ISFD809 HISTORIA DEL ARTE

INSTITUTO SUPERIOR DE FORMACIÓN DOCENTE 809PROFESORADO DE EDUCACIÓN SECUNDARIAHISTORIA2°AÑOHISTORIA DEL ARTE

PROFESORA: MORENO RAITI, GABRIELAESTUDIANTE: BALENA, CECILIA LUZFECHA: 24 de Septiembre, 2020

Historia del Arte

LÍNEA DEL TIEMPO eje 1:

• PALEOLÍTICO Y NEOLÍTICO
• egipto y mesopotamia
• grecia
• roma

américa:región andinaculturas preincaicasimperio inca

bibliografía linea del tiempo eje1

ÍNDICE

bibliografía américa región andina

introducción

CUADRO DE RELACIONES EJE 1

Eje 2: EDAD MEDIA

Eje 3: LOS 3 GRANDES DEL MURALISMO MEXICANO MURALISMO MEXICANONEO-VANGUARDIA ARGENTINA

bibliografía del Eje2

bibliografía del eje3

Introducción

En este trabajo presento un recurso interactivo para usar como insumo, relacionando la historia y el arte. El signo de la manito que está en el ángulo superior derecho indica todos los enlaces interactivos (imágenes, vídeos, links, mapas, etc.) de la diapositiva y haciendo clic en ellos se podrán desplegar y observar los contenidos. Asimismo, el recurso posee un índice (el botoncito que está en el ángulo superior izquierdo) donde se encuentran los temas, y es interactivo para que el recorrido por los contenidos sea más fácil. Esto quiere decir, que desde cualquier diapositiva que me encuentre puedo volver al índice para luego trasladarme al tema o diapositiva que lo requiera de una forma más rápida y prolija. El trabajo está dividido en tres ejes. Por un lado, realicé una línea del tiempo en la cual se sintetizan los temas abordados en el eje 1. La segunda parte del eje 1 posee la investigación sobre los pueblos andinos prehispánicos, ubicándolos geográficamente y temporalmente. Esta sección, a diferencia de la anterior no es una línea del tiempo sino que esta presentada en diapositivas con sus recursos interactivos correspondientes. Para finalizar hay un cuadro de relaciones.Luego esta desarrollado el eje 2 que realiza un largo recorrido por la Edad Media hasta la era Moderna. Allí se encuentra diversos estilos. Por último, no encontramos con el eje 3 que contiene el muralismo méxicano y la vanguardia argentina. En las últimas cuatro diapositivas se encuentra la bibliografía consultada.

MESOPOTAMIA

En la región de la Mesopotamia la presencia humana es tardía, aunque a fines del VII milenio se detectan pequeños asentamientos. En el último tercio del VI milenio se advierte el emplazamiento de la ciudad de Eridu, considerada por los sumerios como la primera del mundo. Esta región se caracteriza por una sucesión de diversos pueblos interactuando entre sí a través de distintas actividades, como el intercambio de materias primas, alimentos, etc. pero también de las guerras y conquistas. Esto, sumado a los materiales que utilizaban para trabajar, más el paso del tiempo, ha hecho que pocos elementos lleguen a nuestros días. Dentro de las diversas civilizaciones que han transcurrido por el área, para la época que nos convoca se puede hacer la siguiente síntesis

• SUMERIOS Y ACADIOS: Se ha considerado al pueblo sumerio como creador de la primera civilización de la historia, ya que es la que sobresalía sobre las demás culturas de su época. Se le atribuye el mayor grado de adelanto de la civilización incluyendo el nacimiento de la vida urbana y el invento de la escritura. Los acadios posteriormente conquistarán las ciudades sumerias pero no podrán consolidarse.
• LA CIVILIZACIÓN BABILÓNICA: comienza como una ciudad comercial. Se caracteriza por su división en dos sectores por el rio Éufrates; sus poderosas murallas; los jardines colgantes en la época del rey Nabucodonosor y los Zigurat (pirámides/ “edificio” de 9 pisos dedicado al dios o dioses, dependeindo la época y la cultura).
• LOS ASIRIOS: De origen semita, se ubicaban en el norte de la Mesopotamia, en el curso superior del Tigris. Tenian dificultades para proveerse de alimentos y los hacia moverse y conquistar otros territorios. Esto les dió un carácter guerrero, que los llevó a desarrollar, armas y máquinas de asalto. Muy crueles en sus conquistas con los que empalan, dispersan enemigos desp

LÍNEA DEL TIEMPO EJE 1

PREHISTORIA

ARTE PARIETAL O RUPESTRE

ARTE MOBILIAR

NUEVO(1570 a.C.-1080 a.C.)

ANTIGUO(2700 a.C.-2200 a.C.)

ARCAICA

CLÁSICA

HELENÍSTICA

GRECIA

PALEOLÍTICO

EL PALEOLÍTICO ABARCA: 2, 6 MILLONES DE AÑOS-10,000 AÑOS AP Con el nombre de Paleolítico (paleo = antiguo, lítico = piedra) se designa un largo período de la historia de la humanidad, en el que las personas construían sus herramientas con piedras que tallaban a mano. Se expresaban a través del arte para ofrecer algunas explicaciones que le daban al mundo en que vivían: las pinturas rupestres datan de una antigüedad de entre 30.000 y 15.000 años. El arte era naturalista e imitativo y estaba dedicado a la expansión, extensión y diferenciación de la experiencia. Estudio de los movimientos. Cercano al impresionismo por su refinada sensibilidad asrtística. Arte racional. La intencionalidad era representar lo que ocurre, ocurrió o tiene que ocurrir de lo que es relevante en tanto deseo de las necesidades básicas. El arte en las cuevas no sirve a fines estéticos sino como una especie de "trampa" mágica. El arte y el mundo real no tienen una frontera aparente y lo representado es una porción extendida del mundo real. El arte está al servicio de la vida. La cueva de los sueños olvidados

NEOLÍTICO

EL NEOLÍTICO ABARCA: 10,000 AÑOS - 2.000 AP Con el surgimiento y desarrolló de la agricultura y la sedentarización, la población se concentró en lugares más fértiles. Para organizar estas concentraciones de población surgió un poder político centralizado, los especialistas (en oficios, religión). En sintesis surge la jerarquización social y una diversificación de tareas. Así nacieron los primeros Estados e Imperios de la Historia. Y esto tuvo implicancias en el arte, el cual era naturalista y geométrico; éstatico y tradicionalista; convencional e inamovible. También se puede decir que comienza a desarrollarse sobre la experiencia sensorial y la experiencia empírica dejando así de copiar a la naturaleza. La intencionalidad del mismo es que a través de los signos ideográficos y convencionales, se plasmen ideas y conceptos.

EGÍPTO

Hacia el 3100 a.C., el territorio en torno al Nilo se unificó bajo un primer faraón, Menes. A partir de la unificación, la historia de Egipto se divide en tres períodos: Egipto Antiguo (2700 a.C.-2200 a.C.), Egipto Medio (2050 a.C.-1780 a.C.) y Egipto Nuevo, fase propiamente imperialista (1570 a.C.-1080 a.C.). Esta división marca particularidades propias de cada período que tienen su implicancia en todas las dimensiones de la vida, entre ellas el arte.En lineas generales, podemos afirmar que el poder estaba centralizado en el faraón, al que se consideraba un dios. En torno a esta idea su arte tiene un carácter fuertemente religioso, sumado su creencia en la vida después de la muerte y el politeísmo (creencia en varios dioses). Por un lado, se destacan la escultura estatuaria, los bajorelieves y las pinturas. También la arquitectura imponente es otro legado de esta cultura. El artista se especializa e independiza.

MEDIO (2050 a.C.-1780 a.C.)

ANTIGUEDAD

ARQUITECTURA

ESCULTURA

OFEBRERÍA

CERÁMICA

ANTIGUEDAD

MONUMENTOSMEGALÍTICOS

PINTURA

PATAGONIA

Por arte parietal o rupestre se entiende a las pinturas hechas en aleros y paredes de cuevas. El intento de dotar de dinamismo a las representaciones lleva a recurrir a la policromía y a aprovechar los relieves naturales de la roca.Tratamiento de perfil y preferencia por la linealidad en las figuras. Policromia se obtenia de pigmentos se utilizan manganeso, carbón u óxido de hierro, mezclados con grasa animal, tuétano o resinas vegetales. También se utilizaba sangre. La gama cromática está dominada por los colores terrosos, los rojos, amarillos, pardos y violetas. Los protagonistas son los animales (mamuts, renos, ciervos caballos, bisontes). Están representados de forma naturalista. La figura humana es escasa. La Cueva de Altamira en Francia es una de las pricipales manifestaciones de este arte parietal, y es conocida como "la capilla sixtina del arte rupestre", por la cantidad, la calidad y la conservación de sus pinturas que se remontan entre 18.000 y 12.500 años a. C. Entre sus características formales más destacadas están el protagonismo de las representaciones de animales.

Estatuillas talladas denominadas Venus: representaban cuerpos de mujer relacionadas con la fertilidad.

Las grandes piramides y tumbas funerarias ahora son hipogeos. Comenzarán a construirse esculturas megaliticas. La pintura se realizará buscando la perfección de cada elemento por separado y desde su mejor ángulo (ya no se busca belleza ni realzar ideales). Hay un paréntesis con el Faraón Akenatón, quien convierte a Egipto al culto de un solo dios (Aton: sol) y estos ideales se reflejarán en los bajorelieves, donde se verá la adoración a una esfera abstracta. Por otro lado las esculturas son diferentes (se lo ve a Akenatón con su figura desproporcionada, abdomen abultado, labios grueso, rasgos femeninos) y en las pinturas hay muestras de cariños de los faraones. Las representaciones son realistas no hierales. Luego, con el régimen restaurador de Tutankamon se destruyen los elementos de esta época; vuelven los canones sagrados a las obras de artes y el hieratismo.

