planta libre, el predominio de lo útil sobre lo meramente ornamental, la incorporación a la arquitectura de los adelantos de la era industrial, pero procura evitar algunos de los errores en que cae el racionalismo y aportar nuevos valores a la arquitectura Una mayor preocupación por la vida del hombre. La atención del arquitecto no debe limitarse a las estructuras y a la disposición de los ambientes, sino que debe extenderse a los problemas psicológicos y vitales del hombre.

ALVAR AALTO

Aalto y sus escuelas comienzan por el estudio de los ambientes, de los recorridos, de los movimientos del hombre y llegan a la creación de los espacios que consideran más indicados, a los que se les proporciona una envolvente apropiada Las soluciones técnicas y estructurales deben ceñirse a esos espacios, dando lugar normalmente a formas más complicadas, no repetidas, económicamente más costosas y difíciles de industrializar

ARQUITECTURA BAUHAUS

Plaza de Toros de Madrid 1922-29

Parlamento de Londres Neogótico 1840-1865

La Exposición Universal de París de 1889 contó con una Galería de Máquinas, construida según el proyecto del arquitecto Louis Dutert (1845-1906) y del ingeniero Contamin (1840-1893). Algo menor que el Crystal Palace londinense, huía del aspecto de invernadero y sus monumentales pilares descansaban sobre 40 pilastras de albañilería. La bóveda, cuya altura alcanzaba los 43 metros, cubría, sin ningún apoyo intermedio, una superficie de 4,5 hectáreas. El edificio despertó una expectación similar a la que en su día suscitara el pabellón de Paxton. Eiffel, experto en la construcción de puentes, estaciones de ferrocarril y edificios de hierro, ya había participado en la construcción de la estación de Pest (Hungría), en la de los almacenes Au Bon Marché de París y en los cálculos del techo de la Galería de Máquinas de la Exposición de 1867. Asimismo, suya fue la ejecución de muchos puentes, entre los que destacan el del Duero, en Portugal, y el viaducto de Garabit, en Francia, de 165 metros de luz sobre las aguas del río Thuyére, como igualmente concebiría la estructura metálica que sustenta la estatua de La Libertad, en Nueva York. La construcción de la torre Eiffel, de 300 metros de altura, Exposición Universal de París de 1887, conmemorativa del centenario de la Revolución francesa, donde Eiffel lleva adelante otro ejemplo de la nueva arquitectura. Se trata de la famosa torre que tomó su nombre, una obra que sorprendió y desató entonces toda suerte de reacciones, negativas en su mayoría.

Pabellón de Alemania en la Exposición Universal de Barcelona 1929

Casa de la Cascada (1934-37)

Museo Gugenheim de Nueva York (1944-1959)

MASP, museo de arte de Sao Paulo (1958) Lina Bo Bardi

Edificio Chrysler, Art Decó 1928

Casa Milà (La Pedrera), (1906-1912)

Alvar Aalto. Sanatorio de Paimio, (1929-1933)

Apartamentos residenciales, (1950-1952) Bruno Zevi

El Crystal Palace de Paxton, calificado por algunos de sus detractores como el monstruo de cristal, fue catalogado durante mucho tiempo como obra maestra e, incluso, como una de las maravillas del mundo arquitectónico. Desgraciadamente hoy desaparecido a causa de un incendio, este palacio ejerció una decisiva influencia en la concepción de otros pabellones levantados en posteriores exposiciones universales.

Albero de Palacio.Estación de Atocha, (1888- 1892)

Ricardo Velázquez Bosco. Palacio de Cristal (1887)

Alfonso Dubé y Díez. Mercado de San Miguel (1913-1916)

Walter Gropious.Fábrica Fagus, (1911-1925)

Willian Morris, Red House, (1860)

2030

FOTOGRAFÍA

Fundamentos II Ángeles del Canto

El institucional expresionismo abstracto dominaba la escena artística y Warhol quiso buscar un estilo completamente distinto. Con su experiencia en publicidad, empezó a mostrar productos de consumo de masas como botellas de coca-cola, latas de sopa Campbell… y al final, personas que eran productos en sí mismos, como Marilyn, Mao o Elvis.

