Want to make creations as awesome as this one?

No description

Transcript

Finissage le 7 mai, à 19h00. Consultez la page Facebook de l'événement pour plus de détails. Bonne visite!

Miroir. Sombre Tendresse

Instructions

Pour naviguer d'une diapositive à l'autre, vous pouvez utiliser la flèche à droite.Vous pouvez à tout moment revenir au menu principal.

Vous pouvez cliquer sur plusieurs photos pour des vues plus détaillées et sur le cartel pour lire la description de l'oeuvre et la démarche artistique de l'artiste.

Finissants

1. Ann-Frédérique Beaulieu

8. Nadeige Pinet

2. Daphnée Drouin

3. Janick Gagnon

4. Jessie Jones

5. Justin L. Lebrun

6. Léanne Tremblay

7. Marie Estivals

9. Nathaniel Lacasse

10. Noémie Roger

11. Thomas Bernard

12. Vue de l'exposition

13. Vidéo du montage de l'exposition

Explorant différentes disciplines de l’art - comme la peinture, la sculpture, la photographie, la performance et l’animation - les finissant·e·s proposent des réflexions tout autant diversifiées. Chaque discipline apporte un élément de plus au ressenti d’ensemble de l’exposition. Miroir : sombre tendresse regroupe une collection de reflets distincts de chaque étudiant. En deux ans d’études en arts, leur monde intérieur a subi des changements qu’ils souhaitent partager à travers leurs oeuvres. Les étudiants ont porté leur réflexion tant sur ce qui fait du bien, sur les émotions qui font ravage, sur la perception de soi, sur les épreuves rencontrées que sur les manières dont ils souhaitent transmettre ces réflexions. Peu importe la nature de l’introspection, elle amène à se dépasser, et bien que cela soit difficile, elle s’avère bénéfique en bout de ligne.

Miroir : Sombre Tendresse

Vidéo du montage de l'exposition

Visite de l'exposition en vidéo

Justin L. Lebrun

Francis no. 9Techniques mixtes 39 x 29 cm2021

Rumeur, Hypocrisie et BeethovenPerformance installative2021

Rumeur, Hypocrisie et Beethoven.Justin L. LebrunPerformanceinstallative2021Ces masques aux murs ne semblent peut-être pas parler d’eux même, mais ils sont en fait le décor pour une performance. Sous une panoplie de masques de papier collés au mur se retrouvent trois clous. Sur ces derniers seront éventuellement accrochés trois masques de latex qui seront à tour de rôle portés par Justin L. Lebrun lors de sa performance.Rumeur, Hypocrisie et Beethovenprend ses origines dans une histoire toute simple. Tout a commencé alors que Justin L. Lebrun faisait des masques de papier pour distraire ses compères et ajouter de la vie dans les ateliers. Rapidement, l’idée de performance fut amenée sur le tapis. N’ayant encore jamais présenté de performance pour œuvre, Justin L. Lebrun fut séduit par cette perspective.Surtout, ne vous attendez pas à regarder un spectacle, vous faites partie du spectacle, car cette œuvre est basée sur l’interaction et l’humour. Vous observez et êtes observés. Le but recherché est de créer des réactions, des contre-réactions et des contre-contre-réactions. Étude du drôle,du cocasse, du gênant, de l’étrange et de l’effrayant, l’œuvre est pimentée par une contrainte propre à chaque masque.Rumeurprive de la vue.Hypocrisieenlève à l’artiste la parole. Finalement,Beethovenne vous entend point. Tout est mis en œuvre pour laisser place à une performance improvisée.Bien que l’humour soit au centre de l’œuvre, bien d’autres réactions peuvent être générées. Car il s’agit aussi pour Justin L. Lebrun d’une occasion de rire lui-même. Alors bien sûr laissez-le s’amuser. Si vous n’êtes pas intéressés, voici la marche à suivre: ignorer le, faites comme s’il n’était pas là. Il sera un probablement un peu insistant une ou deux minutes mais par la suite atteint d’ennui et se désintéressera de vous. Merci de suivre de cette procédure et de rester compréhensifs.Justin L. Lebrun est un artiste curieux. Il prend à cœur de ne s’enfermer ni dans les normes des autres, ni dans les siennes. Il essaie de s’essayer à toute pratique pour connaitretoutes les possibilités. Accordant une grande importance à sa capacité de faire réagir les autres et de provoquer des émotions, il s’informe auprès de son entourage sur leur impressions de tout ce qu’il en juge digne. L’interaction et la communication sont donc des éléments centraux de sa démarche.La performance aura lieu le 6 mai.