De este periodo, lo más destacado es la arquitectura, haciendo uso de columnas y arcos, el tallado, etc De este periodo son las famosas piramides de Gizah, atribuidas a los faraones Keops, Kefrén y Micerinos. Esto denota la importancia de la creencia en vidas posteriores, el culto a los muertos y la relación del poder político y religioso. Las primeras tumbas fueron las mastabas: construcciones para personajes importantes de estructura rectangular, paredes inclinadas, con varias cámaras (una para el sarcófago). Luego, comenzaron a construir las pirámides escalonadas. Finalmente, las pirámides fueron más complejas: de gran altura (la de Keops mide 146 metros ) con cámaras y pasadizos. Dentro de las recámaras de las pirámides se encontraron estatuas muy realistas, apegadas a la imágen del difunto para ser reconocido en la otra vida

ARQUITECTURA: Edificios de base cuadrada y luego se agregaban elementos de prestigio a los de mayor importancia. Utilizaban arcos y bóvedas amuralladas. Destacan de esta época los Zigurat (pirámides escalonadas).

ORFEBRERÍA: Utilización de metales y aliaciones para joyas, adornos, armas y escultura

CERÁMICA: vasijas, esculturas, ladrillos para arquitectura. La arcilla fue la materia prima principal de estas civilizaciones, y fue con lo que elaboraron las tablillas para la escritura cuneiforme.

ÉPOCA HELENISTICA (338 a.C. - 196 a.C.): Luego de la muerte de Alejandro se inuagura esta etapa, que verá salir del territorio griego su arte, sobre todo hacia Oriente. Se producen cambios estilísticos. Trono de Zeus:

PERÍODO DE TRANSICIÓN HACIA EL CLÁSICO (800 a.C. - 500 a.C.): En el arte surge el estilo "Severo", el cual abandona el hieratismo llevando a formas más naturales PERÍODO CLÁSICO (500 a.C.- 338 a.C.): Se define el canon de belleza Se reconstruye el partenón de marmol (base rectangular y columnas doricas), con decoración en bajorelieves, con figuras proporcionadas y diferentes; técnicas de paños mojados. Las escenas son realistas e ideales o míticas.

PERÍODO MINOICO (2500 a.C.- 1200 a.C.): Se caracteriza por la arquitectura de sus palacios (Knosos, Festos, Mallia), con las paredes eran hechas de piedra y ladrillos de adobe. Los pisos se cubrían con piedra caliza o yeso. Los recintos fueron decorados con mármoles y murales, aprovechando la variedad de tintes naturales que se hallaban en la isla. Los pisos eran cubiertos de piedra caliza o yeso. Los soportes fundamentales son el pilar y, sobre todo, la columna, que será muy característica: normalmente de madera policromada. Asimismo, en sus paredes se observan los frescos con motivos naturales. PERÍODO ARQUEO O MICÉNICO (1200 a.C.- 800 a.C.): llegada de los invasores Dorios. En este período se puede ver la pintura plasmada en las ceramicas, con escenas integradas entre guardas, de estilo sencillo. Su escultura parte de la egipcio, enfatizando la anatomía de los cuerpos (articulaciones. músculos). Asimismo, en la pintura se naturalizan los cuerpos, y comienzan a despegarse del arte frontal. La arquitectura también es sencilla, conocido de esta época es el Partenón.

Como rasgo característico de este período vamos tomar el concepto de hieratismo. El hieratismo es un recurso utilizado en diversas culturas. Este estilo de arte fue adaptado para representar diferencias que existen en el mundo real y el mundo sagrado. Es una herramienta artística creada para representar la imagen que debería ser (una imagen divina) de la imagen que efectivamente es, más realista. En el Egipto medio se realizaban esculturas que representaban a los faraones, a los personajes de la corte y a la gente común en sus tareas coidianas. El hieratismo se utilizaba para recrear las figuras de los faraones. Se utilizaban diversos materiales como madera, basalto, caliza o marfil, y los mas nobles se destinaban a las figuras de poder. Dentro de las caracteristicas encontramos:

• Formas geométricas (la estatua se articula con planos horizontales y verticales, de forma octogonal).
• Se aprecia solo la zona frontal y simétrica.
• Estática (idea de permanencia, eternidad) e
• Inexpresividad (solemnidad, separación de las personas comunes de las divinas).

TRIADA DE MICERINO Triada de Micerino: se utilizó como material un bloque de grauvaca

En el Cañadón del Río Pinturas, se encuentra el sitio arqueologico Cueva de las Manos, en el que se puede observar pinturas rupestres de hace aproximadamente 10000 años AP. Las pinturas tienen una relación íntima con la naturaleza. El nombre del sitio proviene de la presencia de más de 2000 negativos de manos ejecutados sobre superficies rocosas, por esto último se llaman pinturas rupestres. Sin embargo, no solo hay imágenes de manos sino que se pueden apreciar dibujos de animales: guanaco (alimento y abrigo), huemules; y también representaron escenas de caza donde se observa el cazador, los guanacos, lanzas y boleadoras bien definidos y en acción. A este tipo de técnica primitiva se la denomina “negativo” o estarcido, parecida a la técnica de la transferencia por moldes de esténcil. Este negativo se realizaba mojando con la pintura un pedazo de piel de guanaco, llenando la boca, o un elemento semejante a una cánula o soplete, de esa pintura para luego soplarla alrededor de la mano o elemento apoyado en la superficie de la pared o techo de la cueva, que tiene 24 metros de profundidad.

ESCULTURA: Pequeñas escultoras hechas en piedra, con caracteristicas de frontalidad, verticalidad simetría. También utilizaban marmól y alabastro en relieves (representación de escenas cotidianas o de batallas). Otro elemento son los sellos cilíndricos de arcilla utilizados por los señores para marcar propiedades.

La pintura en el neolítico se caracterizó por su esquematismo y su caracter simbólico. Se la considera revolucionara porque se introducen y van en aumento los elementos abstractos y geométricos, entendiéndolos como precursores del signo. Esto no significa que desaparecen las representaciones figurativas. Otra diferencia con el arte parietal es que ya no suele representarse en cuevas oscuros, sino también a la entrada de estas y al aire libre.

Además de los utensilios propios de la vida cotidiana (cestería, cerámica, tejidos) se comenzaron a construir monumentos religiosos, como símbolos entre el ser humano el mundo sobrenatural: son los monumentos megalíticos, construidos con grandes bloques de piedra o megalitos:

• Menhires o piedras alargadas clavadas verticalmente en el suelo
• Dólmenes son monumentos formados por varios menhires sobre los que descansan horizontalemente otras piedras, creando cámaras funerarias.
• Cromlechs son círculos formados por varios dólmenes y mehires. Se destaca el Stonhenge, el cual se encuentra en Inglaterra específicamente en Wiltshire y es considerado un calendario astronómico debido a que tiene una abertura que coincide con el punto exacto en el que sale el sol cada solsticio de verano.

MAPA EN EL QUE SE PUEDEN OBSERVAR LOS PRINCIPALES SITIOS DE LAS CULTURAS PRE-INCAICAS Y LOS SITIOS INCAS

REGIÓN ANDINA

Periodización detallada en este sitio de arqueología peruana

Periodización

ARTE EN LASCULTURAS PREINCAICAS

ORFEBRERÍA

El área andina posee la particularidad de trabajar los metales desde épocas muy tempranas, logrando resultados admirables respecto a la alta capacidad de especialización de los orfebres. Las culturas moche y chimú trabajaron los metales, desde su extracción hacia su aleación logrando piezas únicas. La cultura Lambayeque o Sicán, surgió luego de la desaparición de la cultura Mochica asimilando gran parte del conocimiento y tradiciones culturales de estos. El empleo de metales provenía de la tradición mochica, que en Lambayeque se perfeccionó con un mayor dominio técnico y nuevos estilos. Recuperado de: http://repositorio.uchile.cl/bitstream/handle/2250/101427/castillo_l.pdf?sequence=1&isAllowed=y

TEJIDOS

En el caso de los tejidos, muchas mujeres se dedicaban exclusivamente a la producción de estos, los cuales eran de vital importancia ya que tenían usos políticos, militares y rituales. Los materiales con los que se trabajan suele ser lana de camélidos, urdimbres de algodón. Y las técnicas son variadas. Se utilizaban como vestimenta, pero también se realizaban tapices de diversos tamaños. Motivos que se pueden encontrar en los tejidos:

• Figuras hieráticas
• Figuras zoomorfas
• Figuras antropomorfas
• Seres míticos
• Figuras geométricas

Análisis de los personajes que se observan en los tejidos Paracas: mantos que envolvian a las momias encontradas en la necrópolis (Paracas, Región Andina, Época tardía de Paracas Necrópolis entre los años (100 a.C.- 200 d.c): Representación de una persona que tiene una posición hierática, porta elementos como: en la mano tiene una cabeza trofeo y en la otra aparece un cuchillo siempre relacionado a un tema de sacrificio, porta un unku (indumentaria) que tiene diferentes cuadritos de diversos colores; tiene elementos de cierta distinción como es la corona; tiene una especie de capa por la parte de atrás que podrían ser las alas de un ave cuyas plumas salientes están representadas como si fueran serpientes. Otros elementos son: la cola con plumas de un ave, se piensa que es un halcón; las garras de mono; bigotes que pueden representar algún insecto. Animales con gran simbología en estas culturas andinas. En cuanto a los colores hay una preponderancia en el color rojo (fertilidad). Recuperado de: http://generacioneshistoricas13.blogspot.com/2015/02/analisis-e-importancia-artistica-del.html