MUCHA

Alphonse Mucha (1860-1939),mujeres jóvenes, hermosas y saludables, flotando en atuendos vagamente neoclásicos, frecuentemente rodeadas de exuberantes flores las que a veces formaban halos detrás de sus cabezas. Este estilo fue imitado con frecuencia. carteles de la actriz francesa Sarah Bernhardt o l champangne Moet Chandon. Gismonda,1895 Las cuatro estaciones,1896 Cycles Perfecta ,1902

PRIMERAS IMPRESIONES

La fotografía más antigua que se conserva es una reproducción de la imagen conocida como Vista desde la ventana en Le Gras, obtenida en 1826 con la utilización de una cámara oscura y una placa de peltre recubierta en betún. Cuando Niepce comenzó sus investigaciones necesitaba un poco más de ocho horas de exposición, a plena luz del día, para obtener sus imágenes. En 1827, Niepce entra en contacto con Daguerre, quien se interesa por su invento e insiste en un acuerdo de trabajo para que le revele su procedimiento, el cual logra firmar con Niepce poco antes de su muerte en 1833. Desde entonces, Daguerre continúa sus experimentaciones, regresando al uso de las sales de plata que habían sido desestimadas por Niépce, y en 1839 hace público -con apoyo del Estado Francés y gran despliegue mediático-, su proceso para la obtención de fotografías sobre una superficie de plata pulida, a la que denominó DAGUERROTIPO. Resolvía algunos problemas técnicos del procedimiento inicial de Niepce y reducía los tiempos necesarios de exposición, para hacerlo más adecuado a los fines del retrato de personas.

fotografÍa social

Diferencia entre reportaje documental y reportaje de actualidad: La fotografía documental trata de situaciones existentes y prolongadas. Examina sucesos y las condiciones relacionándolos con las vidas afectadas por ellos. Busca las causas del suceso y las consecuencias de éste para las personas que han tomado parte o que se ven afectadas por él. Está motivada por un sentimiento de identificación, la toma de cierta postura y por el interés que posee el fotógrafo. Lo que está mostrando es importante para él y desea que ella, en el convencimiento de que si las consecuencias humanas son comprendidas, el público tomará consciencia y actuará.

CARTIER BRESSON

Henri Cartier Bresson (1908-2004)1 fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotoreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo: Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mis momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.

NADAR

Gaspard-Félix Tournachon más conocido como Nadar, fue un fotógrafo, periodista, ilustrador, caricaturista y aeronauta francés. En todo momento se negó a colorear los retratos, así como a practicar cualquier tipo de retoque. También renunció a la utilización de elementos de atrezzo. Nadar únicamente se sirve de la luz –modo de iluminar al modelo– y del gesto – mirada y actitud de los modelos favorecida por la relajación de los amigos fotografiados. Nadar hacía retratos como lo haría un pintor pero con un medio nuevo. Seguía los cánones clásicos ya sentados en la pintura con una técnica nueva, no deja de cultivar un género artístico del que también participa la pintura. A Nadar se deben las primeras fotografías aéreas de la historia en el año 1858, realizadas con una cámara fotográfica desde un globo aerostático. Esta innovación tuvo un gran interés militar. En los años 1870 fue nombrado comandante de una compañía de globos aeroestáticos para tomar fotografías de las posiciones de los prusianos que cercaban el París de la Comuna. También fue el primer fotógrafo en realizar fotografías con luz artificial consiguiendo captar imágenes de las catacumbas de París.

dorotea lange

Dorotea Lange: Fue una influyente fotoperiodista documental estadounidense, mejor conocida por su obra la "Gran Depresión" para la oficina de Administración de Seguridad Agraria. Las fotografías humanistas de Lange sobre las terribles consecuencias de la Gran Depresión la convirtieron en una de las periodistas más destacadas del fotoperiodismo mundial. Con el comienzo de la Gran Depresión, Lange llevó el objetivo de sus cámaras de su estudio a las calles. Sus estudios de desempleados y gente sin hogar llamaron pronto la atención de fotógrafos locales y la llevaron a ser contratada por la administración federal, posteriormente llamada "Administración para la Seguridad Agraria" (Farm Security Administration).