Nathaniel Lacasse

Installation #1 Médiums mixtes 200 x 200 x 280 cm 2021

Nathaniel LacasseInstallation #1Médiums mixtes200 x 200 x 280 cm2021Installation #1présente le cycle, divisé en différentes étapes, d’un sujet se remettant d’une défaite. L’installation est composée de trois œuvres montrant chacune une étape, soit la défaite, le repos et la renaissance. Nathaniel Lacasse représente une expérience personnelle, mais qui saura tout de même rejoindre les spectateurs. L’installation diffuse un message rempli d’espoir pour tous ceux qui sont en mesure de s’associer au personnage représenté. Il est important de mentionner que l’œuvre présente un cycle et non une évolution, puisqu’elle ne représente pas une victoire permanente pour le sujet. Ce dernier sera de nouveau confronté à cette épreuve dans le futur, mais pour l’instant, il se contente d’apprécier sa régénération. C’est un processus marquant qui commence, en nous accrochant avec les fortes émotions de la défaite et qui finit avec les toutes aussi puissantes émotions reliées à la renaissance. Bien que le sentiment initial et le sentiment final soient très contrastés, ce sont les phases les plus importantes aux yeux de l’artiste.Nathaniel Lacasse ne cherche pas à hiérarchiser ses émotions, il vise à traduire leur puissance avec le plus d’honnêteté possible. L’esthétique sombre est une récurrence dans les œuvres de l’artiste, puisqu’elle reflète bien ses influences de l’absurde et du perturbant. Cette esthétique, qui ne repose pas sur la beauté traditionnelle, nous pousse à nous pencher sur l’installation et à mieux vivre l’expérience qui nous est proposée. En se concentrant sur l’œuvre, nous avons la capacité de bien voir l’espoir qui domine cet ensemble. En nous montrant la puissance des émotions et l’importance qu’il accorde à chacune d’entre elles, l’artiste rend un peu de beauté à cette période difficile, que nous avons tous déjà connue. La dualité entre l’esthétique et le message permet malgré tout d’unir ces aspects antagonistes pour créer un effet nouveau et différent sur le spectateur.Nathaniel Lacasse s’intéresse à une variété de disciplines. Cela lui permet d’utiliser les médiums appropriés qui sauront le mieux transmettre ses émotions, qui sont une partie importante de sa production. Son travail nous permet d’explorer des processus difficiles comme le sentiment d’impuissance, l’abandon, la solitude, tout comme il peut aborder les petites choses de la vie telles qu’un bâillement, une caresse ou un visage inconnu. Toutefois une chose est certaine : l’artiste aura la capacité de déformer le sujet et de nous présenter certains détails difficiles à voir. Étant donné la variété des thèmes, les œuvres de Nathaniel Lacasse ont la capacité de créer une relation avec les spectateurs. Les thèmes explorés dans les créations du finissant sont tantôt reliés à lui-même, tantôt influencés par des courants littéraires tels que l’absurde qu’on y retrouve souvent.Cette capacité de réflexion personnelle et cet intérêt pour la littérature lui seront grandement pratiques puisqu’il poursuivra ses études en Littérature à l’Université Laval, dès l’automne prochain. Nathaniel Lacasse quittera le programme d’Arts visuels avec son diplôme ce printemps 2021 et avec la bourse Lise-Bégin, qu’il a reçue à l’hiver 2020 pour son excellent travail.Ann-Frédérique Beaulieu

IntituléePeinture acrylique, fil à broder, perles, brillants, breloques28 x 32 po2021

IntituléeJanick GagnonPeinture acrylique, fil à broder, perles, brillants, breloques28 x 32 po2021Avec Intitulée,Janick Gagnon aborde les concepts de la douceur et de la tendresse. Sa palette de roses pastel ainsi que ses détails de perles brodées évoquent un doux rêve de plumes. À travers cette explosion de différents tons de rose, elle ajoute des éléments rappelant le paysage figuratif: nuage, montagne, cours d’eau, etc. Malgré ces référents figuratifs, elle préfère l’abstraction, qui lui permet de créer quelque chose de complètement nouveau et d’unique, et qui rend le concept de douceur plus facilement atteignable. La nature a toujours été pour l’artiste un environnement familier et sécurisant, qui lui apporte un sentiment de sérénité. Elle tente à son tour de placer le spectateur dans le même état contemplatif. Le concept du rêve doux et rose fait référence au côté plus féminin de l’artiste. L’aspect artisanal qu’apporte la broderie étant souvent associé à la délicatesse et à la fragilité, Janick Gagnon tente de traduire un certain aspect maternel et protecteur de sa personne: son but est d’envelopper le spectateur dans du duvet à l’aide de son oeuvre. Les détails au fil à broder reflètent d’ailleurs une passion de l’artiste pour les projets artisanaux, un passe-temps qui l’apaise dans ses temps libres. L’espace sécurisant est l’idée maîtresse de l'œuvre : c’est un concept auquel l’artiste se raccroche souvent pour guérir des traumatismes d’expériences antérieures.Cette œuvre s’insère parfaitement dans la démarche artistique de Janick Gagnon, qui tend elle aussi très souvent vers la tendresse et le réconfort. Son art est très expressif, et ses expériences personnelles, ainsi que son passé assez chargé, la poussent à s’exprimer librement dans ses œuvres. Son médium de prédilection est la peinture traditionnelle en tout genre: peinture acrylique, gouache, aquarelle. Elle ne se limite pourtant pas à l’art bidimensionnel : Janick Gagnon n’a pas peur d’explorer différents médiums, ce qui rend son art d’autant plus diversifié et varié. Un aspect important de sa pratique est le caractère cathartique et parfois visuellement violent, exprimé dans certaines de ses œuvres. Cette idée de créer un univers chaleureux et calmant pour le spectateur vient balancer la violence et la rage qui l’habitent. L’artiste utilise notamment son art pour faire valoir ses idées et dénoncer les injustices sociales qui lui tiennent à cœur.Janick Gagnon terminera son parcours en Arts visuels au Cégep de Lévis ce printemps. Elle compte finir un dernier cours de base cet été qui lui permettra d'obtenir son DEC. Elle se lancera ensuite dans une pause des études bien méritée pour les quelques prochaines années.Léanne Tremblay