GEOGLIFOS

Se llama geoglifo a la figura que se dibuja en el suelo o en la ladera de una montaña con tierra, piedras, etc. Pueblos antiguos de diversas partes del mundo solían producir este tipo de dibujos. Existían distintas técnicas para el desarrollo de los geoglifos. Los geoglifos más famosos se encuentran en Perú. Las llamadas líneas de Nazca, ubicadas en el actual departamento de Ica, forman parte del Patrimonio de la Humanidad que protege la Unesco e incluyen figuras geométricas, criaturas zoomorfas y otros diseños que habrían sido creados hace cerca de 2.000 años. Definición recuperada de: https://definicion.de/geoglifo/ Definición de geoglifo - Definicion.deEl diccionario de la Real Academia Española (RAE ) no incluye el término geoglifo. Sin embargo, de acuerdo a la Fundación del Español Urgente (...Definición.de

CERÁMICA

La región andina se caracteriza por el desarrollo de una artesanado especializado que se puede verificar en la bellísima cerámica que elaboraron. Dentro del amplio abánico de culturas, la Moche se caracteriza por el auge de la cerámica, la cual representa toda la vida social, natural y sobrenatural: hombres, animales, plantas, elaboradas con gran realismo. También se encuentran figuras fantásticas, relacionadas a su cosmovisión, narrativas, escenas de guerra. Realizaron sus piezas con moldes de barro que luego pintaban con tintes rojo-ocre y crema y en menor medida de negro. Una de las caracterÍsticas más sobreasliente es la elaboración de los "Huacos retratos", en los cuales, los artesanos de moche representaron los estados de ánimos que expresaban las personas (alegría, tristeza, angustia, dolor, etc.) y también, representaron enfermedades y características fenotípicas. También reAlizaron los famosos "Huacos eróticos", representando actos sexuales de personas y animales.

ARQUITECTURA

Los Chimú fueron los mejores arquitectos dentro de las denominadas culturas preincaicas. Este pueblo utilizó para sus construcciones adobe y quincha; crearon adornos en las paredes denominados frisos o arabescos (muralismo polícromo); construyeron grandes edificaciones con un gran estilo urbanístico como la ciudad de Chan-Chan, capital de su reino, ubicada frente al mar. Era un pueblo pescador que adoraban a los peces y al Pelícano. Si uno recorre la ciudad, puede ver en las murallas representados a estos animales.

NECRÓPOLIS

La cultura Paracas se la localiza en el yacimiento de Cerro Colorado en la península de Paracas a 18 km al sur del puerto de Pisco, fue descubierta por Julio César Tello en 1925, y es considerada la cultura matriz de la costa peruana (puente entre Chavín y Tiahuanaco) Se destacaron por poseer a los mejores cirujanos y textiles del Perú antiguo y poseer las momias mejores conservadas del mundo. Tenían creencias en el más allá, por ello momificaban a sus muertos y los envolvian en bellos tejidos cargados de simbología. Recuperado de: http://generacioneshistoricas13.blogspot.com/2015/02/analisis-e-importancia-artistica-del.html Análisis e importancia artística del manto Paracas del fardo N°290-15Los mantos Paracas estudiados, hace menos de un siglo, tienen un alto grado de valor artístico, y es parte de las principales manifestaciones...Generacioneshistoricas13 https://carpetapedagogica.com/paracasnecropolis PLATAFORMA EDUCATIVA CARPETAPEDAGOGICA.COMParacas Necrópolis PARACAS NECRÓPOLIS: Se extiende entre el año 500 a. C. y el 200 a. C., según Tello su cementerio parecía una "ciudad de los...CARPETAPEDAGOGICA.COM

BRONCE CHIMÚ FIGURA CULTURA SICÁN OREJERAS MOCHICAS

RUINAS CHAN CHAN, CULTURA CHIMÚ, PERÚ

Información de Paracas recuperada de: http://generacioneshistoricas13.blogspot.com/2015/02/analisis-e-importancia-artistica-del.html

La denomina cultura Inca se asentó en la ciudad sagrada de Cuzco (ombligo del mundo) y desde este centro comenzó su expansión hacia los 4 cuadrantes del Tahuantisuyo

IMPERIO INCA1200 d.C. - 1533 d.C

Esta cultura, si bien era imperialista, se caracterizó por respetar las costumbre de los pueblos dominados y apreciar el desarrollo de sus oficios. Es así que, una vez conquistados, trasladaban hacia el Cuzco a los y las mejores artesanos/as (tejedoras, ceramistas, etc.) así trabajarían para el Inka y su corte.

Hombres y mujeres de diferentes puntos del imperio llegaron con sus saberes y oficios. Es por esto que en las manifestaciones artistiscas se ven continuidades. Dentro de las innovaciones podemos mencionar la construcción de caminos para conectar el vasto territorio conquistado y la monumental arquitectura, siendo el Machu Pichu la ciudad más famosa. Estas construcciones (ciudades donde habitaba el Inka, los baños, lugares ceremoniales, mercados, etc.) se realizaban con piedras armonizando con el paisaje.

VIDEO

RELACIONES ARTISTICAS ENTRE CIVILIZACIONES

HIERATISMO

MEGALÍTICOS

PINTURA

ARQUITECTURA

ESCRITURA

CUEVAS

ORFEBRERÍA

CERÁMICA

AMÉRICA: Pueblo/civilización Manifestación artística Vinculo Pueblo/civilización Manifestación artística Observaciones Paracas, Región Andina Época tardía de Paracas Necrópolis entre los años (100 a.C.- 200 d.C) Se analizan los personajes que se observan en los tejidos Paracas (posición hierática, elementos y simbología: animales y colores sagrados). Estos mantos envuelven momias encontradas en la necrópolis. Este fardo funerario perteneció a la momia n°290 y es parte de un conjunto de especímenes, del cementerio Wari Kayan. Técnicas utilizadas: Tela llana, bordado y anillado cruzado en fibra de camélido y de algodón. Egipto Medio (2050 a.C-1750 a.C.) Triada de Micerino: figuras esculpidas relacionadas con los faraones.Se utilizó como material un bloque de grauvaca. Características geométricas (la estatua se articula con planos horizontales y verticales, de forma octogonal). Se aprecia solo la zona frontal y simétrica. Estática (idea de permanencia, eternidad) e inexpresividad (solemnidad, separación de las personas comunes de las divinas). FIGURAS HIERÁTICAS El hieratismo es un recurso utilizado en diversas culturas. Este estilo de arte fue adaptado para representar diferencias que existen en el mundo real y el mundo sagrado. Es una herramienta artística creada para representar la imagen que debería ser (una imagen divina) de la imagen que efectivamente es, más realista. En las dos culturas se simboliza el poder, lo sagrado, la idea de permanencia, eternidad y vida después de la muerte.

Pueblo/ civilizacion Manif Artística Pueblo/ civilización Manif. Artística Observaciones Mayas: Periodo clásico 200 d.C-900 d.C Placa de cerámica maya, decorativa. Utilizada como decoración para la elite Antiguo Egipto Paleta de Narmer, cerámica. Utilizada como decoración o recipiente para alimentos. Representaciones de la vida cotidiana de las personas de elite. Perspectivas jerárquicas: se detallan con más cuerpo y perfección las imágenes de reyes, artesanos, etc. Mientras que la cerámica egipcia busca la perfección y la mejor perspectiva en su obra, la cerámica maya realza los detalles más singulares y le da gran relieve a los accesorios decorativos.

PINTURA AZTECA PINTURA GRIEGA SOBRE CERÁMICA

Pueblo/ civilizacion Manif Artística Pueblo/ civilización Manif. Artística Observaciones Patagonia Argentina: Paleo indio Tehuelches 9300AP - 1300AP Cueva de las manos Pintura producida por elementos naturales como oxido de hierro, carbon vegetal, o frutas. Se pueden encontrar tres representaciones: manos pintadas en positivo(se pinta la palma y se apoya en la pared o techo) y en negativo (mediante la técnica aerográfica se pinta el dorso de la mano dejando un contorno dibujado sobre la misma) formas humanas y de animales mediantes formas geométricas, y formas geométricas abstractas como triangulos y circulos concéntricos. Península Iberica: Magdalaniense/ gravetiense/ auriñaciense 35.600AP- 13000 AP Cueva de Altamira Al igual que en la Cueva las Manos en Argentina, tambien se encuentran manos pintadas en positivo y en negativo, asi también como la representación de la fauna de la zona. Sin embargo estas representaciones más antiguas y más realistas. Utilizaban las imperfecciones de la pared o el techo dandole a las figuras sensación de protuberancias y movimientos. Las dos manifestaciones artísticas servían para reflejar el cotidiano de la vida de los primeros seres humanos ya que representaban escenas de caza que con el tiempo devinieron en simbología ritual, ya sea para beneficio de la caza o para la fertilidad.

