fundamentos

500 a.C

3100 a.C.

MESOPOTOMIA

MESOPOTAMIA Y PERSIA El arte mesopotámico tenía carácter cívico: tiene palacios, templos y servicios públicos; tales como murallas, canales de riego, puentes, puertas y fortalezas. En la sociedad caldea el arquitecto disfrutó de alta estimación Las paredes se cubrían de relieves en colores siguiendo esquemas muy simples, en particular los de repetición y simetría.

EGIPTO

EGIPTO •Cultura sedentaria y agrícola •Arquitectura y obra civil •Culto a los muertos, inmortalidad y resurrección •El mito de Isis •El idealismo en la representación. Faraón-Dios •Esquematización narrativa: la pintura •Rigidez narrativa y rigidez política •Pintura a la encáustica •Idealismo y naturalismo: escultura •Mobiliario y objetos suntuarios

GRECIA

LOS ANTECEDENTES HISTÓRICOS (II - I Milenio AC.): •LA CIVILIZACIÓN CRETENSE •LA CIVILIZACIÓN MICÉNICA •LAS INVASIONES INDOEUROPEAS (Los Dorios, los Rodios y los Aqueos) EL TIEMPO HISTÓRICO: •LA POLIS ARCAICA (S. VIII - VI AC. •LA POLIS CLÁSICA (S. V-IV AC.) •LA ETAPA HELENÍSTICA (S. IV-II AC.) (Del Imperio de Alejandro Magno a los Reinos Helenísticos)

ROMA

Roma: designa la entidad política unitaria surgida de la expansión de la ciudad de Roma, llegó a extender sus dominios sobre toda la cuenca del Mediterráneo y gran parte de Europa. Como capital del Imperio romano, se constituyó en una de las primeras grandes metrópolis de la humanidad, centro de una de las civilizaciones antiguas más importantes. Influenció la sociedad, la cultura, la lengua, la literatura, el arte, la arquitectura, la filosofía, la religión, el derecho y la forma de vestir de los siglos sucesivos.

DÓRICO

Dórico: sin basa, columna robusta, fuste en arista viva, éntasis, capitel sencillo, arquitrabe de una sola pieza, friso dividido en triglifos y metopas.

TUMBAS

FUNCIONALIDAD: Expresión de poder Preservar el cuerpo para la vida eterna. CARACTERÍSTICAS: Formas nítidas, geométricas, rotundas Estructuras adinteladas ( conocían las bóvedas, pero líneas rectas dan sensación de eterno) Predominio de la masa sobre los vanos Monumentalidad y colosalismo MATERIALES: Adobe en construcciones civiles. Piedra en templos y tumbas

TEMPLOS

TEMPLO: FUNCIONALIDAD: Culto y económica Uso de piedra: ETERNIDAD Colosalismo: SENTIDO DE PODER ARQUITECTURA ARQUITRABADA

1000 a. C.

100 a. C.

JÓNICO

Jónico: con basa, columna esbelta, fuste acanalado, sin éntasis, capitel con volutas, arquitrabe dividido en tres fajas, friso continuo (puede estar decorado).

CORINTIO

Corintio: similar al jónico, capitel con hojas de acanto.

FUNDAMENTOS I Ángeles del Canto

PIRÁMIDE: Escalonada Acodadas Regulares Pirámide de Gizeh

La Puerta de Istar (o de Ishtar) fue una de las 8 puertas monumentales (10 metros de altura por 14 de ancho) de la muralla interior de Babilonia, a través de la cual se accedía al templo de Marduk, donde se celebraban las fiestas del año nuevo. El nombre de Istar lo recibe de la diosa a la que estaba consagrada.

Templo Dórico de Segesta

Erectión

Templo Corintio de Zeus

COLUMNAS: PAPIROFORME HATÓRICA CAMPANIFORME PALMIFORME

HIPOGEO: Tumbas excavadas en roca Sepultura Tutankamon I, valle de los Reyes, Tebas

PARTES: Avenida de esfinges Obelisco, Pilonos (muro en talud) Patio hipetro rodeado de pórticos Sala hipóstila bosque de columnas Capilla Residencia del Dios Disminuye en tamaño y en luminosidad

El Zigurat es una torre cuadrada de varios pisos escalonados, en cuya cima está el santuario. Las caras se orientan hacia los cuatro puntos cardinales y se sube a los diferentes niveles por medio de una rampa que rodea los cuatro lados, o por dos escaleras simétricas que trepan por el frente o os laterales.

El Coliseo (anfiteatro flavio) hacia el 72-80 Es una de las obras clave de la arquitectura y la ingeniería romanas

Los acueductos trasladaban el agua desde embalses alejados varios kilómetros de las ciudades. Salvaban las ondulaciones del terreno con túneles y con arcadas. Son grandes obras de ingeniería tanto en el diseño y trazado como en la construcción, que busca un mantenimiento bajo y una gran perdurabilidad.

PLANTA DE LA BASÍLICA :En uno de los extremos de la nave principal existía una exedra o un ábside, donde se instalaba la presidencia, mientras que la entrada se efectuaba por el extremo opuesto a través de un pórtico.

El Templo Morada del dios. Origen: mégaron micénico. Planta tipo: pronaos, naos y cella. También templos circulares (tholos).

ÓRDENES CLÁSICOS : Dórico: sin basa, columna robusta, fuste en arista viva, éntasis, capitel sencillo, arquitrabe de una sola pieza, friso dividido en triglifos y metopas. Jónico: con basa, columna esbelta, fuste acanalado, sin éntasis, capitel con volutas, arquitrabe dividido en tres fajas, friso continuo (puede estar decorado). Corintio: similar al jónico, capitel con hojas de acanto.

FRONTÓN CLÁSICO

Un arco de triunfo es un monumento construido para conmemorar una victoria militar, aunque en realidad se usó para festejar a un gobernante.consiste en dos pilastras macizas unidas por un arco, rematadas por una superestructura plana o ático en la que puede estar una estatua o que luce inscripciones conmemorativas

MASTABA: Forma rectangular Estructura trapezoidal Distribución interna: cámara funeraria subterránea pozo, serdab (capilla del doble) falsas puertas Mastaba de Saqqara

PARTES DEL TEMPLO: Avenida de esfinges o carneros de Amón Obelisco, Pilonos (muro en talud) Patio hipetro rodeado de pórticos Sala hipóstila bosque de columnas Capilla Residencia del Dios Disminuye en tamaño y en luminosidad

Sala hipetradel templo de Amón. Imperio Nuevo

ARQUITECTURA PERSA: Herederos de caldeos y asirios, fusionaron arquitectura de éstos con las egipcia y la dotaron de personalidad propia, elegancia y armonía. Uso constante de la columna (en su territorio abundaba la piedra): gran altura (20 mts), sobre base cuadrada o campaniforme, fuste estriado, capitel con cuatro pares de volutas verticales sobre las que apoyaban dos mitades delanteras de toros arrodillados y unidos por el torso. , En su lomo, reposaban las vigas de techumbre.

Los teatros griegos se excavaban en la falda de una colina, lo que permitía fácilmente formar los graderíos para el publico. El graderío ocupaba dos tercios del total y sólo un tercio se reservaba a la escena, donde no había escenografía ni decorado, sino simples columnas de piedra.

Toman de los griegos dórico, Jónico y corintio Introducen dos órdenes nuevos: •El toscano que procede de los etruscos. •El compuesto que mezcla el jónico con el corintio

Panteón de Agripa: El edificio se hizo en dos momentos: –en la época de Augusto y por su sobrino Agripa, la portada con el frontón. –en la época de Adriano, hacia el 120 ordenó la construcción del edificio centralizado y cupulado que es lo más original respetando la fachada de Agripa. Eso generaba una “incongruencia” grande: arquitrabe y ordenación poligonal, con cúpula y ordenación circular.

El circo se usaba para las carreras, en especial de cuadrigas.

El anfiteatro era utilizado para los juegos circenses (ludus circensis) y combates de gladiadores.

El teatro era el lugar donde se representaban diferentes tipos de obras dramáticas.

500 a. C.

EGIPTO

3000 a C

ESCULTURA ROMANA

En la escultura romana es clara la influencia helénica, particularmente en las de carácter religioso, y también la influencia etrusca, sobre todo en el realismo del retrato.En los temas mitológicos encontramos fundamentalmente copias de obras griegas.Va desde el idealismo griego en la República y el Alto Imperio hacia el hieratismo y rigidez de las últimas realizaciones del Bajo Imperio.

MESOPOTAMIA

Se llaman pueblos mesopotámicos los que vivieron en el dilatado valle ubicado entre los ríos Eúfrates y Tigris, que desembocan luego en el Golfo Pérsico, en la península Arábiga ( aproximadamente en el año 4000 a. C ). Los sumerios, acadios, babilónicos, asirios, hititas, caldeos, medos y persas, entre otros.

GRECIA

Características generales: Importancia del HOMBRE. El CÁNON: belleza, número, proporción.Materiales: piedra o mármol; bronce. Técnica criselefantina. Escultura de bulto redondo. Relieves: adaptación al marco arquitectónico. Escultura policromada. Evolución: desde la simplicidad arcaica hasta el barroquismo helenístico.

ARCAICA

Período arcaico (siglos VIII-VI a.C.) Función religiosa. Influencias orientalizantes. Hieratismo, frontalidad, geometrización, sonrisa arcaica. Progreso hacia el naturalismo. Kurós y koré. Dama de Auxerre, El moscóforo.

PRIMER CLASICISMO

Primer clasicismo (estilo severo): etapa de transición, se abandona la frontalidad. Idealismo y expresión contenidas (equilibrio entre el “ethos” y “pathos”). Auriga de Delfos.