Janick Gagnon

Jessie Jones

Photo de finissanteAcrylique sur plexiglass 21.5 x 21.5 x 3.6 cm 2021

Photo de finissanteJessie Jonesacrylique sur plexiglass21.5 x 21.5 x 3.6 cm2021Avec Photo de finissante, Jessie Jones personnifie plusieurs facettes de sa personnalité par différentes parties d’animaux représentant ses traits. Entre autres, le chat rappelle son indépendance, alors que le tigre démontre son côté territorial. Chaque pièce de plexiglas détient sa propre signification et possède un sens particulier pour l’artiste, même si elle laisse libre place à l’interprétation. Toutes ces parties animales font partie intégrante de l’artiste.La sculpture est faite pour être observée par tous ses angles, afin de bien apprécier la manière dont chaque facette complémente ses voisines. Chacune des parties animales est peinte individuellement à l’acrylique sur une plaque de plexiglas, un support idéal pour laisser transparaître les différentes strates de son œuvre. Celles-ci sont ensuite assemblées, couche par couche, pour former le tout qu’est la créature hybride. Ce processus met en valeur l’importance de chacun des aspects, sans lesquels la créature serait incomplète. Cette œuvre présente la manière dont chaque personne est composée de plusieurs facettes, toutes aussi importantes les unes que les autres, et qui forment notre identité. Il faut connaître chacun de ses traits de caractère afin de voir l’image d’ensemble et comprendre qui une personne est vraiment, soit un mélange complexe de tous ces traits. Certains aspects sont fissurés, représentant ainsi les cicatrices que nous obtenons au cours de notre vie et qui nous forgent.Jessie Jones a également choisi de présenter son cahier de croquis, pour faire part de son processus de création, et par le fait même de sa réflexion et de sa découverte d’elle-même. Ce sujet l’intéresse particulièrement, puisqu’elle diplômera imminemment et débutera une nouvelle étape de vie. Les croquis évoluent à travers les pages et racontent l’histoire de cette créature.Jessie Jones cherche à se distancier du réalisme et de la reproduction d’éléments visuels pour créer des œuvres issues de ses propres concepts et idées. Présentement en recherche et en exploration de sa marque stylistique, ses œuvres se caractérisent par une stylisation des traits et une simplification des formes. Ses créations sont réfléchies et narratives : il y a une histoire et une signification particulière derrière chacun des éléments incorporés. Elle se préoccupe de l’esthétisme de ses œuvres, qu’on peut reconnaître par son attention aux détails, aux contrastes et aux textures. Par son art, elle immortalise un moment ou exprime une émotion impossible à décrire, comme, par exemple, la complexité de la personnalité. Les animaux reviennent souvent dans sa production, témoignant de son affection envers eux, qui remonte à son enfance et à sa constante exposition à ceux-ci. Son expérience avec une multitude de médiums lui permet de les combiner dans son art, bien qu’elle conserve une affection particulière pour le graphite.Ayant la fibre artistique depuis son jeune âge, Jessie Jones touche à plusieurs médiums; elle passe du graphite à l’acrylique et à la création de cosplays. Ancienne élève de l’école d’art Suzie Delisle et finissante du programme d’Arts visuels du Cégep de Lévis, elle a remporté plusieurs compétitions. Dans le futur proche, elle planifie créer sa propre entreprise, pour vendre de la marchandise, comme des perruques personnalisées ou des toiles et en s’adaptant à la demande.Daphnée Drouin

Marie Estivals

AutoportraitAcrylique sur toile83 x 60 cm2021

Autoportrait Acrylique sur toile83x60cm2021Les CascadesAcrylique sur toile83x60cm2021AkumaArgile peinte à l'acrylique35x35x10cm2021Sous la peauArgile43x33x21cm2021

Les CascadesAcrylique sur toile60 x 83 cm2021

Autoportrait Acrylique sur toile83x60cm2021Les CascadesAcrylique sur toile83x60cm2021AkumaArgile peinte à l'acrylique35x35x10cm2021Sous la peauArgile43x33x21cm2021