PIEZAS DE LA TUMBA DEL SEÑOR DE SIPÁN COLLAR MESOPOTAMIA

Pueblo/ civilización Manif. Artística Pueblo/ civilización Manif. Artística Pueblo/ civilización Manif. Artística LOS ANDES: CARALPre cerámico tardío 3000 a.C. – 2000 a.C Impresionantes diseños y complejidad en su arquitectura monumental y desarrollo de grandes técnicas (terrazas, montículos de plataforma, plazas circulares hundidas, anfiteatros hundidos, edificios sismo resistentes y ductos subterráneos para canalizar el viento y mantener sus fuegos encendidos). Construyeron una ciudad piramidal, estas muestran una clara evidencia de funciones ceremoniales, lo que significa una PODEROSA IDEOLOGIA RELIGIOSA (veneraban a sus dioses y celebraban rituales, centro de poder religioso) MESO AMÉRICA Sus pirámides llaman la atención por su perfecta simetría y se caracterizan por su forma y accesos de escaleras para llegar a la cima. Algunas también estaban decoradas con esculturas talladas en piedra caliza. Y eran utilizados para culto y adoración. EGIPTO Al igual que las otras civilizaciones, en Egipto construyeron pirámides con una simetría perfecta, escaleras, compartimentos, recámaras, etc. Se destacan el tallado, los jardines colgantes, implementaron el uso de columnas y arcos para hacer más fuertes y sofisticadas sus construcciones. Además las pirámides también eran destinadas a prácticas funerarias y cultos religiosos. Y desarrollaron ciudades muy importantes con un gran desarrollo en lo que respecta acueductos.

Pueblo/ civilización Manif Artística Pueblo/ civilización Manif Artística Observaciones CULTURA MOCHE Y LAMBAYEQUE (Tumba del Señor de Sipán) Período 100 - 800 d. C. Los moche conocieron los procesos técnicos de laminado, dorado, sudado y soldadura, el repujado y el vaciado; la técnica de la cera perdida fue conocida y ampliamente usada. Los metales que usaron fueron el oro, la plata, el cobre y tumbaga, que es una aleación que combina cobre con oro. Los objetos elaborados en metales no fueron sólo de uso ritual, sino que además lo emplearon en armas e instrumentos de producción agraria y de construcción. La tumba del Señor de Sipán data de principios del Siglo III d.C.; su cuerpo fue momificado y enterrado en un ataúd de cañas acompañado de otras ocho personas que formarían su séquito en el Más Allá. Entre los restos arqueológicos encontrados destacan las vestimentas que adornaban el cuerpo sin vida del gobernante: cascos, brazaletes, collares, realizados en oro y plata con incrustaciones de piedras preciosas y semipreciosas, en todo el conjunto apareció un ajuar funerario con más de cuatrocientas piezas de orfebrería. MESOPOTAMIA 3000 A.P. La orfebrería mesopotámica constituye uno de los trabajo de los metales en tanto actividad artísticas más importantes. Si bien la mayoría de las tumbas fueron saqueadas algunos, han llegado intactos hasta hoy. Entre ellos se aprecia el tocado de una cortesana en el sepulcro real de una suntuosidad y un diseño exquisito, en el que finísimas láminas de oro imitan hojas y pétalos de flores. Restos de vajilla labrada en oro y numerosísimas estatuillas de cobre, uno de los metales más trabajados, así como collares y brazaletes de cornalina, lapislázu y plata. En las formas y el modelado del metal se descubre un naturalismo, con obsesión por el detalle ornamental. Se hace difícil un estudio del estilo general de la orfebrería mesopotámica debido a la gran variedad de pueblos y culturas que poblaron sucesivamente el territorio. Sin embargo, en todos los objetos se descubre el valor de las fuerzas de la naturaleza y la esperanza del hombre en una vida después de la muerte, algo que explica que los objetos más valiosos se encontraran en los sepulcros. En los dos casos se encuentra una orfebrería finamente trabajada con diversos procesos y técnicas, utilizando láminas de oro, plata y diferentes metales preciosos. Asimismo, las piezas de orfebrería se utilizan como armas, pero también como objetos rituales, sobre todo las encontradas en tumbas y sepulcros de gobernantes importantes. Tanto en Mesopotamia como en las culturas Moche y Lambayeque han sufrido saqueos y robos, tanto de otras culturas, ciudadanos, coleccionistas, etc. Aquellas piezas encontradas entran en procesos judiciales extensos para su restitución.

CABEZAS COLOSALES OLMECAS TEMPLO DE RAMSÉS II (ABUL SIMBEL)

Pueblo/ civilización Manif Artística Pueblo/ civilización Manif. Artística Observaciones AMÉRICA - PINTURA AZTECA Las pinturas aztecas eran hechas en paredes de templos, tejidos o vasijas de cerámica, utilizando colores fuertes y vivos, y los artistas representaban escenas de la vida cotidiana, batallas, rituales e imágenes de personajes importantes del imperio. La pintura en el pueblo azteca aparece ligada a la arquitectura. El color tiene un papel fundamental, se trata de un color plano, sin matices ni sombras y, posiblemente con connotaciones simbólicas, creando pinturas sin profundidad, sin respetar la proporcionalidad. La pintura azteca estaba representada con un papel peculiar que estaba desarrollado con una corteza de árbol. Este tipo de pintura estaba representadas por personas que se denominaban “artistas de élite” o también llamados “Tlacuilos”. Estos artistas poseían diferentes tradiciones de pintura, un ejemplo de esto eran los caminos los cuales tenían representados huellas de pies. Todas las pinturas eran realizadas con distintas y diversas tintas que intentaban lograr una linda y viva policromía. Las obras pictóricas son hoy ricas fuentes de información sobre la historia de la civilización. PINTURA GRIEGA Al no conservarse ninguna obra que sea propiamente pintura, para analizar lo que fue el arte griego, se toma sobre todo como referencia la pintura sobre cerámica, pues de este tipo, sí es posible encontrar muchas piezas, ya que precisamente en la decoración de ánforas, platos y vasijas, cuya comercialización era un negocio muy productivo en la antigua Grecia, fue donde pudo desarrollarse este arte. La pintura sobre cerámica representaba animales fantásticos, motivos vegetales, escenas mitológicas y de la vida cotidiana. Como en muchos otros periodos de la historia, la pintura griega se caracterizó por ser utilizada principalmente para la decoración de espacios con fines civiles, religiosos o fúnebres. Se pintaban con la técnica la técnica de la cerámica de figuras negras es un estilo de pintura de la antigua cerámica griega en la que la decoración aparece silueteada en negro sobre fondo rojo. Se puede evidenciar en la pintura que las características de las mismas solían representar escenas cotidianas y también de su cosmovisión. Así también representaban la guerra, rituales, a sus dioses y personajes importantes. Estos trabajos eran realizados por especialistas y en su mayoría las pinturas eran realizadas para los sacerdotes, reyes, es decir las personas de poder, que eran sus clientes.

CERÁMICA MOCHICA PUERTA DE ISHTAR (BABILONIA) FRISOS ARQUEROS DE SUSA

Pueblo/ civilización Manif Artística Pueblo/ civilización Manif. Artística Observaciones MESO AMÉRICA Cultura Olmeca (denominada cultura madre) Período 1200 a.C. – 300 a.C. Las colosales cabezas Olmecas fueron talladas en rocas de basalto (piedra formada por varios minerales que se encontraba a millas de distancia de donde finalmente fueron realizadas) y representan una enorme cabeza masculina con algún tipo de casco o tocado. La cabeza más grande se encontró en el sitio arqueológico de La Cobata, mide casi tres metros y pesa alrededor de 40 toneladas. Incluso la cabeza gigante más pequeña tiene más de 4 pies de altura. Se encontraron un total de diecisiete cabezas gigantes en cuatro sitios arqueológicos diferentes: diez de ellas estaban en San Lorenzo. Las mismas se las considera representación de reyes o gobernantes individuales. EGIPTO Periodo Nuevo (1570 a.C.- 1080 a.C.) La escultura egipcia antigua se practicaba desde el periodo predinástico. Hay expresiones perfectas en estatuas que están hechas de madera, marfil, bronce (a veces dorado o incrustaciones con oro y plata), arcilla cocida y lo más importante, la piedra que tiene una consistencia dura para la estatua. En el imperio nuevo se desarrollaron los hipogeos: construcciones excavadas dentro de las montañas, y en su entrada se disponían esculturas megalíticas, como en el templo de Ramsés II (Abu Simbel. La fachada del templo tiene 33 metros de altura por 38 metros de ancho y está custodiado por cuatro estatuas sedentes. Todas las estatuas representan a Ramsés II, sentado en un trono con la doble corona del Alto y Bajo Egipto. Las estatuas representan por lo general divinidades mitológicas, faraones, gobernantes o personajes importantes.

Pueblo/ civilización Manif Artística Pueblo/ civilización Manif Artística Observaciones CULTURA MOCHE (preincaica) Período 100 - 800 d. C. Considerados los mejores ceramistas del Perú antiguo gracias al fino y elaborado trabajo que realizaron en sus cerámicos. En ellos representaron a divinidades, hombres, animales y escenas significativas referidas a temas ceremoniales y mitos que reflejaban su concepción del mundo. Destacándose, la asombrosa expresividad, perfección y realismo con que los dotaban. MESOPOTAMIA 3000 A.P. Destaca el refinamiento alcanzado en todas las formas de aplicación cerámica, tanto en la labor de piezas exentas, como el Vaso de Susa. También en el empleo de la cerámica vidriada en forma de brillante revestimiento exterior de muros y edificaciones, consiguiendo un espectacular efecto de naturalismo estético, colorido y luminosidad, que destaca en ejemplos como las Puertas de Isthar en Babilonia o el Friso de los arqueros de Susa Tanto la cultura Moche como el desarrollo de diversas culturas mesopotámicas realizan trabajos en cerámica con mucho conocimiento técnico, de gran refinamiento, admiradas por otras culturas. Asimismo, tienen en común su colorido, perfección y su estética.