PLENITUD CLASICA

Plenitud del Clasicismo (segunda mitad siglo V a.C.): •Naturalismo e idealización. •Búsqueda de la belleza ideal. •Armonía y proporción. •Dominio total de la anatomía y el movimiento: El discóbolo, Mirón •Búsqueda de la proporción humana El Doríforo Policleto •Técnica de los paños mojados , Fidias: Friso de las Panateneas.

CHINA

FIDIAS

FIDIAS: Es el autor que introduce el pleno clasicismo en la escultura ateniense del siglo V a. Cto. Sus obras más importantes se encuentran en la Acrópolis de Atenas, tanto los relieves como las esculturas de bulto redondo

SUMERIOS Y ACADIOS

La finalidad de este tipo de arte, era social y religioso. Su temática era el retrato de los dioses, reyes o altos funcionarios, en cuya ejecución domina la idea de duplicación. Respondía a las leyes de verticalidad, frontalidad y simetría, no conocieron la perspectiva. Había también estilización de las facciones, cabellos y barbas (de cabello rulo).

PINTURA ROMANA

Los procedimientos usados en esta pinturafueron el encausto, el temple y el fresco

BABILIONIOS Y ASIRIOS

ASIRIOS La finalidad esencial del arte asirio es la glorificación del soberano. Pueblo muy guerrero y violento, introduce en los retratos, de canon más alargado que los sumerios, una expresión solemne, deshumanizada, y diversos símbolos de dominio o de opresión como el cetro y la fusta, como se comprueba en la estatua de Asurnasirpal II. La cumbre del arte asirio se encuentra en los relieves: Frisos continuos en los muros, plasman escenas de caza y de guerra. murallas, carros de combate, vegetación, ríos con peces en los que bucean soldados representan los asaltos a ciudades enemigas o las lentas procesiones de los pueblos vencidos.Pero es en las escenas de caza del palacio de ASURBANIPAL donde este arte vivaz alcanza su máxima expresividad.

HELENÍSTICO

PERIODO HELENÍSTICO: Realismo ; sentimiento (pathos) ; barroquización; mayor expresividad; gusto por lo dramático y anecdótico. Temas variados: retrato, desnudo femenino, temas de género (personajes humildes). Diferentes escuelas: o Atenas: extremo realismo. Venus de Milo. o Pérgamo: Grandes composiciones. Relieves Altar de Zeus. o Rodas: colosalismo y movimiento. La Victoria de Samotracia, el Laocoonte y sus hijos. o Alejandría: alegorías. Grupo del Nilo.

1000 a. C.

100 a. C.

PERSIA

PERSAS Y GRIEGOS (539 - 331 a. C.) 539 a.C. – Persas conquistan Imperio Babilónico – CIRO II Mesopotamia se convierte en una provincia del Imperio Persa. 331 a. C. – Griegos conquistan la zona – ALEJANDRO MAGNO

SEGUNDO CLASICISMO

Segundo clasicismo (siglo IV a.C.): menor majestuosidad, canon estético más estilizado, se acentúa el naturalismo, aparece el desnudo femenino. Se busca la belleza a través de lo diverso y expresivo. o Praxíteles (estilo hedonista):. o (estilo moral): Ménade furiosa. o Lisipo (uso del canon): Apoxiomenos.

CERÁMICA

Son recipientes que tienen una utilidad, que determina su forma, pero también en ellas se busca la belleza por ello se decoraban. Elaborados en talleres donde participaban dos clases de artistas: alfareros y pintores. Son un hermoso modo de conocer el universo griego, en ellos podemos ver escenas que van desde la religión, al hogar, desde la guerra a la literatura.

Retrato Romano

Los romanos, como los etruscos, dieron gran importancia al culto a los muertos. Guardaban imágenes de sus antepasados (imagines maiorum) Son retratos naturalistas ( sin idealización )

periodo republicano

Período Republicano- En los retratos de época republicana la escultura romana es de gran realismo, con los rasgos faciales muy acentuados, la escultura consiste en un busto corto, que sólo representa cabeza y cuello. Los hombres llevan el pelo corto

Retratos imperiales

+ “Imagen togata”, como patricio o pontífice máximo, con toga. + “Imagen thoracata”, como imperator, jefe militar, o cónsul, con indumentaria militar, con coraza. Augusto de Prima Porta + “Imagen apoteósica”, como divinidad, desnudo, corona de laurel y el atributo de algún dios.

Siglos II y III

En los retratos de los siglos II y III se tiende a un progresivo barroquismo, el pelo se esculpe más largo y separado de la cabeza, con rizos muy abultados, aparecen las barbas, etc.

FUNDAMENTOS I Ángeles del Canto

REPRESENTACIÓN DE LA CORTE Junto a él aparecen con frecuencia representaciones de funcionarios (escribas, sacerdotes, contables, alcaldes, etc...), con un tratamiento menos hierático, casi naturalista.

RELIEVE: representando escenas de la vida cotidiana del difunto, grandes hazañas bélicas de los faraones, ceremonias religiosas o funerarias, etc. Con frecuencia se acompañan estos relieves con inscripciones jeroglíficas.

PINTURA:Características similares a la escultura en relieve: Ley de frontalidad, hieratismo, etc. Temas: centrada en el ser humano: •Mitología •Vida cotidiana •Carácter funerario •Escritura jeroglífica •Predomina pintura mural y gran variedad de técnicas: fresco, temple, encaustica. •Ausencia de perspectiva, profundidad y volumen. Bidimensionalidad. •Colores vivos y brillantes. Ausencia de modelado. •Color de piel de las mujeres más clara que la de los hombres. • Rigidez narrativa y rigidez política.

Canon: norma compositiva que regula cómo deben ser realizadas las obras. Canon 18 puños (anchura nudillos con pulgar) desde planta del pie hasta mitad de frente

539 a.C. – Persas conquistan Imperio Babilónico – CIRO II Mesopotamia se convierte en una provincia del Imperio Persa. 331 a. C. – Griegos conquistan la zona – ALEJANDRO MAGNO

Son un conjunto de más de 8000 figuras de guerreros y caballos de terracota a tamaño real, que fueron enterradas cerca del autoproclamado primer emperador de China de la Dinastía Qin, Qin Shi Huang, en 210-209 a. C.Se encuentran dentro del Mausoleo de Qin Shi Huang, también conocido como Mausoleo del Primer Emperador Qin. Fueron descubiertos durante unas obras para el abastecimiento de agua, en marzo de 1974 cerca de Xian, provincia de Shaanxi, República Popular China. Desde el año 1987 están considerados como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

KURÓS DE CRESO

Mirón, Él discóbolo

"Atenea Parthenos", escultura de bulto redondo de grandes proporciones que se encontraba en la naos del Partenón. Realizada en bronce y oro, solo nos ha llegado alguna copia de tamaño reducido. La original medía 12 metros de altura.

El Canon es un tratado teórico escrito por Policleto que en la actualidad está casi totalmente perdido. En él se detalla su sistema de composición escultórica y define la distribución proporcional como la correspondencia funcional de las partes y los miembros del cuerpo humano. El tema central de la obra es el hombre perfecto entendido no sólo como perfección física sino como identificación de lo bello, a través de la simetría y la proporción, con lo bueno. La armonía, relación de las partes con el conjunto, era formulada a través de relaciones numéricas atendiendo a un sentido pitagórico de la proporción como orden divino. Con mucha probabilidad, el Doríforo, fue el modelo utilizado por Policleto para ejemplificar su canon.

El conjunto escultórico del Laocoonte pertenece a la escuela de Rodas. Sus autores fueron Agesandro, Polidoro y Atenodoro. Está tallada en una sola pieza de mármol. Mide 2,42 mt. y actualmente se halla expuesta en los Museos Vaticanos.

Desde mediados del Siglo VI Los vasos de ﬁguras negras, como su nombre indica, se decoran empleando ese color para las ﬁguras, dejando el fondo del color de la arcilla.

A ﬁnales del S. VI Los vasos del estilo de ﬁguras rojas pintan el fondo en negro y dejan del color de la arcilla las ﬁguras, los detalles de estas también están perﬁlados en negro

Encaústica es una técnica de pintura que se caracteriza por el uso de la cera como aglutinante de los pigmentos, la mezcla tiene efectos muy cubrientes y es densa y cremosa, la pintura se aplica con un pincel o con una espátula caliente. El acabado es un pulido

REPRESENTACIÓN DEL FARAÓN Se centra en la figura del faraón, encarnación de Egipto e hijo de los dioses, garante de la supervivencia de la civilización egipcia. Siempre en actitud hierática.

SUMERIOS Gudea Patesi(sacerdote de Lagash, 2000 a. C) Esteatita, diorita Sedente, actitud orante, canon de proporciones muy corto.

Código de Amudari

Praxíteles Hermes con Dionisio niño

Con Lisipo la escultura se estiliza, pues alarga el canon de las esculturas y destaca la individualización realista en los retratos. En efecto, uno de sus mayores méritos, fue el de modificar y renovar, en primer lugar, el canon de proporción para la representación del cuerpo humano, que anteriormente se había fijado por Policleto, en relación 1:7. Lisipo revisó el canon aumentándolo a siete cabezas y media

Orestes y Pílades. Grupo de San Ildefonso. Museo del Prado

Séneca

Caracalla

Los romanos construían los mosaicos con pequeñas piezas llamadas teselas, de ahí que se refiriesen a ellos también como opus tessellatum. Son piezas de forma cúbica, hechas de rocas calcáreas o material de vidrio o cerámica, de distintos tamaños. El artista las disponía sobre la superficie, como un puzzle, distribuyendo el color y la forma y aglomerándolas con una masa de cemento.