AkumaArgile peinte à l'acrylique35 x 35 x 10 cm2021

Sous la peauArgile43 x 33 x 21 cm2021

Daphnée Drouin

De Retour à ToiNumérique1536px par 864 px2021

De Retour à ToiDaphnée DrouinNumérique1536px par 864 px2021De Retour à Toi, présentée par Daphnée Drouin, est une animation inspirée d’une peinture qu’elle a réalisée par le passé, et dont elle aimait l’ambiance, à laquelle elle trouvait un potentiel d’approfondissement. Cette dernière représentait deux jeunes filles au pied d’un grand arbre illuminé en pleine forêt. Dans l’animation, cet arbre est le point de rencontre de ces jeunes filles qui vont se mettre à danser au son d’une douce mélodie au violon. L’animation, d’une durée de 45 secondes, montre les deux personnes s’approcher une de l’autre pour commencer à danser, pour ensuite se séparer encore et encore. La répétition du moment témoigne du besoin des personnages de se retrouver : les jeunes filles ne peuvent s’empêcher d’être attirée l’une vers l’autre, comme dans un cycle sans fin. De Retour à Toi est présenté en boucle, afin que tous puissent apprécier l’œuvre aussi souvent que désiré, et ce sans attente.Au départ, les personnages et le décor ne sont qu’à l’état de croquis, mais plus les jeunes filles se rapprochent l’une de l’autre, plus l’image est nette et colorée. Les lignes deviennent précises lorsqu’elles se prennent la main et la couleur apparait au moment du premier pas de danse, témoignant du fait qu’elles ne peuvent être complètes et achevées sans l’autre. De plus, le décor nocturne illuminé par des lucioles et l’arbre confèrent un effet féérique au moment, appuyant l’impression que le monde s’efface autour des jeunes filles, heureuses de se retrouver et profitant pleinement de ce moment présent magique sous les étoiles. Avec cette ambiance, Daphnée Drouin cherche à faire ressentir un sentiment de réconfort et d’acceptation, tout en créant un moment de joie immortel, comme elle le fait dans la majorité de ses œuvres.Daphnée Drouin prête au sens de la famille et au temps de qualité passé avec nos êtres chers une très grande importance, qui se traduit dans ses œuvres. Elle cherche à capter un moment et à donner l’impression qu’il y a un avant et un après ces dernières. Pour atteindre cet effet, elle va produire des œuvres dynamiques aux couleurs chaudes, et elle va également utiliser la température de ses couleurs et les formes arrondies pour créer du réconfort et une ambiance invitante. Daphnée Drouin veut créer un havre de paix pour les spectateurs, en offrant une représentation pour tous, particulièrement pour la communauté LGBTQ+, puisque que les personnages originaux présents dans la majorité de ses œuvres font partie de cette communauté. Finalement, elle met en valeur des moments de qualités passés avec des personnages entretenant des relations saines et heureuses.Daphnée Drouin a toujours eu un intérêt pour les arts, mais c’est lorsqu’elle a commencé à faire l’école à la maison qu’elle a cherché à s’améliorer en s’enseignant elle-même à dessiner. Depuis, elle a accumulé différents contrats d’illustration, offert des cours de dessin, ainsi que remporté une mention spéciale à l’édition 2020 de Cégep BD. Elle diplômera en Arts visuels au Cégep de Lévis en mai 2021 et va poursuivre ses études en entrepreneuriat. Elle souhaiterait continuer dans les domaines de l’illustration, de l’animation ou de la bande dessinée.Jessie Jones