ROMANTICISMO

Se inicia en Alemania e Inglaterra fines del siglo XVIII hasta mediados del XIX (luego se esparce a toda Europa y llega a América). El cambio político y social que se propago por toda Europa fue en gran parte resultado de la Revolución Francesa del siglo XIX. En el s. XIX surgió el sistema liberal que defendía la soberanía popular, las libertades individuales de pensamiento y expresión. En la 2ª mitad del siglo, aparecieron gobiernos más autoritarios apoyados por la burguesía para defender sus privilegios. La sociedad estamental deja paso a una sociedad de clases. La burguesía sustituye a la nobleza en el poder: es la era del maquinismo y el inicio del capitalismo. La expansión demográfica produce unas condiciones de trabajo pésimas y un enfrentamiento entre burgueses y proletarios. Así planteado el contexto este estilo surge en reacción al neoclacisismo. Es un arte sentimental; fogoso, lleno de fuerza y libertad; creación sin normas, pasión violenta, movimiento. Cambia la temática: noche, locura, muerte, nostalgia, desesperanza Los orígenes de las ideas del Romanticismo datan de la Revolución Francesa y el idealismo de libertad, fraternidad e igualdad que lo impulsaba. Se opuso a la fe en la razón humana y al espíritu ordenado de la época que sostenía reglas más o menos fijas y racionales para el arte y el pensamiento. Por el contrario, valoró la subjetividad y los sentimientos humanos, las libertades creativas y el genio, es decir, la originalidad.

NEOCLASICISMO

El neoclasicismo surge como reacción al Rococó. La arquitectura de este último es opulenta, ornamental, intima, elegante y la temática en la pintura va a girar en torno al naturalismo, sensualidad y lo frívolo. Así, el neoclasicismo es una vuelta al orden en torno a la ilustración, ligado a la filosofía de la razón, la racionalidad ante todo, en todos y cada uno de los aspectos de la vida y del saber humano. Esta filosofía viene a reemplazar a la religión como organizadora de la existencia del ser humano por una ética laica, que ordenará desde entonces las relaciones humanas y que buscará el concepto científico de la verdad. El Arte Neoclásico es una corriente artística que surge a mediados del siglo XVIII y que refleja estos ideales de los filósofos de la ilustración, siendo que los artistas retomarán la forma clásica grecorromana. Representando este movimiento a la burguesia, que cada vez era una clase con mayor poder en relación a la nobleza. Así llevó como estandarte la racionalidad, la claridad y la funcionalidad como símbolo, poniendo énfasis en el hombre, en el progreso y pone en tela de juicio las ideas de la iglesia. También en sus obras se observa la representación de la moralidad como base de la nueva sociedad. Caracteristicas:

• Simetría
• Elegancia
• Sobriedad

BARROCO AMERICANO

Contexto de producción: Conquista y colonización de América por parte de España y Portugal.

BARROCOPROTESTANTE

El arte refleja los valores de la puritana y pujante burguesía comercial y financiera de Inglaterra y de los Países Bajos

BARROCO CATÓLICO

RENACIMIENTO

El Renacimiento surge a mediados del siglo XIV en Italia. Se extiende por toda Europa y su fin se marca alrededor de las primeras décadas del siglo XVI. Para comenzar a analizarlo, hay que partir de pensar que en la Edad Media el conocimiento se consideraba una “gracia divina” que recibían los seres humanos y todo giraba en torno a Dios, la Iglesia y las escrituras. En contraposición, el Renacimiento que tiene su epicentro en Florencia en 1550 y se extiende por toda Europa hasta las primeras décadas del siglo XVI, se lo considera por un lado como un movimiento cultural e intelectual y por otro lado, como un periodo de transición entre esta Edad Media y la Edad Moderna.

ARTE ISLÁMICO

GÓTICO

Es el estilo artístico que se desarrolló en Europa occidental durante los últimos siglos de la Edad Media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento (siglo XV para Italia), y bien entrado el siglo XVI en los lugares donde el Gótico pervivió más tiempo. Se trata de un amplio período artístico, que surge en el norte de Francia y se expande por todo Occidente. Está asociado al resurgir de las ciudades, la aparición del humanismo, el pensamiento racional, el nacimiento de la burguesía. Y esto implica el cambio en los estilos artisticos, ya que si bien los temas religiosos eran los protagonistas, comienzan a aparecer otras temáticas, como escenas de la vida cotidiana. Por otro lado, tanto la nobleza como la burguesía utilizaron este estilo para promocionarse pagando la construcción de iglesias, catédrales o palacios. Otro cambio es que apareceran los nombres de los autores. El gótico se extendió a Inglaterra y Francia y a todo el continente, pero en distintos momentos, por ejemplo Italia lo tomaria 100 años después.

ROMÁNICO

Normando en Inglaterra/Románico en el continente Nacido a finales del siglo X, se desarrolla durante los siglos XI, XII y comienzos del XIII. Hasta el siglo X la situación política era muy convulsa. Se produjeron las invasiones (bárbaras, musulmanas, etc.). Cuando se terminan, la religión va a unificar a toda Europa.Si bien en el siglo X nos encontraremos una situación de estabilidad externa, se producirán conflictos internos causados por la nobleza. Por eso la arquitectura de este periodo tiene un aspecto defensivo.Fue el primer gran estilo claramente cristiano y europeo que agrupó a las diferentes estilos que se habían utilizado hasta la temprana Edad Media (romana, prerrománica, bizantina, germánica y árabe) y consiguió formular un lenguaje específico y coherente aplicado a todas las manifestaciones artísticas, utilizado para enseñar las doctrinas religiosas.Fue un arte fundamentalmente religioso y arquitectónico, en el que escultura y pintura tuvieron un papel secundario.

EDAD MEDIA

Las obras de arte medievales surgieron en un contexto en el que no existía el concepto de arte como fin en sí mismo, tampoco el concepto mismo de artista. Esto implica que el objeto artístico medieval tenía un carácter funcional. Se suele atribuir a las imágenes medievales una función pedagógica: explicar los dogmas de la fe cristiana y la historia sagrada a los iletrados (hay que recordar que en ese contexto todavía no existen los libros -hasta el Renacimiento que se inventa la imprenta-; además la mayoría de la población no tenia acceso a la educación y la educación de ese período no es la existe hoy en día). Así esta función educadora del arte se une también con la afirmación del poder: por un lado, el poder de Dios y de la Iglesia (el poder religioso); por otro, el poder político (emperadores, reyes, y las mismas instituciones eclesiásticas). A finales de la Edad Media van surgiendo otros agentes sociales con los medios suficientes para encargar obras de arte e influir en él (la burguesía).

BARROCO

El Barroco desarrolla durante el siglo XVII un nuevo lenguaje estético que responde a las condiciones históricas: momento de la cultura occidental coincidente con la afirmación de las nacionalidades, las tensiones de la reforma y contrarreforma: Junto a su tradicional función decorativa, el arte tiene finalidad propagandística, adoptándose un lenguaje formal de carácter retórico (convencer por las apariencias) en el que prime lo sensorial sobre lo racional, siendo asequible a todo el mundo.

• Alto contenido religioso
• Concilio di Trento: donde se regulan los principios del catolicismo y el portestantismo
• Época de la reforma de Lutero
• Fue considerado como una aberración del Renacimiento
• Avances técnicos
• Complejidad y grandiosidad de las obras
• Importante: las formas, entrantes, salientes, falta de simetría, estudio de jardines, plazas y avenidas

PINTURA: Realismo en los temas, interés por representar todos los aspectos de la realidad sin rechazar lo feo o desagradable, implicando gran diversificación y renovación temática

• TEMAS RELIGIOSOS. Lugar preferente en el mundo católico, tratados con lenguaje asequible y natural para acercar el hecho religioso a las masas. Predominan temas que exaltan dogmas y verdades católicas (martirios, milagros…)
• TEMAS PROFANOS. Gran desarrollo, especialmente cultivados en países protestantes. Por un lado se tocan temas ya tratados (mitología, historia) y por otro aparecen nuevas temáticas (escenas de costumbres, interiores, paisajes, bodegones)

ARQUITECTURA:De las características generales destacan el gran desarrollo de la arquitectura religiosa y civil (iglesias y palacios fundamentalmente). Y es que los mecenas y comitentes de la arquitectura barroca van a ser fundamentalmente las órdenes religiosas y el papado así como la nobleza y los monarcas absolutos del siglo XVII. El punto de partida es la ruptura del equilibrio clásico. La arquitectura barroca fue concebida para generar un ilusionismo sensorial que cautive y emocione. El sentido rítmico de las fachadas y muros, con efectos dinámicos, se logran por medio de curvas y contracurvas, frontones que se parten, entablamentos que se incurvan, gusto por el juego entre lo cóncavo y lo convexo, los juegos de luces y sombras. En cuanto a los materiales dan gran importancia al color y la textura con la finalidad de producir una impresión de riqueza y ostentación. Son habituales los mármoles, piedra, ladrillo, todo bellamente decorado para dar mayor sensación de lujo, calidad, ostentación.Utilizan el orden gigante, las columnas salomónicas y los entablamentos curvos. La arquitectura se funde con el resto de las artes (pintura, escultura…) como un todo perfecto. Es la búsqueda del arte total.

IMPRESIONISMO

FINES DEL XIX a MEDIADOS DEL XX TRANSFORMACIÓN SOCIAL Y FILOSÓFICA:

• FLORECIMIENTO BURGUESÍA
• LLEGADA DEL POSITIVISMO (concepcion de la objetividad, de la percepción y criterio científico que resta valor a aquello que no sea clasificable según las leyes del color y de la óptica)
• MIGRACIÓN CAMPO-CIUDAD
• FERROCARIIL: concepto de velocidad, retina que capta una realidad distorsionsada
• FOTOGRAFÍA: el impacto de ella demostró que lo que determina la visión es el color y no el dibujo.