La pintura romana tuvo como precedentes los frescos de las cámaras funerarias etruscas y la pintura griega, alcanzando un gran desarrollo.- Sin embargo, los restos conservados son mínimos y casi se reducen a los encontrados en las excavaciones de Pompeya y Herculano, donde los historiadores han establecido cuatro estilos

1350

700

renacimiento español

Características Específicas del Renacimiento Español: La estética del Renacimiento se mezcla con estilos puramente ibéricos, como el arte nazarí del agónico reino de Granada, el gótico exaltado y personal de la reina castellana, y las tendencias flamencas en la pintura oficial de la corte y la Iglesia. Se prolonga el Gótico isabelino o flamígero. El arte del Quattrocento triunfa en España cuando en Italia toca a su fin. La asimilación de elementos dio lugar a una personal interpretación del Renacimiento ortodoxo, que se dio en llamar Plateresco. Asimismo, se importan artistas secundarios de Italia, se envían aprendices a los talleres italianos, se traen diseños, plantas arquitectónicas, libros y grabados, cuadros, etc., de los cuales se inspiran personajes, temas y composición. La construcción del Escorial se constituye en un evento generador de una gran actividad artística en el que participan pintores, arquitectos y escultores de Italia y España, y la creación de un prototipo de renacimiento español el llamado estilo Herreriano que influirá en el barroco, en el neoclasicismo y el el siglo XX.

HERRERIANO

3ª etapa: Herreriano (1560-1600) Felipe II Influencia Miguel Ángel simplicidad geométrica, volúmenes cúbicos, regularidad y monumentalidad de las formas, sencillez arquitectónica, en las ventanas adinteladas, las cubiertas de pizarra con buhardillas, los chapiteles en las torres... La sobriedad decorativa: paramentos lisos y los vanos enmarcados por molduras planas, columnas de orden gigante y frontones en las fachadas, bolas y pirámides sobre las cornisas y algunas estatuas.

PURISMO

2ª etapa: Purismo 1530-1560)Carlos V Influencia Italiana caracteriza por una mayor austeridad decorativa generalmente de inspiración clásica. Los edificios de tienen aspecto más sereno, armónico y equilibrado. Simultáneo al Plateresco los mismos arquitectos realizan obras que siguen las pautas de ambos estilos. Se imponen la columna clásica, los entablamentos y las cúpulas. Pedro Machuca Palacio de Carlos V en la Alhambra Diego de Siloé: catedral de Málaga, Granada Covarrubias: Alcázar de Toledo, puerta de Bisagra

PLATERESCO

1ª etapa: Plateresco (1500-1530) Reyes Católicos Estilo propio español, perviven elementos góticos mezclados con renacentistas las nuevas ideas italianas con la tradición gótica española. El nombre proviene de las extremadamente decoradas fachadas de estos edificios similar al trabajo de los plateros. Columnas, medallones clásicos, emblemas heráldicos, grutescos.En paramentos exteriores de los muros están almohadillados, arco de medio punto y arco carpanel de tradición gótica.

VISIGODA

PLANTA : de cruz, basilical y fusión de ambas (cruz inscrita en una estructura basilical). Cabecera de forma cuadrada. Espacios muy compartimentados. COLUMNAS: dos tipos de influencia romana y de influencia bizantina MUROS: sillar sentado en seco, sillarejo y ladrillo. Muros gruesos pocos vanos. CUBIERTA: de madera, bóveda de cañón, Arco de herradura visigodo VANOS: ventanas geminadas.

RENACIMIENTO

El Renacimiento italiano se inició en un época de grandes cambios culturales, en los siglos XV y XVI, se produjo en Italia un formidable movimiento artístico y de grandes logros que supero al de otros países. La palabra Renacimiento (Rinascimento en italiano) tiene un significado explícito, que representa el renovado interés del período en la cultura de la antigüedad clásica, luego de lo que allí mismo se etiquetó como la “edad oscura”. Estos cambios, aunque significativos, estuvieron concentrados en las clases altas, y para la gran mayoría de la población la vida cambió poco en relación a la Edad Media.Búsqueda de la inspiración en la Antigüedad clásica (Grecia y Roma): formas simples, armonía de proporciones, uso de elementos arquitectónicos del mundo clásico (frontones, columnas, cúpula, arco de medio punto, etc.), uso del desnudo en pintura y escultura. Dominio de la perspectiva: dando una sensación más real al representarse la profundidad, a través de la utilización de formas geométricas, de estudios matemáticos y de la luz. El hombre como centro: retorno a la medida humana (equilibrio entre planta y altura, prevalencia de lo horizontal sobre lo vertical, edificios adaptados a la medida humanas y a sus necesidades, ...) y representaciones humanas en escultura y pintura. Observación e imitación de la naturaleza: imitación de la realidad (investigación sobre el espacio, perspectiva, luz …), pero de forma idealizada, buscando la belleza y la perfección técnica. Cambio en los temas: en arquitectura, junto a las iglesias, se construyen palacios, ayuntamientos, universidades, hospitales y plazas públicas. Pintores y escultores no sólo realizan obras religiosas, también retratos y escenas mitológicas. Importancia de los mecenas para el apoyo y desarrollo del arte. Valoración del artista, aparición del concepto de genio (Vasari en el libro vida de los artistas)

GÓTICO

El Gótico se desarrolla entre mediados del siglo XII y principios del siglo XVI, salvo en Italia, donde el Renacimiento se inicia a principios del siglo XV. La arquitectura gótica nace y se desarrolla en la Isla de Francia (París). Gótico Inicial (1150- 1200)Conviven elementos románicos con otros del gótico. Se incluyen en este gótico los monasterios del Cister. Gótico pleno (Siglos XIII y XIV) En el siglo XIII el gótico alcanza todas sus características y elementos representativos: verticalidad, preponderancia del vano sobre el muro, etc. Es la época de las grandes catedrales. . En el siglos XIV la arquitectura sigue haciéndose más esbelta y empieza a darse una relativa independencia de la escultura y pintura. Gótico florido o flamígero Es la fase decadente correspondiente al siglo XV en que se produce una explosión decorativa, hasta el punto de hablar de barroquización del gótico. Junto al arco ojival se usan nuevos arcos como el escarzado, carpanel (tres centros) y conopial (cuatro centros) .

NEOCLÁSICO

BARROCO

Barroco En Italia aparecen las características definitorias del barroco que siguen la línea marcada por el manierismo, pero sustituyendo su simbolismo y su idealismo por un marcado naturalismo. •El tema religioso será dominante. Iglesias. •Decoración profusa (contra el Renacimiento) que busca impresionar. •Naturalismo ( contra el manierismo) preferencia por lo inmediato y lo cotidiano y realismo ( piel y ropa) se busca la cercanía. •Dramatismo se busca expresar sentimientos y estados anímicos, transmitir emoción. Se destaca el Pathos (emociones incontrolables) sobre el hete ( emociones controladas) •Teatralidad ( composiciones escenográficas) La escultura y la arquitectura se complementan. La arquitectura sirve de escenario para la escultura. •Búsqueda del movimiento con una preferencia por lo curvilíneo (como el manierismo) para expresar movimiento y tensión, ruptura con el equilibrio clásico. •Fuertes contrastes cromáticos y luminosos que buscan centrar la atención.

1000

1500

ROMÁNICO

El Románico fue un estilo artístico predominante en Europa durante los siglos XI, XII y parte del XIII. Fue el primer gran estilo claramente cristiano y europeo que agrupó influencia romana, prerrománica, bizantina, germánica y árabe y consiguió formular un lenguaje específico y coherente aplicado a todas las manifestaciones artísticas.Surgió de manera paulatina y casi simultánea en España, Francia, Italia, Alemania Surge como consecuencia de la prosperidad material y de la renovación espiritual .Se difundió por toda Europa, debido a: –Expansión de las órdenes religiosas (Cluny y Císter) que construyen monasterios y Las peregrinaciones

PRERROMÁNICO ASTURIONO

PLANTA: de cruz latina, tres altares. MUROS: de piedra pequeña sin labrar, celosías de piedra, decoración por sogueado. Grandes contrafuertes de sujeción en el exterior. CUBIERTA: bóveda de cañón, arcos de herradura, arcos fajones y arcos cubiertos con alfiz, columnas adosadas al muro. VANOS: ventanas geminadas.

CAROLINGIO

ARTE CAROLINGIO VIII-IX Influencia de la arquitectura romana y bizantina. Utilización del mármol y piedra. PLANTA: centralizada poligonal, cruz griega en Francia, en Italia basilical. Construcción de los primeros monasterios con edificios específicos para sus diferentes funciones.

ALMOHADES

ALMOHADES: Sus obras se caracterizarán por el empleo sistemático del sillarejo o la mampostería combinadas hiladas de ladrillo; por los novedosos perfiles polilobulados o de herradura apuntad de los arcos, por sus espectaculares bóvedas de mocárabes, y por los artesonados de lazo y armaduras de par y nudillo.

NAZARÍ

El arte nazarí, también llamado arte granadino, constituye la última etapa del arte hispanomusulmán. La obra por antonomasia que define a la dinastía nazarí (1237-1492) es la Alhambra,

CALIFATO OMEYA

Mezquita de Córdoba. El espacio interno de la mezquita produce una sensación de uniformidad debido a la sucesión de naves idénticas. Es un espacio indiferenciado donde predomina la horizontalidad. Es de destacar la variedad de las columnas reutilizadas romanas y visigodas.