GARCÍA RODERO

Cristina García Rodero (Puertollano, 1949) y cuenta con una trayectoria fotográfica de más de cuatro décadas. España oculta es una de sus obras más conocidas, a la que dedicó 15 años de trabajo. En 2009 se convirtió en la primera española en entrar en la agencia Magnum.. En1973 se plantea la tarea de fotografiar costumbres y fiestas por toda España para lo que recibe una beca. Posteriormente ha realizado reportajes sobre tradiciones en diferentes países. Su obra fotográfica se podría enmarcar en el reportaje, aunque desde un punto de vista muy personal. Su trabajo es una indagación en el alma española, García Rodero, dijo : “Yo no soy épica, sino de individualidades. Voy siempre a lugares de mucha gente para acabar haciendo medios planos o retratos. Nunca planos generales, porque no me emocionan. El ser humano es lo que me interesa, lo otro… lo otro es meramente descriptivo. La gente sencilla es la que construye un país”.

GARCÍA ALIX

Alberto García -Alix. (León, 1956) es un fotógrafo español. Premio Nacional de Fotografía en 1999. Su obra recorre diversos países y es admirada en publicaciones como Vogue, British Journal of Photography o Vanity Fair. Amante de las motocicletas y de los retratos, sus cámaras Leica y Hasselblad han inmortalizado a importantes artistas nacionales e internacionales. Las motos, los tatuajes, la música y la noche han sido algunas de sus musas de inspiración.Dentro de su notable gusto por el retrato, que él define como un enfrentamiento en el que suele colocarse frontalmente frente a su modelo, cara a cara. Fue uno de los protagonistas más destacados de la llamada Movida madrileña, habiendo dejado conocidas y poderosas imágenes sobre jóvenes de este movimiento cultural - algunos de los cuales se encuentran entre sus amigos - que posteriormente se han convertido en personalidades de prestigio en diferentes campos: Pedro Almodóvar, Rossy de Palma, Emma Suárez, Camarón de la Isla y otros muchos. También son habituales sus retratos de desnudos directos y violentamente carentes de todo pudor, incluso sobreactuados, pero de una fuerza expresiva y una eficacia gráfica y fotográfica incuestionables.

lewis hine

Lewis Hine: En 1932 publicó su colección Men at Work, Periodo 1920-1940 que documentó la dignidad y personalidad de quienes trabajaban en la industria. Esta serie culminó a principios de los años treinta con un excepcional proyecto documental sobre la construcción del Empire State Building, desde la primera excavación hasta la colocación de la viga de acero más alta. Hine apuntó por vez primera que la idea de una fotografía documental completamente real y objetiva, era imposible.

FOTOGRAFÍA DE GUERRA

Fotografía de guerra: La Guerra Civil fue precursora en el uso de nuevos armamentos, tácticas militares, protección del patrimonio, además del dominio de la información y la propaganda en sus distintos soportes: radio, prensa escrita, cine y documentales de guerra, fotografía y cartelística. La imagen, y sobre todo el control de la misma, serían cruciales en un momento en el que la tecnología cada vez era más avanzada. La fotografía, con cámaras cada vez menos pesadas y ágiles, sería el medio con el que introducir la mirada del mundo entero en el conflicto. El desarrollo de la técnica en los años posteriores, facilita el hacer tomas rápidas fundamentales para captar eventos en la fotografía de Guerra. El fotógrafo se hace con un equipo que le permite manejarse con rapidez. En la fotografía documental es fundamental la investigación para conocer todas las claves de la realidad que se pretende reflejar y conectarse con ella. Hacer lo posible por no influir en la escena.Mientras menos influencia tengas sobre el encuadre, más auténtico será el resultado. Que las personas no miren a la cámara. Los detalles son importantes. La fotografía documental no tiene que contener personas para contar una historia.

ANSEL ADAMS

Ansel Adams (1902 - 1984) fotógrafo estadounidense, nacido en San Francisco. Conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional Yosemite en Estados Unidos (entre otros paisajes) y como autor de numerosos libros sobre fotografía. Sus imágenes empezaron a volverse símbolos de Angloamérica, muchas de ellas centradas en el parque natural Yosemite. Ansel Adams luchó por defender la naturaleza y a sus animales, siendo los paisajes el principal tema de sus fotografías. Precisamente por esto fue criticado a menudo, ya que raramente se podía ver a una persona en una fotografía suya. Algunos dicen que Adams fotografió lugares que ya ni existen, pero para otros ocurre lo contrario; algunos lugares siguen existiendo debido a Adams y su entusiasmo y esfuerzo por salvar estos lugares, a través de sus fotografías.

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Vista desde la ventana de Gras .Fotografía realizada por Joseph Nicéphore Niépce desde su estudio, considerada como la primera fotografía que se tomó con una cámara.