Thomas Bernard

Brain on fireOeuvre numérique et acrylique sur toile 24 x 16/ 24 x 22 cm 2021

Brain on fireThomas Bernardœuvre numérique et acrylique sur toile24 x 16/ 24 x 22 cm2021.Brain on fire comporte trois parties : un paysage à l’acrylique, un poème et un portrait. Dans son ensemble l’œuvre met de l’avant les troubles psychologiques qui font partie de la vie d’une personne en difficulté au niveau de sa santé mentale. Le paysage est composé de montagnes couvertes par un ciel rouge que l’on peut comparer à du feu. Il est la vision extérieure de la femme du portrait et donne l’impression au spectateur d’être dans sa peau et de ressentir les mêmes émotions qu’elle, ou plus précisément le tiraillement des émotions négatives qui envahissent sa vision réelle de l’extérieur, émotions telles que la colère, la solitude, la peur, la tristesse, etc. Plus clairement, on a accès à la vie émotionnelle de la femme, qui explose et qui trouble sa vision du paysage devant elle. Thomas Bernard a choisi d’intégrer le poème dans l’œuvre afin de clarifier et de faire le pont entre la vision du portrait et le portrait lui-même. L’arrière-plan du portrait est abstrait, dans le but de mieux partager cet état émotionnel troublant et solitaire. Il a également utilisé les différents tons de gris entre le noir et le blanc pour mettre de l’avant le pessimisme, la négativité ou pour souligner le fait qu’il est difficile d’être nous-même lorsque l’on est mentalement tiraillé. La santé mentale est donc le thème principal de son œuvre.Le travail de Thomas Bernard est composé majoritairement de portraits numériques et de paysages. Il a donc peaufiné ses techniques lors de la création de cette œuvre. Le corps humain est un sujet qui le fascine principalement par sa complexité et il approfondit son étude de l’anatomie à l’aide de portraits en nuances de gris. Son travail rejoint beaucoup les idées de l’académisme dans la représentation réaliste et idéalisée du beau dont ses portraits font l’objet. Il personnalise ceux-ci en modernisant la technique, par son utilisation du numérique, et en ajoutant une pointe de fantaisie surréelle. Brain on fire est une sorte d’autoréflexion sur la vision pessimiste que partagent le personnage et l’artiste face au monde. Finalement, Thomas Bernard considère que l’important, dans ses scènes naturelles, c’est la terre, qui est l’endroit où les humains agissent, alors que le ciel sert d’évasion.Thomas Bernard a accepté de faire le don d’une œuvre pour le prix de présence de l’évènement organisé au Cégep de Lévis par les conseillères en orientation. Il prévoit prendre une année sabbatique après l’obtention de son diplôme d’études collégiales en Arts visuels avant d’aller à l’université, toujours dans le domaine de l’art.Noémie Roger

HoméostasieTechniques mixtes2,60 x 1,10 x 2,70 cm2021

Homéostasie;Nadeige Pinet;Techniques mixtes;2,60 x 1,10 x 2,70 cm;2021.Homéostasie se dévoile en plusieurs taies d’oreiller confectionnées par l’artiste, qui sont le reflet d’évènements forts en émotions de sa vie. Par le biais de cette installation, une introspection s’effectue, alors que Nadeige Pinet extériorise et fait de nouveau face à ces expériences marquantes. Chacune de ses représentations sont à la fois personnelles à l’artiste et libres d’interprétation puisqu’elles sont la matérialisation de situations émouvantes et bouleversantes, qui peuvent advenir dans la vie de tous. L’utilisation de taies souligne la volonté de créer une atmosphère de confort et d’intimité au sein de l’œuvre, assurant ainsi que le regard posé sur le vécu soit tendre et formateur, tel celui d’un enfant. Homéostasiedevient alors un outil d’évolution et de croissance, qui provoque des réflexions quant aux évènements de la vie, en amenant le spectateur à l’acceptation de son passé, accompagné d’un sentiment de joie et d’espoir.Comme à son habitude, Nadeige Pinet utilise la création pour s’explorer, faire une réflexion sur elle-même et envoyer un message positif. L’art lui sert à extérioriser ses émotions et ses réactions quant à la vie et ainsi mieux se comprendre. Au travers des thèmes de l’enfance, du féminisme et de la complexité de l’humain, elle crée avec la volonté de ressentir et de croître, mais aussi de faire vivre des sensations, d’inspirer ou de faire réfléchir les spectateurs. Une dualité existe dans la production artistique de Nadeige Pinet, créée par l’esthétisme merveilleux et enchanté de ses œuvres qui, elles, portent un message parfois cynique et complexe, et vice-versa.À la suite de son passage au Cégep de Lévis, Nadeige Pinet se dirigera vers l’Université Laval où elle poursuivra son parcours académique dans le programme de Design graphique. Elle souhaite s’épanouir en investissant ses connaissances en arts dans un milieu stimulant grâce à la création, sans pour autant devoir capitaliser son art et en dépendre pour vivre.Nathaniel Lacasse

Nadeige Pinet

Marie-IvreŒuvre numérique32 x 12 pouces2021

Homéostasie;Nadeige Pinet;Techniques mixtes;2,60 x 1,10 x 2,70 cm;2021.Homéostasie se dévoile en plusieurs taies d’oreiller confectionnées par l’artiste, qui sont le reflet d’évènements forts en émotions de sa vie. Par le biais de cette installation, une introspection s’effectue, alors que Nadeige Pinet extériorise et fait de nouveau face à ces expériences marquantes. Chacune de ses représentations sont à la fois personnelles à l’artiste et libres d’interprétation puisqu’elles sont la matérialisation de situations émouvantes et bouleversantes, qui peuvent advenir dans la vie de tous. L’utilisation de taies souligne la volonté de créer une atmosphère de confort et d’intimité au sein de l’œuvre, assurant ainsi que le regard posé sur le vécu soit tendre et formateur, tel celui d’un enfant. Homéostasiedevient alors un outil d’évolution et de croissance, qui provoque des réflexions quant aux évènements de la vie, en amenant le spectateur à l’acceptation de son passé, accompagné d’un sentiment de joie et d’espoir.Comme à son habitude, Nadeige Pinet utilise la création pour s’explorer, faire une réflexion sur elle-même et envoyer un message positif. L’art lui sert à extérioriser ses émotions et ses réactions quant à la vie et ainsi mieux se comprendre. Au travers des thèmes de l’enfance, du féminisme et de la complexité de l’humain, elle crée avec la volonté de ressentir et de croître, mais aussi de faire vivre des sensations, d’inspirer ou de faire réfléchir les spectateurs. Une dualité existe dans la production artistique de Nadeige Pinet, créée par l’esthétisme merveilleux et enchanté de ses œuvres qui, elles, portent un message parfois cynique et complexe, et vice-versa.À la suite de son passage au Cégep de Lévis, Nadeige Pinet se dirigera vers l’Université Laval où elle poursuivra son parcours académique dans le programme de Design graphique. Elle souhaite s’épanouir en investissant ses connaissances en arts dans un milieu stimulant grâce à la création, sans pour autant devoir capitaliser son art et en dépendre pour vivre.Nathaniel Lacasse