Románico catalán

-ROMÁNICO PRIMITIVO O CATALÁN: Edificios de apariencia austera, en sillarejo o mampostería, generalmente de tres naves, separadas por pilares simples, y cuya cabecera tiene tres ábsides. -Exterior decorado con bandas lombardas y pequeños arcos ciegos. -Esbeltos campanarios, de varios pisos, que también reflejan el primitivo románico lombardo.

Cirtersciense

CISTERCIENSE: Sus construcciones prescinden de los adornos, en consonancia con los preceptos de su orden de ascetismo riguroso y pobreza, consiguiendo unos espacios conceptuales, limpios y originales. Su estilo se inscribe en el final del románico, con elementos del gótico inicial, lo que se ha llamado "estilo de transición".

Románico Pleno

Floreció en el reino de Castilla, sobre todo. Escultura en fachadas Puertas monumentales Ventanas de medio punto con abocinamiento Canecillos a menudo decorados.

FUNDAMENTOS I Ángeles del

BRUNELLESCHI

BRUNELLESCHI• Considerado pro su cúpula de Santa Maria de las Flores como el primer arquitecto renacentista. •Gran conocimiento matemático que le permitió levantar la cúpula pero también crear obras de una perfecta proporción numérica, conmodulatio. •En su interés por respeta las proporciones y medidas va a crear el dado brunelleschiano, fragmento de entablamento que se coloca sobre la columna para evitar que su longitud fuera mayor al doble del intercolumnio. •En los interiores se decantará por una luz diáfana, pura, ayudado por el uso de la pietra serena para las columnas y los arcos.

ALBERTI

ALBERTI –Humanista completo, matemático, arquitecto, arqueólogo, poeta…. –Gran tratadista más que arquitecto, “De re aedificatoria” acabada en 1460. –Preocupado sobre todo en temas de perspectiva y recuperación de las formas clásicas. –Obras: •Palacio Rucellai.: Modelo de palacio renacentista mejorando el planteamiento de Michellozo. –Alternancia de órdenes, toscano, jónico y corintio. –Banco corrido en el zócalo que está realizado imitando el opus reticulatum romano.

BRAMANTE

Bramante. ras el templete de San Pietro in Montorio, en noviembre de 1503, es nombrado arquitecto pontificio, llevando a cabo dos intervenciones: el llamado Palacio de los Papas y la nueva Basílica de San Pedro en el Vaticano, proyecto este último que solo llegó a comenzar y que sería más tarde continuado y modificado por Rafael, Antonio de Sangallo y Miguel Ángel, para ser concluido en el siglo XVII por Carlo Maderno.

Se emplean todos los órdenes (dórico, jónico, corintio, toscano, compuesto) de columnas y sus entablamentos, aunque se prefieren las proporciones gigantes. Las columnas pierden sus proporciones clásicas y se hacen monumentales o enanas, según convenga al efecto del conjunto. Fustes retorcidos, salomónicos.Los arcos son muy variados: medio punto, elípticos, mixtilíneos, ovales.Las fachadas se curvan se van haciendo más movidas y ricas en claroscuro. Se llenan de esculturas, las columnas se desprenden del muro y el efecto general es de mayor riqueza y movimiento. Se ensayan nuevas bóvedas ovales o estrelladas, multiplicándose las cúpulas en el exterior del edificio.La cúpula sobresale en el exterior, pero interiormente será absorbida, como superficie semiesférica pura, por un torbellino de figuras, pinturas, molduras o fingidos cielos Catedral de Murcia

•Reproduce con mayor o menor fidelidad los monumentos clásicos •Utiliza los órdenes clásicos, • Elementos etruscos e incluso egipcios. •En la fachada –Composición clásica del templo romano –Pilastras adosadas, molduras •Decoración: –Guirnaldas, jarrones, roleos, grecas •Predominio de las líneas rectas •Estatismo

SANTA MARÍA DI FIORI BRUNELLESCHI

HOSPITAL DE LOS INOCENTES BRUNELLESCHI

La catedral gótica es el edificio más representativo de la nueva sociedad urbana. Es la Iglesia de la ciudad. Se caracteriza por su verticalidad y su luminosidad. En las catedrales las columnas ganan altura gracias a los nuevos avances técnicos. Estas nuevas técnicas constructivas permite rasgar los muros y sustituirlos por vidrieras de colores. CATEDRAL DE LEÓN

San clemente de Tahull

San Martín de Frómista

Cisterciense

Mezquita de Córdoba

LA ALHAMBRA DE GRANADA

Torre del oro

San Juan de Baños

Santa María del Naranco

Capilla Palatina de Aquistram

Síntesis de elementos: •Herencia greco-romana: plantas basilicales, órdenes arquitectónicos, elementos decorativos. •Aportación cristiana: temática religiosa. •Influjo oriental: plantas de cruz griega, la cúpula de origen bizantino, elementos decorativos. •Elementos decorativos germánicos: de sus utensilios, armas y joyas.

ARCO VISIGODO: Este arco no es tan cerrado como el que luego será usado por los hispano- musulmanes y otros habitantes peninsulares.

ARCO ÁRABE

Planta de cruz latina, de tres o cinco naves y pilares compuestos. Girola o deambulatorio con absidiolos. Transepto destacado en planta Tribunas o triforios Son edificios totalmente abovedados ( bóveda de cañón y de aristas) y con varias torres. El cimborrio va a ejercer una importante función lumínica.

Las puertas tienen arquivoltas abocinadas y tímpano con relieves. Parteluz

PLANTA DE SALÓN Dividida en cinco naves, que en la cabecera generan un doble deambulatorio. El transepto no suele sobresalir exteriormente, ya que queda integrado en el cuerpo longitudinal del edificio, aunque se siguen abriendo pórticos a su exterior. Abside , Absidiolos ( capillas radiales)

El alzado interior de la catedral se articula en: arcadas que separan la nave central de las laterales; triforio a modo de galería abierta sobre la nave central; y claristorio, con vanos cubiertos de vidrieras que posibilitan el paso de la luz exterior.

ARBOTANTE Estructura en forma de medio arco colocada en la parte exterior de un edificio que transmite el peso de la bóveda hacia los contrafuertes.

BÓVEDA DE CRUCERÍA SIMPLE Y SEXPARTITA

ARCO GÓTICO APUNTADO

BÓBEDA BAÍDA

RECTÁGULO ÁUREO

SAN ANDRES DE MANTUA ALBERTI El concepto de PÓRTICO MONUMENTAL de los arcos de triunfo romanos, inspiró a Alberti para diseñar la fachada de esta iglesia, rematada por un frontón triangular en lugar del ático clásico.

Brunellechi. Capilla Pazzi –Pequeña capilla en el claustro de la iglesia de la Santa Croce. Desarrollo de toda la teoría de la conmodulatio. •El edificio consta de tres núcleos: el pórtico, el espacio central y la capilla del testero. Las dos cúpulas menores son el módulo, la mayor es el doble luego su diámetro es 4 veces el módulo. •Las bóvedas de cañón de la sala central tienen una unidad por lo cual las del pórtico tienen dos más uno doble del vano de acceso lo que nos da 6 que es la longitud del lado mayor de la sala central. •El efecto donde se juegan con los números, 1, 2, 3, 4 y 6, se refuerza con el uso interno de la pietra serena y el enlucido de los muros.

Alberti Santa Maria Novella. •Iglesia gótica fachada renacentista aunque la parte inferior sigue siendo gótica. •Incorporación de elementos clásicos como los pilastras, los arcos de medio punto y los aletones para que sirvan de transición entre el cuerpo inferior y el superior.

PLANTA TEMPLETE BRAMANTE

TEMPLETE BRAMANTE: Encargo de los Reyes Católicos, que para conmemorar la Toma de Granada (1492) deciden levantar una iglesia en honor a san Pedro apóstol. En el lugar en que se cree fue martirizado se construyó en 1502 el Templete de San Pietro in Montorio o tempietto. Este templete fue casi una especie de prueba por parte del papa Julio II. Está considerado uno de los edificios más armoniosos del Renacimiento. A pesar de su pequeño tamaño, la construcción tiene todas las proporciones rigurosas y la simetría de las estructuras clásicas, rodeado por finas columnas toscanas, con una cúpula por encima.

El S. XV conoció el impulso definitivo de la arquitectura civil, que en el ámbito de las finanzas tuvo su máximo exponente en la construcción de lonjas (edificios destinados a albergar actividades mercantiles y que eran el reflejo del dinamismo de la clase comercial).

EL BALDAQUINO DE SAN PEDRO, BASÍLICA DE SAN PEDRO DEL VATICANO, ROMA. Encargado por UrbanoVIII y situado en el crucero de la basílica Mezcla arquitectura, escultura y pintura Altar de bronce, sostenido por 4 columnas gigantes( salomónicas) torneadas en espiral y rematadas por un capitel compuesto. Encima dispone un entablamento curvado, coronado por un dosel con ángeles y volutas que se reúnen en el centro para sostener el globo terráqueo y la cruz

COLUMNA SALOMÓNICA: tiene fuste torsionado en forma de espiral

ESTIPITE: soporte vertical cuyo tronco tiene forma de pirámide invertida, puede resultar muy complejo al yuxtaponerse, en ocasiones, diversos elementos.