Retrato de Sarah Bernardt. Con un estilo retratista simple y directo, Nadar utilizaba simplemente fondos lisos y neutros, con figuras de pie iluminadas por una enorme claraboya. A pesar de estos cánones algo clásicos, buscaba el realismo, y se negó en todo momento a colorear los retratos (costumbre muy extendida), y a colocar adornos superfluos (excepto en los retratos de actores y cantantes caracterizados). Hasta la cesión de su taller a su hijo, sus obras no fueron nunca retocadas, sirviéndose únicamente de la iluminación y el gesto del modelo para intentar captar la personalidad de sus retratados.En el caso del retrato femenino, las fotografías más elocuentes resultan las realizadas a la gran Sarah Bernhardt. Destacan los escuetos, aunque poco habituales, elementos de atrezzo: la propia vestimenta de la actriz es importante, y con sus pliegues da plasticidad a la fotografía, y a su vez recuerda a la voluminosa moda femenina de mediados del XIX (con esta tela no está sino imitando los caros diseños que llevaban nobles de toda Europa); y la pequeña columna, utilizada como soporte para el brazo de Sarah. La postura, tremendamente similar a la que vemos en las obras de Ingres (La condesa de Haussonville,1845, ala derecha) y Madrazo (La condesa de Vilches,1853, ala izquierda), destaca el carácter pensativo de la actriz, así como la forma del rostro, que en el caso de la fotografía está peor iluminado.

Madre migrante Dorotea Lange

Miliciano. Robert Capa. El primer fotoperiodista de guerra reconocido fue Robert Capa. Destaca especialmente su trabajo sobre la guerra civil española, donde su compañera la fotógrafa Gerda Taro murió aplastada por un tanque. También por haber realizado las únicas imágenes existentes sobre el desembarco de Normandía, en la playa Omaha. Algunos de los carretes expuestos por Capa en aquella batalla de la II Guerra Mundial, se estropearon en el laboratorio perdiéndose así imágenes de incalculable valor.

Paris. Place de l’Europe. Gare Saint Lazare (1932) Henri Cartier Bresson

García Alix. Autorretrato

Ansel Adams, Paisaje

Construcción del Empire State

Construcción de la columna de Nelson, (1844) Félix Nadar

Salto con Pértiga (Cronofotografía) , (1886) William Henry Fox Talbot

Sir John Herschel, (1867) Étienne Jules Marey Julia Margaret Cameron

Violín de Ingres (1924) Man Ray

Moon and Half Dome, (1960) Ansel Adams

Power house mechanic working on steam pump (Mecánico de la central eléctrica trabajando en la máquina de vapor), (1920) Lewis Hine

La Confesión, (1980) Cristina García Rodero

Retrato de Alaska, (1988) Alberto García Alix

2030

COMUNICACIÓN,TECNOLOGÍA Y ARTE

Fundamentos II Ángeles del Canto

MUCHA

LOS ORÍGENES DEL CINE

Thomas Alva Edison, inventor de la lámpara incandescente y el fonógrafo, estuvo muy cerca también de inventar el cine, al patentar el kinetoscopio solo permitía funciones muy limitadas. Inspirándose en éste e integrándolo a diversos inventos y descubrimientos de la época, como el rollo de fotos de Eastman, con antiguos conocimientos como la persistencia retiniana (consiste en que una imagen cuando es capturada por la retina, queda fija unos breves instantes, al ocurrir esto el cerebro se encarga de unir una imagen con la siguiente, hasta que se logra la sensación del movimiento), los hermanos Lumière, hijos del fotógrafo Antoine Lumière, crearon el cinematógrafo: este dispositivo que desarrollaron permitía la toma, proyección y hasta el copiado de imágenes en movimiento; el espectáculo público derivado de la exhibición del funcionamiento del aparato. La primera presentación fue el 28 de diciembre de 1895, en París, y consistió en una serie de imágenes documentales, de las cuales se recuerdan aquella en la que aparecen los trabajadores de una fábrica y la de un tren que parecía abalanzarse sobre los espectadores, ante estas imágenes las personas reaccionaron con un instintivo pavor, creyendo que el tren los atropellaría. La función de las primeras "películas" era mayormente documental, con el agregado del movimiento.