PINTURA: EXCURSIONES CAMPESTRES CIUDADES: noche y sus habitantes, cafes, cantantes, tertulias CUADROS IMPRESIONISTAS: Sustituir ideal dominante de belleza por el de libertad Se pinta al aire libre Expresar sin convenciones del momento, liberación del artista

EJE 2

Responde a modelos grecorromanos donde se observa la aparición de frontones, columnas y cúpulas. Presenta claridad en los elementos arquitectónicos. Esto refleja un marcado contraste, una vez más, respecto del período anterior. Realzan la severidad, la solidez y la horizontalidad. Columnas se usaban de a un estilo por vez, austeros. Dignidad y elegancia antinatural. Es importante resaltar que como característica el arte neoclásico se destaco en la construcción de edificaciones públicas (edificios, parlamentos, bancos, etc.).

La pintura romántica abandona los motivos clásicos para comprometerse con la realidad política y social de las naciones. Es un arte inspirado por los ideales de la Revolución Francesa de 1789. Se impuso además la recuperación del folklore y las tradiciones nacionales.

• Se caracteriza por expresar estados de ánimo y sentimientos. Intensidad emocional
• El tema de la pintura romántica es el paisaje, en su aspecto más salvaje y misterioso, así como cuadros con temática exótica, dramática, melancólica
• La noche y los cementerios fascinaban a los románticos

MÉXICO: Sincretismo entre lo católico y lo azteca, por ejemplo las cruces con iconografía azteca. Otro ejemplo es la Vírgen de Guadalupe a la que le colocaron atributos deTonantzin la estrella de la mañana, que es la diosa de la agricultura azteca. BRASIL (corte portuguesa, la cual se muda con sus artistas incluidos) En la arquitectura el Barroco brasilero presenta mucho movimiento, ondulaciones, plantas ovales, fachadas convexas, bajo relieves cóncavo. La arquitectura está representada en las iglesias, las cuales eran formadas de una nave única con varios altares y diversos nichos con santos. Se utilizaron numerosos adornos con plantas y conchas, figuras talladas madera en tamaño natural, además de ángeles y monstruos, asegurando columnas, balcones y púlpitos. Las capillas e Iglesias eran ricamente adornadas por dentro, muy ostentosas, enchapadas en oro y muy simples por fuera, denotando la riqueza del lugar. PERÚ: ESCUELA CUZQUEÑA Los ángeles arcabuceros son figuras que emergen en la pintura religosa del Virreinato del Perú, producidos por la escuela cuzqueña, los cuales condensan el poderío político-militar español. Estas imagenes se caracterizan por las tensiones iconográficas durante la Conquista española y su dominación en todos los ordenes (territorial, político y cultural), el proceso de evangelización y los modos de resistencia y subordinación de los pueblos indígenas. SIMILITUDES EN AMÉRICA:

• Exagerar el modo europeo,
• Fachadas e interiores iglesias son muy similares entre sí en toda América
• A partir del barroco, todos los estilos artísticos que surgan en Europa, van a ir llegando a América. En un primer momento los estilos "llegan", pero a fines del siglo XVII, y siglo XVIII empiezan a viajar los artistas américanos a Europa a estudiar arte.

La principal característica que diferencia el barroco protestante del católico es que son iconoclastasPINTURA: Se diversifica la tematica: naturalezas muertas; escenas de la vida cotidiana. Se especializan en copiar del real cada material de la naturaleza muerta: el vidrio, el metal, la fruta. Desaparece la pintura de iglesia y los lienzos se vuelven más pequeños para ser contemplados en las casas. El retrato se convierte en el tema más importante. Éste es tanto individual como colectivo. Los paisajes, los interiores burgueses y los bodegones son otros temas representados. El gusto por el detalle, el amor hacia lo cotidiano, las pinceladas sueltas de color y la preocupación por la luz serán otras de sus notas definitorias. ARQUITECTURA: Es más sobria ESCULTURA: se utiliza subordinada a la arquitectura. Figura del escultor-arquitecto es frecuente, se sigue esculpiendo al estilo gótico, gran teatralidad. En Holanda e Inglaterra no destaca, sólo en Centroeuropa.

Es el primer arte europeo cristiano unitario. ESTILO ARQUITECTÓNICO (alrededor del año 1000):

• Principales edificios: Iglesias, monasterios y catedrales: construidas en piedra, muchas veces era la única construcción en regiones y el campanario oficiaba de faro.
• Los muros suelen ser muy gruesos; altas torres; pocos ventanales; paredes poco ornamentadas; aparecen potentes contrafuertes en los muros; planta basilical, bóvedas y arcos (arco típico: Medio Punto)

Por ejemplo: Monasterio Santiago de Compostela.

Estilo arquitectónico que surge en el norte de Francia. Ante los avances técnicos en esta área, los arquitectos comienzan a levantar los edificios con finas nervaduras de piedra, al no colapsar rellenan los espacios entre columnas con vidrio (y no con piedras).Los edificios más imprtantes son las catedrales, más grandes que las iglesias románicas. Características: Verticalidad: Grandiosidad, en el exterior se potencia por pinálucos, torres acabadasen flechas, agujas. Estructuras externas (contrafuertes y arbotantes) Luminosidad: se busca la entrada de mucha luz, creando ambientes místicos, a través de las vidriedas y rosetones. Los arcos en punta (lograban ventanas más altas). CATEDRAL DE NOTRE DAME CATEDRAL DE MILÁN CATEDRAL DE BURGOS

PINTURA BARROCA ESPAÑOLA. DIEGO VELÁZQUEZ

• En los temas encontramos un predominio de la temática religiosa: vida de santos (misticismo); retratos reales y de nobles. El tema mitológico es menos abundante, practicándose también el bodegón, pintura de género, pintura histórica, paisaje…
• Falta de movilidad física, compensada por el dinamismo compositivo y los contrastes
• Naturalismo, buscando modelos de la época. Se representa tanto lo bello como lo horroroso, lleno de simbolismo
• Partiendo del tenebrismo, en España se desarrolló un tratamiento lumínico propio

PINTURA BARROCA ITALIANA. CARAVAGGIO

• La pintura naturalista italiana tendrá una mayor influencia en la historia del arte, sobre todo por la labor del que se considera su creador, Michelangelo Merisi, IL CARAVAGGIO. Naturalismo: sus obras siempre se inspiran en tipos de la realidad que le rodea (jugadores, hampones, prostitutas, gitanos)
• Sus aportaciones más geniales fueron la creación del naturalismo y el tenebrismo pictóricos. Ambos recursos pretenden sorprender y emocionar, en la línea del espíritu barroco general.

ARQUITECTURA: Colosalismo. Gusto por la monumentalidad. Ruptura con las proporciones clásicas. Fachadas curvas. Dinamismo. Efectos de claroscuro.

Su lugar principal eran las portadas, columnas y capiteles. Características: El tema principal era el juicio final con Cristo rodeado de los 4 evangelistas (Pantocrátor), situado en el tímpano. En los arcos que rodeaba este tímpano aparecían la visión del juicio final, los cuatro evangelistas o sus símbolos (el toro, el águila, el hombre y el león) y los apóstoles. En el parteluz aparecían la Virgen con el Niño en brazos o un personaje destacado (obispo, apostol, etc.). En los capiteles de las portadas aparecían escenas de la Biblia, la vida de los santos, temas vegetales, escenas cotidianas o del Apocalipsis, con monstruos representando los males del pecado y el infierno. Tambien habían tallas religiosas de madera y policromadas, que solian colocarse en los altares, cuyos temas eran el Cristo crucificado y la Virgen con el niño en brazos. Las dos son hiératicas.

Está subordinada a lo arquitectónico. Por esto, se va a plasmar en muros, ábsides y bóvedas de las iglesias. Sin embargo, también aparecerá en manuscritos y sobre tabla. Se hacia al fresco para decorar interior de los muros del templo. Entre los más frecuentes, se encuentran la Virgen con el niño y el Pantocrátor. Estos suelen representarse rodeados de un halo denominado mandorla. Características:

• La figura humana se va a reducir a esquemas, para plasmar así una idea concreta.
• Trazo dibujístico grueso, silueteando las figuras en negro o rojo.
• Utilización de colores planos, sin mezcla.
• Representación de figuras hieráticas, es decir, sin movimiento.
• Carencia de profundidad, es decir, sin perspectiva.
• Composiciones yuxtapuestas, eso significa que van aparecer muchas figuras juntas y agolpadas.
• La pintura va a ser antinatural y llena de misticismo.
• Anatomía desproporcionada

La estructura de las iglesias góticas con sus ventanales redujo el espacio para los frescos. Por esto se generalizó la pintura sobre tabla de madera (retablos) y la pintura de vidrieras. Estos retablos se colocaban detrás de los altares de las iglesias, y llegaban a tener grandes tamaños. También se ilustraban manuscritos. Componian dentro del espacio usando perspectiva jerarquica. Los pintores se formaban en los talleres de las iglesias pero tomaban trabajos para los señores burgueses. La técnica más utilizada es la del temple y el óleo, que da un mayor colorido y permite un acabado más minucioso. La primera etapa, hacia el 1200, corresponde a la pintura conocida como Gótico Lineal, ya que manifiesta una especial atracción hacia las líneas que definen los contornos. El estilo que sucede al lineal es el conocido como Gótico Italiano (escuelas de Siena y Florencia). En este estilo desaparece la línea negra. Se quiere conquistar la técnica, el estudio del espacio, la perspectiva lineal, la coloración objetiva, la luz y la degradación de los colores. La última etapa corresponde al Gótico Internacional, a finales del siglo XI. En este periodo las influencias italianas se funden con las francesas y flamencas.