Iglesia de San Andrés del Quirinal, 1658-70.G. Bernini. La tradicional planta rectangular da paso a plantas elípticas, circulares y mixtas. Se da un claro predominio de la “Planta jesuítica”

Los edificios expresaban el deseo de romper con el estilo barroco del período anterior, diferenciándose en los siguientes aspectos: a decoración esculpida limitada, casi inexistente la puesta en valor de la superficie mineral del edificio, muros desnudos o en almohadillado Con Napoleón se hace más pesado y decorativo

1500

1000

ROMÁNICO

•La iconografía se basa en el simbolismo cristiano, pero está muy marcada por la ilustración miniada de las biblias y del Apocalipsis que se realizó durante la alta edad media. •Relatos del Antiguo Testamento, del Apocalipsis … y con la representación de los animales fantásticos de que habla Juan en el Apocalipsis a partir de los bestiarios alto medievales.

RAFAEL

RAFAEL Dibujo preciso Amplia gama de colores Sfumato de Leonardo y expresividad de Miguel Ángel

PINTURA RENACIMIENTO

Evocación de lo antiguo, cuya belleza idealizada pretendían tomar como ejemplo. Observación viva de la naturaleza. Los cuadros se sitúan en paisajes naturales que se intentan recrear con fidelidad, o en marcos arquitectónicos, en los que columnas, frontones, palacios y templos sirven de excusa a alardes de perspectiva. La figura humana se convierte en centro y medida de todas las cosas. El estudio de la anatomía, incluso la realización de autopsias, ayuda a los artistas a comprender la realidad del cuerpo humano Dominio de la perspectiva, y de las técnicas compositivas Los efectos de luces y sombras como el claroscuro o la grisalla. De ahí técnicas nuevas como el esfumado Continúan realizándose decoraciones murales al temple y al fresco., aunque se extiende el uso del lienzo. Cuadro único. Se introducen nuevos temas, como los mitológicos, alegorías y temas históricos.

ESCULTURA GÓTICA

ESCULTURA GÓTICA Progresiva liberación del marco arquitectónico. Naturalismo.Las imágenes expresan sentimientos. Realismo El artista tiene libertad para hacer sus obras y las firmará. Gran importancia de la escultura funeraria.

BOTTICHELLI

BOTTICHELLI Trabajó para los Medici.Delicaleza y melancolía, modelo de belleza femenina. Línea fina de contorno.Escorzo Las figuras parecen flotar . Temple sobre tabla

TINTORETTO

Por su fenomenal energía y ahínco a la hora de pintar fue apodado Il Furioso, y su dramático uso de la perspectiva y los especiales efectos de luz hacen de él un precursor del arte barroco. Sus trabajos más famosos son una serie de pinturas sobre la vida de Jesús y la Virgen María en la Scuola Grande di San Rocco de Venecia.

TIZIANO

La maestría de Tiziano para el retrato le otorgó una amplia fama durante toda su vida. Pintó fielmente a príncipes, duques, cardenales, monjes, artistas y escritores. El reflejo de la psicología de los retratados, la claridad de los rasgos y la instantaneidad de las figuras elevan a Tiziano a la altura de los mejores retratistas de la Historia, como Rembrandt o Velázquez. El rey nombró a Tiziano «pintor primero» de la corona de España, y quizás por ello hay tanta obra suya en el Prado. Entre encargos realizó muchas escenas mitológicas,pero también asombrosas obras religiosas que hicieron que también el Papa Pablo III cayera rendido ante su arte. Tiziano fue uno de los soldados culturales de la Contrarreforma. La iglesia católica necesitaba artistas como él para crear la iconografía necesaria para expandir su ideología y este lo aprovechó al máximo. El pintor continuó aceptando encargos hasta el fin de sus días, y murió con los pinceles en la mano a causa de la peste negra. El respeto a su figura permitió que sus restos no fueran incinerados como obligaban las autoridades. Siglos después su obra sigue siendo venerada. Sus colores cambiaron el rumbo del arte. Sin diseños preparatorios, Tiziano pintaba directamente sobre el lienzo y el resultado denota esa inmediatez y frescura. Un uso del color, vívido y luminoso, con una pincelada suelta y una delicadeza en las modulaciones cromáticas sin precedentes en la Historia del Arte occidental. Un verdadero impresionista del XVI.

LEONARDO

LEONARDO Dibujo preciso, gusto por el detalle. Sonrisa misteriosa. Invención del sfumato, difuminar los contornos .Perspectiva aérea Etapa Florentina( perspectiva y luz) Etapa Milanesa( desde 1482) Al servicio de Ludovico Sforza, como pintor , escultor e ingeniero Segunda etapa Florentina( desde 1550)Trabaja para César Borgia( hijo del papa Alejandro VI)

1200

1600

Gótico lineal

GÓTICO LINEAL Extendido por toda Europa. Importancia de la línea y del contorno. Colores planos y vivos.. Escenas bajo arquerías góticas. Ausencia de luz natural. Desinterés por el espacio: ausencia de perspectiva. Figuras recortadas sobre fondos neutros. Movimiento indicado por los pliegues de las vestimentas.

Escuela italogótica

ESCUELA ITALO GÓTICA Ruptura con la tradición bizantina en beneficio de un mayor naturalismo. Nuevo tratamiento del espacio y de las figuras. Los fondos neutros desaparecen y dejan lugar a entornos naturales o arquitectónicos. Aumento de la riqueza gestual. Creciente importancia del estudio anatómico. Estudio de la luz. Mantenimiento de fondos dorados, frontalidad, composiciones planas y perspectivas forzadas.

Pintura Flamenca

Gran realismo.Representación de lo cotidiano.Inclusión de paisajes. Descontextualización de los personajes sagrados.. Gran detallismo en la representación de arquitecturas o paisajes.. Valor simbólico de todos los elementos..Apariencia escultórica y volumétrica de las figuras..Importancia de la luz, que crea gamas de tonos de colores brillantes e intensos.. Estudio del espacio: profundidad. Introducción de la técnica al óleo: pigmentos mezclados con aceite de linaza o nuez.Transparencias y veladuras. Colorido más brillante..Tabla como principal soporte. Temática religiosa.

TRECENTO

QUATROCENTO

Estos artistas se diferenciaron del gótico precedente al colocar las figuras en espacios arquitectónicos que procuran representar con la debida perspectiva. El centro de atención es la figura humana, generalmente idealizada, estudiada en diversas posturas y movimientos. Las proporciones humanas volvieron a normalizarse. Se perfeccionó así la tridimensionalidad y se sentaron las bases del estilo renacentista. Quattrocento Precedente: Giotto. Gran desarrollo en el uso de la luz. Falta de cohesión entre color y forma. Belleza idealizada (desnudos). Tema religioso desde un punto de vista sexual. Autores: Masaccio, Fra Angélico, Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Paolo Uccello, Filippo Lippi y Andrea Mantegna.

ESCUELA VENECIANA

ESCUELA VENECIANA Características del estilo: •Predominio del color en detrimento del dibujo •Importancia de los temas secundarios: los paisajes de fondo, lo anecdótico y los detalles •Arte sensual, desnudos Autores Giorgone, Tiziano, Tintoretto, Veronés

FUNDAMENTOS I Ángeles del Canto

QUINCECENTO

La pintura del Cinquecento supone la cumbre del Renacimiento italiano. Se desarrolló, como su nombre indica, en la Italia del siglo XVI.Sigue trabajándose sobre todo temática religiosa, pero se tratan también otros temas. Los pintores ya no se obsesionan con la perspectiva lineal y geométrica, sino que procuran una mayor naturalidad en sus obras. Rafael y las obras de juventud de Miguel Ángel ejemplifican esta serenidad ideal, buscando el modelo ideal que subyace a las formas naturales del cuerpo humano.diferenciar a los cuadros del Cinquecento de los del Quattrocento: el uso de la luz. Autores: Leonardo, Miguel Ángel , Rafael

VERONÉS

Veronés. Su temática es predominantemente religiosa, pero representa las escenas bíblicas al modo de las grandes fiestas venecianas, reflejando la alegría de vivir y el esplendor de la República de los dogos. Los trajes son fastuosos y el ambiente, suntuoso, poblado de multitud de personajes en grandilocuentes ambientaciones. Estos alardes creativos chocaban frontalmente con la fidelidad histórica de los hechos bíblicos, lo que motivó las fricciones entre el artista y la Iglesia.

ESCULTURA RENACENTISTA

•Se independiza de la arquitectura (bulto redondo), pasa a ser un arte mayor. •Mayor uso de materiales nobles: mármol y bronce. •Búsqueda de la belleza y la proporción siguiendo las ideas neoplatónicas. •Importancia del cuerpo humano (antropocentrismo) •Perfecto tratamiento anatómico, pero es un naturalismo idealizado. Recupera las proporciones del mundo clásico Temas: los retratos, la escultura ecuestre y aparece el desnudo. • Representación del espacio, estudio de la perspectiva, con líneas de fuga, y combinación de alto, medio y bajo relieve. La incorporación del entorno de la obra

MIGUEL ÁNGEL

Miguel Ángel. Etapas: Etapa clásica. Equilibrio y calma Etapa manierista. •Desequilibrio e inestabilidad •Desproporción, alargamiento y monumentalidad •Desinterés por la belleza. •Inacabado •Serpentinata: giro helicoidal •Terribilitá: sensación de fuerza fruto de mezclar lo colosal con la tensión interna( musculatura), el movimiento y una gran expresividad

GIOTTO

GIOTTO Iniciador de la pintura renacentista. Triunfo del naturalismo. Estudio de las diversidad de actitudes humanas. Gran realismo anatómico. Figuras con mucho volumen y macizas. Ojos rasgados y labios entreabiertos. Transmisión de sentimientos. Integración en espacios naturales y arquitectónicos a modo de escenarios teatrales. Utilización de la luz para modelar las figuras. Gradación de colores.