L'étreinteŒuvre numérique24 x 24,5 pouces2021

Homéostasie;Nadeige Pinet;Techniques mixtes;2,60 x 1,10 x 2,70 cm;2021.Homéostasie se dévoile en plusieurs taies d’oreiller confectionnées par l’artiste, qui sont le reflet d’évènements forts en émotions de sa vie. Par le biais de cette installation, une introspection s’effectue, alors que Nadeige Pinet extériorise et fait de nouveau face à ces expériences marquantes. Chacune de ses représentations sont à la fois personnelles à l’artiste et libres d’interprétation puisqu’elles sont la matérialisation de situations émouvantes et bouleversantes, qui peuvent advenir dans la vie de tous. L’utilisation de taies souligne la volonté de créer une atmosphère de confort et d’intimité au sein de l’œuvre, assurant ainsi que le regard posé sur le vécu soit tendre et formateur, tel celui d’un enfant. Homéostasiedevient alors un outil d’évolution et de croissance, qui provoque des réflexions quant aux évènements de la vie, en amenant le spectateur à l’acceptation de son passé, accompagné d’un sentiment de joie et d’espoir.Comme à son habitude, Nadeige Pinet utilise la création pour s’explorer, faire une réflexion sur elle-même et envoyer un message positif. L’art lui sert à extérioriser ses émotions et ses réactions quant à la vie et ainsi mieux se comprendre. Au travers des thèmes de l’enfance, du féminisme et de la complexité de l’humain, elle crée avec la volonté de ressentir et de croître, mais aussi de faire vivre des sensations, d’inspirer ou de faire réfléchir les spectateurs. Une dualité existe dans la production artistique de Nadeige Pinet, créée par l’esthétisme merveilleux et enchanté de ses œuvres qui, elles, portent un message parfois cynique et complexe, et vice-versa.À la suite de son passage au Cégep de Lévis, Nadeige Pinet se dirigera vers l’Université Laval où elle poursuivra son parcours académique dans le programme de Design graphique. Elle souhaite s’épanouir en investissant ses connaissances en arts dans un milieu stimulant grâce à la création, sans pour autant devoir capitaliser son art et en dépendre pour vivre.Nathaniel Lacasse

Vous ne me connaissez plusŒuvre numérique19 x 19,5 pouces2021

Homéostasie;Nadeige Pinet;Techniques mixtes;2,60 x 1,10 x 2,70 cm;2021.Homéostasie se dévoile en plusieurs taies d’oreiller confectionnées par l’artiste, qui sont le reflet d’évènements forts en émotions de sa vie. Par le biais de cette installation, une introspection s’effectue, alors que Nadeige Pinet extériorise et fait de nouveau face à ces expériences marquantes. Chacune de ses représentations sont à la fois personnelles à l’artiste et libres d’interprétation puisqu’elles sont la matérialisation de situations émouvantes et bouleversantes, qui peuvent advenir dans la vie de tous. L’utilisation de taies souligne la volonté de créer une atmosphère de confort et d’intimité au sein de l’œuvre, assurant ainsi que le regard posé sur le vécu soit tendre et formateur, tel celui d’un enfant. Homéostasiedevient alors un outil d’évolution et de croissance, qui provoque des réflexions quant aux évènements de la vie, en amenant le spectateur à l’acceptation de son passé, accompagné d’un sentiment de joie et d’espoir.Comme à son habitude, Nadeige Pinet utilise la création pour s’explorer, faire une réflexion sur elle-même et envoyer un message positif. L’art lui sert à extérioriser ses émotions et ses réactions quant à la vie et ainsi mieux se comprendre. Au travers des thèmes de l’enfance, du féminisme et de la complexité de l’humain, elle crée avec la volonté de ressentir et de croître, mais aussi de faire vivre des sensations, d’inspirer ou de faire réfléchir les spectateurs. Une dualité existe dans la production artistique de Nadeige Pinet, créée par l’esthétisme merveilleux et enchanté de ses œuvres qui, elles, portent un message parfois cynique et complexe, et vice-versa.À la suite de son passage au Cégep de Lévis, Nadeige Pinet se dirigera vers l’Université Laval où elle poursuivra son parcours académique dans le programme de Design graphique. Elle souhaite s’épanouir en investissant ses connaissances en arts dans un milieu stimulant grâce à la création, sans pour autant devoir capitaliser son art et en dépendre pour vivre.Nathaniel Lacasse