Esculturas: adornaban los edificios, son vividas con escorzos, y el detalle con atributos para que se reconocieran los diferentes santos. Abandono de rigidez y simetria. La escultura gótica está caracterizada por el interés hacia la naturaleza manifestado por los artistas. Conserva el carácter monumental y grandioso de herencia románica pero las figuras están dotadas de mayor expresividad, abandonando la deshumanización. Las imágenes se comunican entre sí expresando sentimientos, alegría, tristeza, dolor, etc. Con la escultura gótica reaparece también el retrato. Y también se comienzan a esculpir las famosas gárgolas. Este afán por la expresividad llevará al artista gótico a interesarse por la anécdota y lo secundario, tratando en ocasiones lo satíricoe incluso lo obsceno.

La arquitectura del romanticismo cobró relevancia más que nada en el siglo XIX. Recuperó el gusto por las edificaciones medievales, sobre todo en Inglaterra. PARLAMENTO INGLÉS En Francia, en cambio, las obras reflejaron los gustos de la nueva burguesía fruto de la revolución, que adoptó el tren como principal símbolo de modernidad. En este periodo hubo un gran interés por la arquitectura gótica, que era lo opuesto al estilo grecorromano. En este estilo se construyeron: iglesias, edificios civiles, estaciones férreas entre otros. ÓPERA DE PARÍS

La escultura tuvo en el periodo romántico un desarrollo mucho menor que la pintura. Los escultores nunca renunciaron a la inspiración grecorromana, tanto en iconografía como en formas, y las obras resultaban frías y académicas, carentes de originalidad. Pero a partir de 1810 de manera progresiva se fueron sustituyendo por elementos contemporáneos. Se hicieron también esculturas de animales -panteras, tigres, etc.- que manifestaban el gusto por el movimiento y la tensión muscular. Eran esculturas decorativas para los interiores burgueses, casi siempre realizadas en bronce.

Los artistas de esta corriente prefieren reflejar temas de su realidad presente. el lenguaje responde a una sencillez decorativa y un gusto por la razón, oponiendose a los conceptos del movimiento artistico del rococó. Consideran como belleza la pureza de las líneas. Características:

• Perfección formal.
• Serenidad.
• Dulzura.
• Predominio del dibujo.
• Modelos de la escultura clásica.
• Temática moralizante y ejemplarizante.
• Colores primarios.

Características

• Las esculturas neoclásicas se realizaban en la mayoría de los casos en mármol blanco, sin policromar, porque así se pensaba que eran las esculturas antiguas. El bronce fue también un material utilizado.
• Técnicamente, las superficies son muy pulidas y homogéneas. La escultura le da protagonismo a la línea pura de contornos bien delimitados, huyendo de las sinuosidades barrocas. En los relieves, las figuras se sitúan en un primer plano, renunciando a cualquier fondo de carácter pictórico.
• Se imita lo clásico. Se imponen la elegancia y la serenidad, es decir, la moderación en las expresiones y sentimientos, así resultan austeras y frías; las poses correctas y medidas. Predomina la frontalidad.
• El desnudo tiene una notable presencia, aunque alejado del erotismo. Son desnudos juveniles y bellos basados en los ideales de proporción, espíritu equilibrado o sereno y movimiento relajado.

LOS 3 GRANDES DEL MURALISMO MEXICANO

DIEGO RIVERA

DAVID ALFARO SIQUEIROS

JOSÉ CLEMENTE OROZCO

Con Diego Rivera y el muralismo mexicano, la pintura adquiere un nuevo sentido, una nueva función. El artista, que en la modernidad deja de reproducir mundo el exterior a él para expresar su mundo interior, su propia verdad y cosmovisión, utiliza ahora el arte como un medio para difundir sus ideas políticas, los ideales de la Revolución. El arte debe ser una herramienta para cambiar al mundo. Y esa nueva función “didáctica” nos recuerda la pintura anterior al Renacimiento, que instruía a las masas en temas religiosos. Rivera integra la ideología revolucionara a la pintura. El arte debe denunciar los problemas de la época, las injusticias que sufre pueblo. Al mismo tiempo, debe rescatar las raíces culturales para reafirmar la identidad (recuperando aquel glorioso pasado prehispánico). Así, Rivera estudia con fascinación las formas de las culturas maya y azteca. Y junto a los demás muralistas fundará el sindicato de pintores, el primer paso antes de crear el Movimiento Muralista Mexicano. Un movimiento de un profundo compromiso social y comprometido también con las raíces culturales indigenistas y la estampa popular mexicana (con sus figuras de esqueletos vivos). Zapata, líder agrario (1931). Diego Rivera.Fresco sobre cemento. 238 cm x 188 cm. Moma. Nueva York, Estados Unidos. En este mural, Emiliano Zapata, defensor de la reforma agraria y protagonista de la Revolución, aparece guiando a un grupo de campesinos que portan sus herramientas agrícolas como armas (observemos el detalle de la hoz que porta Zapata: su herramienta es un arma, pero a la vez es el símbolo del comunismo). A pesar de su humildad y pobres recursos, Zapata es retratado por Rivera como los grandes próceres, glorificado junto a un magnífico corcel blanco. Un verdadero héroe del pueblo.

Su obra puede ser vista como un testimonio de los sucesos que contextualizaron sus óleos, dibujos, grabados, caricaturas y acuarelas. Obras con fuerza, violencia y crueldad, con lástima, sarcasmo y compasión. Orozco ofrece al espectador su propia visión de los hechos, su comprensión, su realidad, su empatía moral, sus valores y su compromiso con la obra. En ella, propone al hombre como tema central en la época moderna, a la que observa y retrata como una realidad que sufre cambios, es contradictoria y temporal, sin dejar los cánones que se repiten a lo largo de la historia del ser humano. A inicios del siglo XX, el contexto en el que Orozco se desarrollaba era el punto central de revoluciones y daba pie a luchas ideológicas en México y todo el mundo. En sus pinturas hay grandeza y horror, muertes, saqueos, trampas, traiciones, etc. Cabe mencionar que el autor también retrata a un pueblo que hace la Revolución, cuyos líderes lo olvidan cuando alcanzan el poder. Muestra una humanidad deshumanizada, enajenada, que victimiza y es víctima. Fue el más influido de los muralistas mexicanos por el expresionismo. Por un lado, trabajó profusamente los valores socialistas junto con la educación, el progreso y la industrialización. Por otro lado, el universo de personajes de Orozco se concentró en lo masculino, en lo cual se distinguió de Rivera. Cortés y la Malinche. Escuela Nacional Preparatoria. 1926. Orozco rechaza las composiciones idealizadas y mitologizantes del pasado indígena, pues entiende que lo prehispánico y lo hispánico se entrelazan en un proceso conflictivo marcado por la lucha entre el progreso y los sectores reaccionarios. De este modo, Orozco fue el primero en aludir al colonialismo español, tal como lo pone en evidencia el fresco Cortés y la Malinche, de 1926, en el que se evidencian las consecuencias de la dominación hispana y la subyugación indígena.

Siqueiros defendía la idea de que la pintura no era sólo la representación de imágenes sino que las imágenes deben representar un concepto. Consideraba que la relación entre ambas es tan estrecha que en el arte es imposible separar uno del otro. Imagen y concepto, para Siqueiros, estaban tan ligados como lo estaba el socialismo revolucionario a la modernidad tecnológica. Además, él, estaba seguro del espíritu revolucionario del arte. De su naturaleza revolucionaria, intrínseca. Retrato de la Burguesía 1939/40 Mural que realizó en la escalera de la sede del Sindicato Mexicano de Electricistas, de la Ciudad de México, transformandose en una de las obras más representativas de su trabajo y del siglo XX, Siqueiros aplicó todo el bagaje que había adquirido de su aprendizaje de los años treinta, época en que se mantuvo más concentrado en el arte. Este mural tiene algunos temas comunes en el arte de Siqueiros, como la glorificación del comunismo, el odio de los ricos, y los representaciones de la violencia. Representan el proceso actual del capitalismo hacia su muerte. El demagogo, movido ocultamente por la fuerza del dinero, empuja a las masas a la gran hecatombe.Un mecanismo monstruoso, coronado por la águila imperialista, resume la función general del capitalismo, transformando la sangre de los trabajadores, que forman la infraestructura del actual sistema económico: en raudales de oro que alimentan a las distintas encarnaciones del imperialismo mundial generador de la guerra. La revolución surge impetuosa, dispuesta a acabar con la explotación y la matanza sobre las que se sustenta el régimen clasista de nuestros días. Coronándolo todo el sol de la libertad, resplandece sobre un conjunto simbólico de elementos de trabajo, solidaridad, paz y justicia. Contexto que la produjo: Había estallado ya la Segunda Guerra Mundial, los Nazi-Fascistas amenazaban con la expansión de sus dominios; Europa se veía afectada en todos los ámbitos por la ola destructiva del conflicto fue un segundo momento en que la tecnología se aplicaba a la destrucción, entre ellos el ferrocarril, anteriormente símbolo del progreso, ahora transportaba armas, ejércitos y prisioneros destinados a los campos de concentración. El desarrollo tecnológico produjo maquinaria tan sofisticada como la que puede verse emplazada en todo el mural, principalmente se inventaron o mejoraron las armas que, por tierra, aire y mar, hicieron de esta guerra una de las más cruentas que se han dado en la historia. Siqueiros, quien había regresado de España donde pudo presenciar el inicio de todo ello, deseaba representar en toda su crudeza las contradicciones de la guerra imperialista.