MASACCIO

Primer pintor renacentista Primero en dominar la perspectiva lineal y atmosférica Monumentalidad y volumen de las figuras jugando con la luz

FRA ANGÉLICO

Fray Angélico combinó la elegancia decorativa del gótico con el estilo más realista de otros maestros del renacimiento como el pintor Masaccio y los escultores Ghiberti y Donatello y aplicó también las teorías sobre la perspectiva de León Battista Alberti. Las expresiones de devoción en los rostros son muy logradas, así como la utilización del color que consigue dar mayor intensidad emotiva a la obra. Su maestría en la creación de figuras monumentales, en la representación del movimiento y en la capacidad para crear planos de profundidad a través de la perspectiva lineal, especialmente en los frescos realizados en Roma, lo confirman como uno de los pintores más importantes del primer Renacimiento.

PAOLO UCELLO

Paolo Ucello se complació en investigar los complicados mecanismos y las extrañas obras del arte de la perspectiva, subrayando su rasgo más distintivo, esto es, el interés, casi obsesivo, por la construcción en perspectiva. Esta característica, junto con la adhesión al clima del Gótico internacional, hace de él una figura de límites entre dos mundos figurativos, siguiendo un curso artístico entre los más autónomos del Quattrocento. Usó la perspectiva para crear la sensación de profundidad en sus pinturas y no, como sus contemporáneos, para narrar historias diferentes o que se suceden en el tiempo.

DE LA FRANCHESCA

Piero de la Franchesca. Pintor especialista en frescos, pero en su época fue conocido también como un geómetra y matemático, maestro de la perspectiva y de la geometría euclidiana, temas en los que se concentró a partir del año 1470. Su pintura se caracterizó por su estilo sereno y el uso de las formas geométricas, particularmente en relación con la perspectiva y la luz.

PERUGINO

Perugino. La pureza formal, la serenidad de las composiciones de gran tamaño, el dibujo bien definido y elegante, el color claro, lleno de luz y con refinadas modulaciones del claroscuro, los personajes liberados de características terrenales e investidos de un «aire angelical y muy dulce».

LEONARDO DA VINCI

•La “Maiestas Domini” o Cristo en Majestad Jesús-Dios, omnipotente, que preside todo el cosmos, al que bendice o juzga, con el libro (evangelio) en la mano y es acompañado por los evangelistas.(Tetramorphos) Perspectiva jerárquica: tamaño superior al de cualquier otra figura, y lugar central y elevado en la composición,y expresión atemporal. Casi siempre aparece enmarcado en un óvalo: mandorla ( marco o aureola en forma oval o de almendra en donde se insertan personajes sagrados, siendo el más frecuente Jesucristo pero también, la Virgen María o los santos)

La portada, el punto en que entra en contacto lo profano con lo sagrado, es el lugar preferente para desplegar la potencia plástica de la escultura. –el tímpano –los arcos –los capiteles y, a menudo, –las propias columnas. –También puede añadirse uno o más frisos en relación con el tema del tímpano.

Los motivos representados en los capiteles se relacionan con la zona en la que esten situados dentro de la iglesia o de el claustro .La izquierda según la orientación de la iglesia era el norte mas oscura solia representar el pecado, la derecha la virtud al ser una zona mas luminosa. Adopta el bestiario procedente del mundo grecoromano, bizantino y persa dotándolo de significado sagrado.

Obtención de la pasta vítrea: El vidrio se obtiene a unos 1500 °C a partir de arena de sílice , 60% carbonato de sodio y caliza . A esa pasta se le añadía color utilizando, manganeso, cobalto en función de el color que se deseaba dentro del crisol que se calentaba en el horno a altísimas temperaturas

El habitual parteluz de las puertas góticas suele ser ocupado por una "figura amable" que da la bienvenida al feligrés, como Cristo Maestro o La Virgen en Majestad. Se simboliza la entrada al paraíso y por ello es una entrada amable.

Anunciación 1333 SIMONE MARTINI Galería de los Uffizi Florencia

Bestiario medieval, es una recopilación o compendio de animales fabulosos.

MASACCIO LA TRINIDAD. Santa María Novella FLORENCIA. Mural al fresco. Primer pintor renacentista. Primero en dominar la perspectiva lineal y atmosférica. Monumentalidad y volumen de las figuras jugando con la luz

Fray Angélico combinó la elegancia decorativa del gótico, en particular del gótico internacional de Gentile da Fabriano, con el estilo más realista de otros maestros del renacimiento como el pintor Masaccio y los escultores Ghiberti y Donatello, que trabajaban en Florencia, y aplicó también las teorías sobre la perspectiva de León Battista Alberti. Las expresiones de devoción en los rostros son muy logradas, así como la utilización del color que consigue dar mayor intensidad emotiva a la obra. Su maestría en la creación de figuras monumentales, en la representación del movimiento y en la capacidad para crear planos de profundidad a través de la perspectiva lineal, especialmente en los frescos realizados en Roma, lo confirman como uno de los pintores más importantes del primer Renacimiento.

PIERO DELLA FRANCHESCA La Flagelación Matemático: geometría de composiciones y estudio de la perspectiva Monumentalidad Contornos marcados

PERUGINO Entrega de las llaves San Pedro Figuras femeninas delicadas Simetría Pintura al óleo Perspectiva Lineal

SANDRO BOTTICHELLI La primavera

La última cena

ESCUELA DE ATENAS RAFAEL

TIZIANO Venus de Urbino

Transi: efigie de un difunto representado en estado de cadaver. Este tipo de esculturas funerarias se pusieron de moda durante el s. XIV en el contexto de los estragos causados por la peste negra. Inciden en las ideas de caducidad del cuerpo y la fugacidad de la vida terrenal, como recordatorio de la necesidad de cuidar el alma para disfrutar de la otra vida

Otra manifestación escultórica importante es el de los sepulcros esculpidos que pueden ser de dos tipos: -Adosados: de arcos solio. -Exentos: la cama funeraria está separada del muro. Se decoran los lados de la cama funeraria, y ésta se apoya en figuras animales. Sobre la cama funeraria ser suele representar al fallecido en posición yaciente y orante.

Fresco: pintura mural Aglutinante es la cal. Se pinta sobre el revoco de la pared aún húmedo Giotto Frescos de la vida de San Francisco de Asís Nacimiento de la Virgen . Giotto

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El lavatorio . El artista representa el episodio de Cristo y san Pedro en un extremo de la composición. La mayor parte del lienzo está ocupado por la estancia donde se desarrolla la Última Cena, con la mesa y los discípulos en torno a ella. En el centro destaca un perro, y detrás los apóstoles descalzándose o en diversas posturas y escorzos.. El extremo de la izquierda está dominado por otro apóstol que se está desatando el calzado, cuya esculturalidad se asemeja a las poderosas anatomías de Miguel Ángel.

Veronés. Las bodas de Canaá

En el relieve se utilizaron la arquitectura y las recién adquiridas leyes de la perspectiva para componer los fondos de las representaciones, como en la célebre puerta del Paraíso de Ghiberti o en los relieves con la técnica de stiacciato para el altar de San Antonio en Padua realizados por Donatello.

Donatello .DAVID, Primera escultura desnuda exenta desde la antigüedad. porta un sombrero típico toscano. Reposa tras vencer al gigante Goliat. Representa la victoria de Florencia sobre Milán, encargo de los Médici. Contraposto

La bóveda de la Capilla Sixtina de Roma es un conjunto de pinturas al fresco realizadas para decorar la bóveda de la Capilla Sixtina, en la Ciudad del Vaticano (Roma). Es una de las obras pictóricas más complejas de toda la historia del arte, encargada por el papa Julio II para sustituir la pintura que había en aquel momento a base de un fondo azul con estrellas doradas. En la bóveda de cañón rebajada, el artista diseñó una complicada arquitectura simulada donde incluyó el desarrollo de historias del Génesis, narradas desde el extremo del altar hasta la puerta de entrada de la capilla en más de 500 m2 de espacio. Desde 1508 hasta el otoño de 1512 Miguel Ángel trabajó solo en su realización, sin ayudantes. El 1 de noviembre de 1512 se celebró la primera misa en la capilla, después de acabada la pintura de la bóveda

David. Miguel Ángel. Sus obras rompen con el clasicismo imperante y buscan plasmar realismo, pero también expresividad y, sobre todo, movimiento. La serie de los Esclavos son la mejor muestra de ese anhelo que parecen mostrar las figuras trabajadas por el artista renacentista, que se contorsionan como si lucharan por salir del bloque de piedra que las retiene. Esta sensación de movimiento la consiguió con el contrapposto,S Los protagonistas de sus obras expresan sus sentimientos y expresiones de manera dramática: es lo que se ha denominado la terribilitá. Sus personajes muestran miradas penetrantes y profundas. Y no solo en los rostros; también los cuerpos expresan tensión contenida, fuerza. Las manos del David son buena prueba de ello, con sus venas y tendones bien definidos. También el torso, las piernas… Toda la musculatura, todos los detalles anatómicos están representados de manera excepcional en esta escultura

1500

ESCULTURA

Las intensas relaciones políticas con Italia y la existencia de dominios españoles en tierras italianas, favorecieron la llegada de la influencia renacentista a la escultura española. En lo que se refiere a los materiales, apenas hay escultura en bronce. Los sepulcros se hacen de mármol. El material la madera tallada y policromada. La temática es casi exclusivamente religiosa, para retablos, sillerías de coro y sepulcros. También adquiere importancia la escultura procesional. Predomina el realismo expresivo y por lo común se trata de un arte apasionado y dinámico. Por ello, se escogen momentos temáticos tensos y llenos de dramatismo. Sólo en segundo término buscan la belleza formal, tan importante para los italianos.