DévoilementAcrylique sur toile Dimensions variées selon le support 2021

DévoilementNoémie RogerAcrylique sur toileDimensions variées selon le support2021Dévoilement de Noémie Roger abrite de nombreuses caractéristiques plastiques qui, malgré leur grand nombre, se complètent parfaitement les unes les autres. Par exemple, l’artiste use de sa gestuelle afin d’illustrer ligne courbes, spirales, cercles et formes familières qui s’agencent à merveille. Fidèle à sa démarche, l’évolution de son œuvre est directement liée aux émotions ressenties lors du processus de création, créant ainsi un portail entre son monde intérieur et le monde qui l’entoure. Pour ce projet, l’artiste a décidé de travailler avec l’acrylique. Elle utilise de nombreuses techniques telles que la transparence, le dégradé et le fondu, afin d’approcher visuellement l’intensité et la profondeur tout en stimulant la subtilité des sentiments par la suite. L’artiste créé ainsi un niveau de contraste entre différents états d’esprits tout en validant leur unicité.Noémie Roger a réalisé neuf toiles circulaires, et les a disposées de façon aléatoire et intuitive, à la manière de « bulles » émotionnelles. Elle travaille surtout à l’aide de motifs uniques à chacune de ses bulles. Par le biais de cette composition picturale et visuelle, elle raconte une histoire dotée d’une profondeur émotionnelle unique. Tous les éléments rassemblés sur chaque support circulaire amènent le spectateur dans une marée de sentiments vifs et condensés, tout en assurant l’appréciation du spectateur devant ces mondes harmonieux.La démarche artistique de Noémie Roger est intuitive et cache une grande profondeur. Elle ne travaille pas seulement avec les qualités visuelles des couleurs, mais aussi avec leur vibration et l’énergie unique qu’elle arrive à canaliser à travers celles-ci. Il faut savoir que cette artiste explore à la fois les domaines de l’abstraction et de la figuration, améliorant constamment sa précision lorsqu’elle illustre un objet réel, et sa technique lorsqu’elle travaille spécifiquement la forme et la couleur. Elle puise son inspiration au cœur même des émotions et des sensations que le monde extérieur lui fait ressentir. Sa sensibilité lui permet d’aller chercher une finesse et une précision impressionnante dans le monde de l’abstraction et de la subtilité. En effet, Noémie Roger est une artiste intuitive, qui se laisse guider par le courant de ses pensées, son pinceau traduisant des moments intenses et concentrés allant jusqu’à la synesthésie. La musique est pour elle un excellent conducteur entre son univers intérieur et le médium, canalisant chaque note et traduisant en œuvre visuelle la complexité de chaque mélodie.Noémie Roger réside à Saint-Gervais. Elle fait actuellement son DEC en arts visuels au Cégep de Lévis. Elle terminera ses études collégiales en 2021 et poursuivra ses études à l’Université Laval au Baccalauréat en art et science de l’animation.Thomas Bernard

Noémie Roger

Votre reflet est-il un cauchemar ou un rêve? Plasteline/ bois/ peinture acrylique/ miroir sur support 55 x 24 pouces2021