En México, la revolución de 1910 marcó un cambio profundo en la vida de una sociedad que buscaba y necesitaba una transformación en todas sus estructuras. El movimiento armado, a pesar del alto costo que tuvo para la población y para el país en su conjunto, abrió nuevas posibilidades antes no contempladas, cuyo contenido se enriqueció a partir de las más variadas fuentes, creándose proyectos que la llegada de gobiernos estables permitió hacerlos realidad. Entre estos proyectos quedaba incluido el cultural y artístico, cuya principal manifestación fue el movimiento muralista. El muralismo, la más importante herencia artística de la Revolución Mexicana, se distinguió por estar relacionado muy estrechamente con las ideas políticas y sociales de sus autores, naciendo una unión sin precedente entre el arte y la política. Es una pintura de denuncia con una enorme carga ideológica socialista, ya que los temas que trata son de índole revolucionaria, exaltando la lucha de clases y denunciando la opresión, también mostraba la vida de los campesinos y la clase obrera, por lo que es una pintura que se caracteriza por su alto contenido social y por describir el surgimiento de una nueva ideología y de una nueva identidad nacional. El muralismo mexicano seguía un programa para lograr los propósitos del Estado revolucionario: en primer lugar, la valoración y recuperación de la historia, fuente de la identidad nacional, y, en segundo lugar, el reconocimiento de que los descendientes de esa historia seguían presentes en la contemporaneidad. Esto le daría no solo temas y valores al arte, sino una estética muy particular. Los muralistas no sólo cambiaron la forma de hacer arte, sino que, a través de los murales, narraron la epopeya revolucionaria de la que México acababa de salir, y dieron a conocer un país popular, tradicional e indígena que había permanecido oculto para muchos durante el siglo XIX.

Es un movimiento que nace en 1922 y tiene una característica fundamental: el artista no sólo muestra su visión particular del mundo, sino que se compromete con su arte para cambiar la realidad. Las paredes se encargan entonces de concientizar al pueblo: denuncian las atrocidades vividas desde la conquista española en adelante, así como las injusticias sociales, difunden los ideales de la revolución mexicana, y reivindican la cultura popular y sus raíces en busca de una redefinición de la identidad nacional.

• Se llama así al movimiento a partir de un manifiesto redactado por Siqueiros
• Como gran parte de los murales dejan de realizarse en interiores (como fuera tradición a lo largo de la historia), y se realizan en muros exteriores, los artistas deben buscar nuevas soluciones técnicas, y por ello empiezan a usar la pintura acrílica, más resistente a cualquier condición climática.
• Una de sus características elementales es que trasciende lo artístico para convertirse además en político y social, difundiendo los ideales del México post-revolucionario.
• Al principio, las ideas de la Revolución tienen el papel protagónico, pero a lo largo de los años será más abarcativo de toda manifestación popular mexicana.
• Los muralistas se abocaron a representar la historia y mitología de las culturas prehispánicas, y, de esa manera, le dieron una imagen y una voz a los herederos del pasado indígena a través de las artes. En estas se incluían mitos, símbolos, costumbres, relatos históricos, etc. Sin embargo, lo indígena no se representó desde la fundación del movimiento, sino que fue un hallazgo progresivo.
• Los murales de este movimiento tienen una función “didáctica”: contarle a todo un pueblo su legado histórico, la historia del país. Es un movimiento que “redefine” la identidad nacional.
• En síntesis, los principales temas representados en los muros son: la Revolución Mexicana, la conquista, la industrialización, las tradiciones populares, la sociedad civil, el capitalismo, el socialismo, la política, el pasado indígena y los principales personajes de la cultura popular.

EPOPEYA DEL PUEBLO MEXICANO, 1935 LA CREACIÓN, 1922/23 GUERRERO INDIO, 1931

El pueblo a la universidad, la universidad al pueblo. Por una cultura nacional neohumanista de profundidad universal, 1952-1956 Se encuentra en la Torre de Rectoría de Ciudad Universitaria. La Marcha de la Humanidad en la Tierra y hacia el Cosmos (1971) Ubicada en el Polyforum Siqueiros, es considerado el mural más grande del mundo con cuatro mil 600 metros cuadrados de paneles articulados. Representa cuatros temas principales: la marcha de la humanidad hacia la revolución democrática burguesa, hacia la revolución del futuro; Paz, Cultura y Armonía; y Ciencia y Tecnología. Tormento de Cuauhtémoc (1950) Representa la Conquista de México, el momento en que el gobernante mexica es sometido a tortura para que revele dónde oculta los supuestos tesoros que guarda Tenochtitlan. Este mural se observa en el Museo del Palacio de Bellas Artes. Del porfirismo a la Revolución (1957-1966) Ubicado en el Museo Nacional de Historia del Castillo de Chapultepec, simboliza el régimen de Porfirio Díaz y la transición del movimiento armado, con obreros tras la represión de la huelga de Cananea, el pueblo en armas, la nación en llamas hasta el fin de la lucha.

José Clemente Orozco, "Prometeus". Museo: Pomona Collegue. Claremont. 1930 Aquí representa a Prometeo, aquel héroe mítico quien se apoderaba del fuego divino para luego entregarlo a los mortales. Es una de las obras más representativas de Orozco. Katharsis Esta es una de las obras cumbres y más reconocidas del muralista mexicano. Fue realizada luego de su regreso a México del Dartmouth College, entre los años 1934 y 1935. Actualmente se encuentra resguardada en el Palacio de Bellas Artes en exhibición permanente. El hombre en llamas Esta pintura fue realizada entre 1938 y 1939, y representa la cultura prehispánica: desde sus ritos, costumbres y aquellos sangrientos sacrificios que en veces se realizaban. Omnisciencia Este mural se encuentra en la Casa de los Azulejos, en la CDMX. Fue pintado por Orozco luego de ser refugiado de la Escuela Nacional Preparatoria, donde era severamente atacado. Llegó ahí gracias a Francisco Sergio Iturbe, dueño de la casa, en 1925.El padre Miguel Hidalgo, 1937 Pintado en el Palacio de Gobierno del Estado de Jalisco, en Guadalajara, Jalisco.

NEOVANGUARDIA

INFORMALISMO ROBERTO GRECO

ARGENTINA

"Creo en la forma de lo informe…Creo en la pintura vital, en la pintura grito, como en una gran aventura, de la que podemos salir muertos o heridos, pero jamás intactos…”

La década 1960 ve erigirse a la sociedad de masas, la revolución cultural y juvenil, la emergencia de nuevos movimientos sociales: Feministas, Hippies, Movimiento negro y minorías sexuales, la contracultura. En Argentina, luego del golpe del 55 se inicia un largo periodo de inestablididad política.Se dan una serie de gobiernos radicales y de facto, como el de 1966 autodenominada Revolución Argentina, la cual derrocó al presidente Illia (Radical) generando una alta conflictividad política y social. Un hecho importante para ilustrar esta decáda convulsionada es La Noche de los Bastone Largos, el cual fue un violento desalojo de cinco facultades de la Universidad de Buenos Aires por parte de la Policia Federal Argentina. Así, los artistas comienzan a contribuir a la acción política y desbordar el territorio del arte, salir a la calle, ser una fuerza que intenta cambiarlo todo, pero no solo se toparon con la represión dictatorial, sino también con la incomprensión de los partidos, con el mandato que asumió la militancia, los movimientos revolucionarios, etc. En este sentido, dentro de las características podemos encontrar la interpelación no solo a la politica, sino al statuo quo, al arte (el abandono de las instituciones artísticas como museos, galerías) , el salir a la calle, romper los moldes. Se consolidó una tendencia de apertura al arte referencial, una experimentación incansable de nuevos materiales, texturas y soportes, que rompían abiertamente con los lenguajes tradicionales del arte. Como ejemplo de esto encontramos el informalismo, el Movimiento de Arte Destructivo, la performance, el happening, el arte vivo, el conceptualismo, el pop art y el arte efímero fueron formas expresivas fueron formas expresivas que se desarrollaron en el mítico Instituto Di Tella, o en ciertas galerías del circuito porteño.

“El arte vivo es la aventura de lo real. El artista enseñará a ver no con el cuadro sino con el dedo. Enseñará a ver nuevamente aquello que sucede en la calle. El arte vivo busca el objeto, pero al objeto encontrado lo deja en su lugar, no lo transforma, no lo mejora, no lo lleva a la galería de arte. El arte vivo es contemplación y comunicación directa. Quiere terminar con la premeditación, que significa galería y muestra. Debemos meternos en contacto con los elementos vivos de nuestra realidad. Movimiento, tiempo, gente, conversaciones, olores, rumores, lugares y situaciones”.Este manifiesto es del año 1962.

El arte conceptual es aquél donde hay una provocación intelectual, una provocación a pensar en un concepto, que es más importante que la obra en sí (muchas obras del arte conceptual son efímeras, duran un tiempo y desaparecen, o queda sólo la documentación visual de que existieron). Es un arte que se percibe más por la razón que por los sentidos. El arte conceptual es un arte que expresa ideas más que sentimientos. El vivo-dito en particular, consite en que un artista señala cosas (“dito” quiere decir “dedo”) y las declara arte: arte vivo. Por lo general, Greco señala lo que él determina arte vivo “encerrándolas” en un círculo de tiza y firmándolas.

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NEO-VANGUARDIA ARGENTINA

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