RENACIMIENTO ESPAÑOL

El intenso arraigo de la tradición gótica flamenca en España, explica el retraso en la difusión de las características de la pintura italiana. Cuando la pintura española se incorpora al Renacimiento, ya en el siglo XVI, no lo hace imitando a los pintores del Quattrocento, salvo en algún artista de transición como Pedro Berruguete, sino que recibe la influencia de los maestros de la Escuela florentino romana e, inmediatamente, la del Manierismo. Algunos pintores se formaron en Italia y fueron ellos quienes difundieron el estilo en nuestro país. Por otra parte, sobre todo en la época de Felipe II, varios artistas italianos se instalaron en España Lucas Jordán (Luca Giordano) Tibaldi que trabajaron en los frescos del Escorial. La técnica preferida fue el óleo sobre tabla, ya utilizada desde el siglo anterior por influencia flamenca. Más tarde se difundió como soporte el lienzo. Igual que ocurría en la escultura, en nuestra pintura renacentista predomina el sentimiento religioso por encima de la belleza formal. El afán primordial es promover la devoción piadosa.

EL BOSCO

Las principales características de las obras de El Bosco son: 1-Perfección técnica y muy buena calidad en el dibujo. 2. Fantasía y originalidad. El Bosco incluye personajes fantásticos que, en ocasiones, llega a recordar a los bestiarios románicos. Parecen temas irreales, como si representaran sueños. Algunos estudiosos lo han relacionado con el surrealismo. Con estas fantasías El Bosco pretende criticar la mala vida y la corrupción de los grupos sociales intocables de su época 3. Utiliza la burla y la ironía.

IMAGINERÍA ESPAÑOLA

Imaginería española: Temática religiosa, en el espíritu de la Contrarreforma Imágenes de estética recargada, representando el sufrimiento humano Se desarrolla en dos zonas: Castellana ( Valladolid) y Andaluza ( Sevilla y Granada) Retablos, Imágenes individuales y grupos procesionales Materiales : Madera policromada Técnica : estofado

BARROCO

El barroco fue una época en donde la exageración, ostentación y opulencia cobran un auge muy fuerte y se marcan como tendencias en todo un continente, no solo en el arte, la literatura o música si no que también en la moda jugando un papel muy importante dado que se dan diversos cambios. Se consideró la decadencia del clasicismo renacentista, siendo el manierismo la etapa de transición entre ambos. En Italia aparecen las características definitorias del barroco que siguen la línea marcada por el manierismo, pero sustituyendo su simbolismo y su idealismo por un marcado naturalismo. •El tema religioso será dominante. Iglesias. •Decoración profusa (contra el Renacimiento) que busca impresionar. •Naturalismo ( contra el manierismo) preferencia por lo inmediato y lo cotidiano y realismo ( piel y ropa) se busca la cercanía. •Dramatismo se busca expresar sentimientos y estados anímicos, transmitir emoción. Se destaca el Pathos (emociones incontrolables) sobre el hete ( emociones controladas) •Teatralidad ( composiciones escenográficas) La escultura y la arquitectura se complementan. La arquitectura sirve de escenario para la escultura. •Búsqueda del movimiento con una preferencia por lo curvilíneo (como el manierismo) para expresar movimiento y tensión, ruptura con el equilibrio clásico. •Fuertes contrastes cromáticos y luminosos que buscan centrar la atención.

1600

1750

ESCULTURA BARROCA

Dramatismo que busca expresar sentimientos y estados anímicos, transmitir emoción. Expresividad helenística la misma cara que tiene el Laoconte tiene Santa Teresa en su éxtasis. Teatralidad ( composiciones escenográficas) La escultura y la arquitectura se complementan. La arquitectura sirve de escenario para la escultura. Amor a lo curvilíneo para expresar movimiento y tensión, las figuras nunca se representan en reposo. Ropa parece agitada por el viento. Fuertes contrastes cromáticos y luminosos que buscan centrar la atención. Juegos de luces y sombras, plegados de ropajes, sensación viva y mutable Composición abierta o centrifuga. Proyección de la obra hacia el exterior.

PINTURA BARROCA

El tenebrismo. Caravaggio, Ribera. Naturalismo. Valdés Leal, Murillo. El realismo. Diego de Silva Velázquez. La pintura flamenca: Rubens. El costumbrismo holandés: Rembrandt, Vermeer, Carel Fabritius

EL GRECO

El Greco. Su formación pictórica fue compleja, obtenida en tres focos culturales muy distintos: su primera formación bizantina fue la causante de importantes aspectos de su estilo que florecieron en su madurez; la segunda la obtuvo en Venecia de los pintores del alto renacimiento, especialmente de Tiziano, aprendiendo la pintura al óleo y su gama de colores —él siempre se consideró parte de la escuela veneciana—; por último, su estancia en Roma le permitió conocer la obra de Miguel Ángel y el manierismo, que se convirtió en su estilo vital, interpretado de una forma autónoma. Su obra se compone de grandes lienzos para retablos de iglesias, numerosos cuadros de devoción para instituciones religiosas, en los que a menudo participó su taller, y un grupo de retratos considerados del máximo nivel.

BERNINI

PINTURA NEOCLÁSICA

La pintura neoclásica. se inspiró menos en los modelos clásicos que apenas se conocían (vasos) Predominio del dibujo y la forma, sobre el color, este último era mero coloreado, que informaba sobre el contenido del cuadro, modelando los objetos representados, sin tener valor estético por sí mismo. La luz clara y fría baña las escenas, casi siempre difusa A veces se usaba el claroscuro, con una iluminación intensa de los personajes que interpretaban la escena en el centro del cuadro, dejando en las tinieblas el resto del cuadro. La superficie del cuadro aparecía lisa, con una factura impecable en la que difícilmente se apreciaban las pinceladas del autor, lo cual contribuía a establecer la distancia entre el autor y el tema y de éste con el espectador. Se cultivó sobre todo el cuadro de historia, reproduciendo los principales hechos de la Revolución francesa y exaltando los mitos clásicos, a los que se identificó con los valores de la Revolución. Los temas representados siempre eran serios y eruditos, con intención moralizante. En España también destacó el retrato

NEOCLÁSICO

El neoclasicismo es un movimiento artístico que se desarrolla en Francia durante casi cien años, desde la segunda mitad del siglo XVIII hasta las primeras décadas del siglo XIX. Se trata por tanto de una época de grandes cambios que supone el final del Antiguo Régimen y el inicio del Nuevo Régimen Liberal. En este proceso de cambio, el acontecimiento principal es la Revolución Francesa, pues supone un antes y un después en la sociedad francesa y también la realidad política europea. •Sus postulados son pureza, luminosidad, exactitud, equilibrio y fidelidad a las artes del pasado: el Clasicismo. Su ideal será el modelo artístico griego y romano. Llevar lo clásico hasta la admiración y a la imitación. Nuevos descubrimientos arqueológicos: Herculano (1738) y Pompeya (1748), ciudades romanas sepultadas por las cenizas del Vesubio en el año 79. •Nuevas teorías estéticas basadas en la Antigüedad: Winckelmann (Historia del Arte de la Antigüedad, 1775), defensor incondicional del arte griego, sus escritos contribuyeron al desarrollo de la estética neoclásica; Lessing (Laocoonte) Es el primer arte no cristiano: sustituye a Dios por el culto a la razón. Su centro es la inteligencia, el testimonio de la luz de la razón. Es por lo tanto, la vertiente artística de la secularización de la cultura (promovida por al Ilustración) y de la Revolución Francesa. Contempla la creación y desarrollo de las academias, donde el artista recibirá una formación de rigor intelectual y fidelidad a las grandes artes del pasado. Los nuevos centros del Arte serán ahora Roma, donde llegarán, generación tras generación, jóvenes artistas, expertos y coleccionistas para formar su gusto y formular sus ideas estéticas, y París, por ser el foco histórico más relevante en cuanto a cambios políticos y sociales que harán posible el desarrollo del nuevo arte.

FUNDAMENTOS I Ángeles del Canto

TIZIANO

CARAVAGGIO

ALONSO BERRUGUETE

Alonso de Berruguete. Estuvo en Italia donde conoció a Miguel Ángel, de cuya obra adoptó la tensión y apasionamiento. Serpentinata También recibió la influencia de Donatello y del Laocoonte. Dio a sus personajes un sentido angustioso y dramático, de modo que son figuras nerviosas, de proporciones alargadas, de musculatura tensa, que parecen retorcerse en posturas inestables.

JOSÉ DE RIBERA

GREGORIO FERNÁNDEZ

VELÁZQUEZ

REMBRANT

RUBENS

VERMEER

ROCOCÓ

El estilo se expresa sobre todo en la pintura, la decoración, el mobiliario, la moda y en el diseño y producción de objetos. Su presencia en la arquitectura y la escultura es menor, puesto que su ámbito fundamental son los interiores y, en menor grado, las composiciones monumentales.