GRIFFITH

El punto de partida para el cine estadounidense fue Griffith con The Birth of a Nation que fue pionera en la filmación de vocabulario que todavía domina el celuloide hasta el día de hoy. El nacimiento de una nación es uno de los grandes hitos de la historia del cine, y lo es porque reúne y sistematiza todos los recursos narrativos que había ido desarrollando el cine hasta ese momento: El salto de eje El uso de los primeros planos La alternancia entre planos generales que permiten que el espectador comprenda y organice mentalmente el espacio donde transcurre la acción Planos cortos donde se aprecia el detalle

eisenstein

Dirigida por Serguéi Eisenstein en 1925 y considerada una obra maestra del cine. Filmada poco después del triunfo bolchevique en la Guerra Civil Rusa (1917-23),31 los cineastas usaron el acorazado abandonado Dvenádtsat Apóstolov para simular el ya desguazado Potemkin.33 Eisenstein transformó el motín en un precedente directo de la Revolución de noviembre de 1917 que llevó a los bolcheviques al poder en Rusia enfatizando su papel en el mismo y sugiriendo que su rebelión fracasó porque Matushenko y el resto de cabecillas no eran buenos bolcheviques. El director realizó otros cambios para dramatizar el relato, como ignorar el incendio que arrasó el puerto de Odesa mientras el Potemkin estaba allí fondeado, combinar los muchos enfrentamientos entre manifestantes y soldados en la ya mítica escena de la masacre perpetrada por los soldados zaristas en la escalinata de Odesa (hoy conocida como Escalera Potemkin) y mostrando como los oficiales arrojan una lona sobre los marineros para ejecutarlos.

MELIES

George Méliès, un ilusionista que en principio, usó el cinematógrafo como un elemento más para sus espectáculos, pero luego los desarrollaría en el cine, creando rudimentarios -pero eficaces- efectos especiales. Su obra más conocida es El viaje a la luna (1902).Aplica a la puesta en escena la tradición carnavalesca y de las fiestas populares, dando a sus películas un cierto aire fantasmagórico.

CARTEL

CARTEL es un soporte de la publicidad. Consiste en una lámina de papel, cartón u otro material que se imprime con algún tipo de mensaje visual (texto, imágenes y todo tipo de recursos gráficos) que sirve de anuncio para difundir una información o promocionar un (bien o servicio) producto (economía) un evento, una reivindicación o cualquier tipo de causa. Las causas de su aparición: El inicio de la industrialización a gran escala, que generó la necesidad de una publicidad extensiva. El otro fue el invento, en 1798, de un nuevo método de impresión, la litografía, que hacía mucho más fácil la ilustración de carteles en color. Los representantes del Art Nouveau introdujeron un estilo pictórico alternativo creando carteles de imágenes exóticas y estilizadas por medio de líneas fluidas y de elegantes formas alargadas. Artistas : el francés nacido en Checoslovaquia ALPHONSE MUCHA, , el austriaco GUSTAV KLIMT .Dentro de esta corriente modernista destacan en España RAMÓN CASAS, autor del célebre cartel de Anís del mono y SANTIAGO RUSIÑOL.

CINE EXPRESIONISTA

CINE EXPRESIONISTA :La escenografía: decorados pintados, las calles y perspectivas no tiene una profundidad real sino que esto se logra gracias a un telón de fondo que representa la prolongación de las calles mediante líneas inclinadas dando la sensación de un movimiento y vértigo La iluminación:Los directores expresionistas se caracterizaron por dar un toque muy particular a la elaboración del claro oscuro acentuando el contraste entre luces y sombras y destacando el exceso de relieve deformado y el contorno de un objeto. El paisaje natural y el estudio: Para el cine expresionista existía un vínculo especial entre los paisajes y los seres humanos lo que provocaba un factor dramático. Los personajes: Se caracterizan por aparentar ser misteriosos o siniestros ocupando un lugar especial en las películas pudiendo ser inofensivos o malvados. Pueden tener también un desdoblamiento de la personalidad por ejemplo, Caligari es al mismo tiempo un charlatán de feria como un eminente doctor. El vestuario:Sus personajes se caracterizan por vestir capas y sombreros de copas. Además, sus manos son extremadamente salientes o crispadas La interpretación: Movimientos abruptos y duros componen el rasgo habitual de los personajes. Además, se produce una deformación de los gestos por medio de movimientos intensos que superan la realidad. Las sombras: se usan como un presagio , un destino o una amenaza