Votre reflet est-il un cauchemar ou un rêve?Ann-Frédérique BeaulieuPlasteline/ bois/ peinture acrylique/ miroir sur support55 x 24 pouces2021Votre reflet est-il un cauchemar ou un rêve? est un projet interdisciplinaire qui allie peinture et sculpture. L’œuvre est inspirée par le travail de David Lynch, qui a une influence marquée sur la démarche et la vie personnelle d’Ann-Frédérique Beaulieu. L’artiste fait directement référence au célèbre réalisateur en intégrant à même son œuvre des citations de Lynch : le titre et la zone de texte sculpté sur le support sont entièrement composés de celles-ci. La phrase inscrite sur les carrés en bois est inspirée des vidéos What is David Working on Today? , qui ont incité l’artiste à réfléchir à son éthique de travail et à son rythme de création. De plus, des symboles qui rappellent le travail de David Lynch sont intégrés dans l’œuvre. L’ampoule, et les cigarettes sont des éléments tirés de certaines œuvres du réalisateur. L’ampoule et les cigarettes ont d’ailleurs été mises en relation avec le miroir par l’artiste : c’est à travers ceux-ci qu’Ann-Frédérique Beaulieu témoigne de l’importance qu’elle accorde aux objets du quotidien. L’œuvre traite aussi du thème de l’imperfection, pour lequel l’artiste s’est découvert une affection particulière en s’intéressant à la culture du grunge. Pour elle, ce thème évoque l’acceptation, l’authenticité, la vulnérabilité et l’unicité et c’est par le miroir cassé, les cigarettes, les bavures de colle et de peinture et l’irrégularité des lettres qu’elle incarne l’imperfection dans l’œuvre. Les objets et le bois sont d’ailleurs collés plutôt que vissés solidement : l’artiste a priorisé les tests et l’expérimentation plutôt que le souci de la longévité.Votre reflet est-il un cauchemar ou un rêve? se rattache intimement à la démarche d’Ann-Frédérique Beaulieu. L’expérimentation est au cœur de son travail; c’est à travers celle-ci que l’artiste s’épanouit et se réinvente. Elle tente de travailler à l’aide de plusieurs médiums différents, de tester sans cesse de nouvelles techniques et de composer ses œuvres à partir de ses tests. L’interdisciplinarité guide aussi sa démarche : en alliant les techniques, les supports et les médiums dans des œuvres uniques, Ann-Frédérique Beaulieu tente de cultiver son ouverture d’esprit et sa curiosité. L’utilisation d’objets du quotidien est aussi importante pour elle; ceux-ci l’inspirent de par leur potentiel et leurs histoires. L’expérimentation, l’interdisciplinarité, l’utilisation d’objets du quotidien et l’imperfection sont les fondations de sa démarche et de sa dernière œuvre.L’intérêt d’Ann-Frédérique Beaulieu pour ces dernières fondations sera définitivement réinvesti dans ses études universitaires et dans la continuité de son cheminement artistique. L’artiste, qui poursuivra ses études en Arts visuels et médiatiques à l’Université Laval, perçoit son interdisciplinarité et sa curiosité comme de forts atouts qui lui permettront de continuer de se développer de façon complète et variée dans le futur.Nadeige Pinet

Ann-Frédérique Beaulieu

Ann-Frédérique Beaulieu

Lovers - Death - JudgementTriptyque numérique imprimé sur papier photo et encadré 3 fois 24x30 po 2021

Lovers - Death - JudgementLéanne TremblayTriptyque numérique imprimé sur papier photo et encadré3 fois 24x30 po2021Pour sa troisième exposition, Léanne Tremblay, bientôt diplômée en arts visuels, vient interpeller les spectateurs avec un triptyque narratif. Avec Lovers-Death-Judgement, Léanne Tremblay joue avec les sentiments d'insécurité et d'inquiétude, cherchant à troubler le spectateur et à représenter l'anxiété. Elle vise à répliquer le sentiment constant d'inconfort que les troubles d'anxiété lui amènent, afin de le faire ressentir de même au spectateur. L'histoire racontée vient créer une ambiance anxiogène : alors que tout paraît bien, on peut sentir qu’un chamboulement ou un événement peuvent venir tout gâcher.L'œuvre raconte le conte de fée d'une demoiselle qui doit faire face à l'horreur d'un danger inconnu, alors qu'elle est enveloppée dans un sentiment de fausse sécurité. La première partie nous inquiète : on sent que quelque chose nous trouble, mais il est difficile de mettre le doigt sur ce qui crée ce trouble. Le deuxième tableau est anxiogène : on perçoit le danger, quelque chose de grave va bientôt arriver. Le danger est là, on se demande si la jeune fille va s'en sortir. Finalement, dans le troisième tableau, on sent une sorte d'acceptation et de sérénité, lorsque la jeune fille se fait envelopper, engloutie par la peur. Elle finit alors par reprendre le contrôle, sans pour autant se débarrasser de ce sentiment de malaise. Elle sent qu'elle est rendue à l'aise dans cette ambiance inconfortable.De manière générale, Léanne Tremblay utilise l'art comme une forme de catharsis narrative. Elle utilise son imaginaire pour créer des mondes fantastiques et horrifiques. Sa passion pour l'horreur vient de son anxiété personnelle, et de sa fascination pour la zone d'inconfort. Elle travaille principalement le portrait numérique, puisque pour elle, les visages sont parfaits pour amener de l'expression. Ses histoires sont imprégnées d'émotions fortes et de passions. Attirée par le Concept Art, elle crée un univers détaché du monde réel. La composition de ses œuvres et leur ambiance générale sont les aspects les plus importants de son travail. Elle aime planifier d'avance et avoir une idée claire du rendu avant de se lancer dans un projet: tout est méticuleusement choisi pour augmenter le dramatisme, des couleurs à la position des personnages, en passant par la direction de leur regard.Léanne Tremblay a développé un intérêt particulier pour l'art durant l'adolescence, l’utilisant comme un moyen d'extérioriser ses émotions. En 2017, elle prit un cours de peinture, ce qui la convainquit de faire son DEC en Arts visuels. Elle a exposé au Musée des Plaines d'Abraham en 2018 et au Carrefour de l'information du Cégep de Lévis en 2019.Janick Gagnon

Léanne Tremblay

Merci de votre visite.