Thorvaldsen

Carpeaux

CÁNOVA

SOFONISBA ANGUISSOLA

ARTEMISA GENTILESCHI

INGRES

MARIE-L. VIGEÉ-LEBRUM

En sus memorias afirma que le interesa captar la personalidad psicológica de sus retratados pero este pensamiento contrasta con la aparente vacuidad de muchos de sus retratos, aunque coincide en esta característica con el resto de retratistas cortesanos de su época. La Revolución truncó su carrera artística en Francia, pero no en el resto de Europa. Fue una de las artistas femeninas más valoradas de su época, y de las más denostadas, sobre todo por ser autora de algunas de las más grandes obras pictóricas de propaganda política del siglo XVIII al servicio de una idealizada María Antonieta

FRAGONARD

MENGS

1730

La Piedad. Gregorio Fernández. Escuela vallisoletana Tratamiento anatómico. Naturalismo( telas, músculos, venas) Realismo en rostros. Efecto doloroso

Caravaggio. Luz artificial, intencionada. Contrastes de luces y sombras Personajes reales. Temas dramáticos y violentos. Gran realismo. Precursor del tenebrismo

La adoración del nombre de Jesús, también conocida en algunas fuentes modernas como El sueño de Felipe II o Alegoría de la Liga Santa, es una obra de El Greco, realizada en 1579 durante su primer período toledano. Los personajes representados, además de Felipe II, serían Pío V, patrocinador de la Liga Santa contra el Imperio Otomano, y Juan de Austria, vencedor de la batalla de Lepanto. La influencia de la escuela veneciana es palpable en la sensación atmosférica y en las pinceladas que proveen luz y color a la escena. Por otro lado, es inevitable el recuerdo de Miguel Ángel, sobre todo en la composición de los personajes.

Sacrificio de Isaac. Alonso de Berruguete

Grupo santo entierro . Juan de Juni. La influencia de Miguel Ángel también pervive en el borgoñón Juan de Juni, como consecuencia de su estancia en Italia. En su obra, tallada en madera y pintada con excelente policromía, representa figuras musculosas y monumentales, en posturas manieristas, con gestos forzados, y expresión apasionada y angustiosa, incluso exagerada. En los grupos cuida con mimo el equilibrio de la composición. Grupo escultórico de rigurosa simetría y tenso patetismo.

SAN SEBASTIAN. Alonso Berruguete

Auto de Fe, de Pedro de Berruguete Esta obra viene de la Iglesia de Santo Tomás de Ávila, aunque su origen puede proceder de otro retablo. Mediante su amplia perspectiva logra acentuar el dramatismo de la escena. Se representa la quema de los herejes por el tribunal de la Inquisición

Santa Catalina. Yañez de la Almedina

El Jardín de la delicias. El Bosco emplea un punto de vista altísimo, lo que le permite situar a muchas figuras de personajes con figuras estilizadas sobre un verde campo. También pinta gran número de elementos imaginarios y simbólicos En las dos tablas laterales muestra la escena de la Creación. En la tabla izquierda El Bosco muestra el paraíso terrenal en que aparecen Dios, Adán desnudo sentado y Eva arrodillada. En la tabla derecha aparece el Infierno, representado mediante tonos oscuros, sobre todo en la parte superior. En la inferior, los pecadores son sometidos por distintos diablillos. En la tabla central se representan escenas deliberadamente sexuales. El erotismo aparece bastante explícito .Tradicionalmente se ha interpretado este cuadro como un alegato moralizador contra el pecado de la lujuria

Sofonisba Anguissola (Cremona, hacia 1535 - Palermo, 1625) Destacó en la realización de retratos, presentaba a menudo sus modelos desarrollando tareas aparentemente domésticas, acompañados de una serie de objetos que definen en mayor profundidad su personalidad. Ejemplo de ello encontramos en sus numerosos autorretratos en los que Sofonisba aparece leyendo, tocando algún instrumento musical o pintando; todos estos atributos son a la vez representaciones elocuentes de las actividades a las que está sujeto un noble de su rango. Las principales características de su pintura son: 1-el acercamiento veraz a los objetos y materias 2-el estudio psicológico de los modelos.

David.Bernini poseía la habilidad de crear en sus esculturas escenas narrativas muy dramáticas, de captar unos intensos estados psicológicos y también de componer conjuntos escultóricos que transmiten una magnífica grandeza. Su habilidad para tallar el mármol llevó a que fuera considerado un digno sucesor de Miguel Ángel, muy por encima de sus coetáneos.Bernini empleó la luz como un destacado recurso metafórico que completa sus obras, en ocasiones con puntos de iluminación invisibles que intensifican el foco de la adoración religiosa o amplifican el dramatismo de la narrativa escultórica.

Martínez Montañés. Crucificado. Escuela andaluza Escultor de la serenidad y el clasicismo

Alonso Cano. Escuela andaluza. Belleza idealizada. Inmaculadas

Pedro de Mena. Magdalena penitente.Patetismo, muestran expresiones interiores

Velázquez. Las características más peculiares y representativas de su pintura

Empleo de la perspectiva aérea.
Profundidad.
Pintura "alla prima", es decir, sin realización de bocetos. Por ello, las correcciones las hacía sobre la marcha y se nota en los numerosos "arrepentimientos" en sus cuadros.

La obra de Diego Velázquez es divisible en dos etapas: la sevillana y la madrileña

Las tres gracias. Rubens . Escuela flamenca. Dinamismo, composiciones abiertas. Riqueza cromática. Pincelada suelta. Obras de carácter sensual. Composiciones de gran tamaño

Autorretrato Rembrant. Escuela holandesa. Influencia de Caravagio. Contrastes luces y sombras. Pincelada apretada, que evoluciona ha más suelta y pastosa. Cultivó todos los géneros.

Caravaggio. Luz artificial, intencionada. Contrastes de luces y sombras Personajes reales. Temas dramáticos y violentos. Gran realismo. Precursor del tenebrismo

Vermeer. Escenas de interior, plácidas y serenas. Escenas cotidianas. Luz clara y diáfana. Rico cromatismo

San Jerónimo penitente . José de Ribera ( El españoleto). Influencia de Caravaggio, Personajes : religioso, pobres, mendigos, locos

Valdés Leal . Interés por la expresión . Pincelada amplia y suelta

El nombre de Canova se asocia esencialmente a esculturas de mármol de acabado y pulido perfectos, que encarnan la belleza ideal y son frías y distantes, libres de la expresión de cualquier sentimiento o turbación. Este escultor, que encarna de maravilla el gusto de su tiempo, plasmó la belleza natural en reposo, libre de cualquier movimiento espontáneo y con una monocromía y simplicidad que contrastan vivamente con la etapa precedente. Esta belleza en reposo idealizada contrasta con la escultura barroca anterior en la que prima el movimiento, el dramatismo y la tensión.

Thorvaldsen fue un destacado representante del período neoclásico en escultura. A menudo se le ha comparado con Antonio Canova, pero de hecho personifica el estilo del arte griego clásico más que el del artista italiano. Las poses y expresiones de sus figuras son más estiradas y formales que las de Canova.

La Danse (La danza), Ópera Garnier en París. Carpeaux . Estudió las obras de Miguel Ángel, Donatello y Verrocchio, e las que obtuvo un gusto por el movimiento y la espontaneidad, que él más tarde unió con los grandes principios del arte barroco, mayor naturalismo en la anatomía los gestos los cabellos, contraste de texturas recuerda a Bernini

Jacques-Louis David. Pintor francés más importante en el estilo neoclásico. Buscó la inspiración en los modelos escultóricos y mitológicos David llegó a ser un activo participante en la Revolución francesa así como amigo de Robespierre; en realidad fue el líder de las artes bajo la República. Encarcelado tras la caída de Robespierre del poder, más tarde se alineó con el advenimiento de otro régimen político, el de Napoleón Bonaparte. Fue en esta época cuando desarrolló su 'Estilo Imperio', notable por el uso de colores cálidos al estilo de los venecianos. Tras la caída de Napoleón, terminó sus días en el exilio

Ingres fue uno de los pintores franceses del neoclásico. Aunque siendo exactos, no defendió a capa y espada este movimiento. Incluso se puede decir que el artista tiene mucho de romántico y casi de realista. Libre y ajeno a etiquetas y clasificaciones (como debe ser un artista, aunque para un historiador facilita mucho las cosas), lo que a él le interesaba era el dibujo. En efecto, Ingres era un dibujante magistral, y ya desde los 11 años demostró su talento. A finales del XVIII incluso el casi divinizado David lo acoge en su taller, pero parece ser que no se llevaron muy bien. El frío clasicismo del pintor oficial de la revolución no encajaba en el ideal de belleza de Ingres, que ya iba unos pasos por delante. Eso sí… era neoclásico en el sentido de estar enamorado del Quattrocento e incluso vivió varias décadas en Roma, copiando a los grandes maestros del arte clásico. Por lo visto en Francia su obra no fue todo lo exitosa que debería y vivió un período bastante mísero durante el cual pintó con desgana todo aquello que se le encargaba.Destacó sobre todo en 3 géneros: El retrato, que volvió locos a la nobleza y alta burguesía de la época, la pintura histórica, en la que intentó imitar a su mentor David, y el desnudo, exclusivamente femenino, en el que deja claro que como dibujante fue uno de los mejores artistas de todos los tiempos.

TIZIANO Venus de Urbino

El Columpio.Fragonard Pintor francés del periodo rococó sus obras reflejan la alegría, frivolidad y voluptuosidad del periodo. Se caracterizan por la fluidez de líneas, las vaporosas flores en medio de un suave follaje y las figuras con poses llenas de gracia y elegancia, normalmente de damas con sus amantes o de campesinas con sus hijos.

Fue el pintor más famoso y mejor considerado de su tiempo, y ejerció en sus coetáneos una influencia notable. En la actualidad, más que sus obras históricas y alegóricas se valoran los retratos que realizó para numerosas cortes europeas. Su repercusión en el arte español fue notable, especialmente en la corte de Madrid. A su sombra despuntaron los Francisco Bayeu, Mariano Salvador Maella y Francisco de Goya

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