POP ART

EL ARTE POP es interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto.Antecedentes: El arte pop tiene como referencia el Dadaísmo. Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los mismos sujetos, el arte pop reemplazaba los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento Dada. Entre los artistas considerados como precursores del movimiento pop están Marcel Duchamp, Kurt Schwiters. Y mas directamente el Neo- dada americano con Jasper Johns y Robert Rauschenberg .Las pinturas de Rauschenberg tienen relación con los trabajos anteriores de Kurt Schwitters y otros dadaístas, y demuestran una preocupación por las cuestiones sociales del momento. Su método consistía en crear arte con materiales efímeros, con los que representaba acontecimientos de actualidad con los que los estadounidenses convivían día a día, lo que dotó a sus obras de una calidad única. Jasper Johns las pinta banderas de los Estados Unidos a la encáustica en la década de 1950. Otros símbolos, como letras, números y dianas, aparecen recurrentemente en sus pinturas y grabados. El movimiento Pop como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1960 en los Estados Unidos.

ANDY WARHOL

SANTIAGO RUSIÑOL

En parís se familiarizó con el simbolismo y la pintura al aire libre. Tras regresar a España funda en Sitges el taller-museo del "Cau Ferrat", y frecuenta en Barcelona las tertulias del café Els Quatre Gats. Su posición social y económica acomodada le permitió hacer frecuentes viajes.Su pintura está muy influida por los impresionistas y tiene temática paisajista, tanto rural como urbana, retratos y composiciones simbólicas de inspiración modernista

RAMÓN CASAS

Uno de los principales retratistas de la burguesía catalana. Activo impulsor del modernismo catalán, apoyó numerosos proyectos culturales, fue uno de los promotores de Els Quatre Gats, en donde expusieron Pablo Picasso, Isidre Nonell o Ricard Canals,. Célebre como cartelista, destaca el trabajo que hizo para el Anís del Mono en 1898 o el de Codorníu, por los que fue considerado el «Cheret catalán». Dos importantes cuadros de historia, Garrote vil y La carga, Barcelona, 1902. Las pinturas representan el ejemplo más evidente de la transformación que sufrió el concepto de pintura de historia en los inicios del siglo XX, teñido, a partir de entonces, de una clara intención social, extraída de la más inmediata actualidad

Roy Lichtenstein.

ROY LICHTENSTEIN

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El discurso de los hermanos Lumière. Pretende plasmar la realidad, no obstante manipula lo que aparece en imagen (lo mediatiza), al buscar composiciones que recogieran los estilos pictóricos en boga en la época.

Viaje a la luna . Melies

El nacimiento de una nación. Griffith

Serguéi Eisenstein, El acorazado Potemkin, fotograma de "La escalera de Odessa", 1925

MUCHA Cycles Perfecta ,1902

. Pippermint, 1899.

Le Chat Noir (1896) Théophile Alexandre Steinlen

Campari, (1921) Leonetto Cappiello

El gabinete del doctor Caligari (1920) , Robert Wiene

Metrópolis, fotograma (1927) Fritz Lang

Andy Warhol, Marilyn, 1962

Obra Maestra, (1964) Roy Lichtenstein

Industria de Guerra. Potente palanca de la victoria, (1937) Josep Renau

Melancolía I (1514) Durero

Garrote vil, (1894) Ramón Casas

Jardí d'Aranjuez. Glorieta II (Jardín de Aranjuez. Glorieta II), (1907) Rusiñol

Su importancia dentro de la historia del cine está a la altura de los más grandes directores de todos los tiempos, Welles, Hitchcock, Ford, , Kurosava, Fellini o BergmanUn perro Andaluz (1929)

En sus creaciones muestra la alegría de vivir, incluso cuando los protagonistas son trabajadores. Siempre son personajes que se divierten, en una naturaleza agradable. Se le puede emparentar por ello con Henri Matisse, a pesar de sus estilos distintos. Trató temas de flores, escenas dulces de niños y mujeres y sobre todo el desnudo femenino, que recuerda a Rubens por las formas gruesas. En cuanto a su estilo y técnica se nota en él un fuerte influjo de Corot. Renoir posee una vibrante y luminosa paleta que hace de él un impresionista muy especial. El palco, El columpio, Baile en el Moulin de la Galette, Almuerzo de remeros y Las grandes bañistas son sus obras más representativas.

FUNDAMENTOS ARTÍSTICOS 24

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