RESUMEN IMÁGENES FUNDAMENTOS

1800

1819

1770

1793

SCHINKEL

Schinkel :Sus temas son la Edad Media y el sentimiento religioso exaltado dentro de la naturaleza

ALEMANIA

ALEMANIA : Importancia del paisaje como transmisor de sentimientos

FRANCIA

FRANCIA: Composiciones más dinámicas, e incluso abigarradas, con mucha importancia del color y una impresión general de sensualidad y con temáticas innovadoras (obras basadas en la literatura, influjo de lo medieval, representación de la naturaleza).

GOYA

Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, provincia de Zaragoza, 30 de marzo de 1746-Burdeos, Francia, 16 de abril de 1828)1 fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la pintura contemporánea y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.Tras un lento aprendizaje en su tierra natal, en el ámbito estilístico del barroco tardío y las estampas devotas, viaja a Italia en 1770, donde traba contacto con el incipiente neoclasicismo, que adopta cuando marcha a Madrid a mediados de esa década, junto con un pintoresquismo costumbrista rococó derivado de su nuevo trabajo como pintor de cartones para los tapices de la manufactura real de Santa Bárbara

INGLATERRA

INGLATERRA: Descubrimiento de la naturaleza, con sus paisajes, la luz y los colores. Se refleja un paisaje que progresivamente está viéndose afectado por la Revolución industrial

DELACROIX

Delacroix: Pintor apasionado que adoptó un estilo resuelto y vigoroso. Trató con libertad el color, la pasta y la textura superficial del lienzo. Son obras típicamente románticas

FRIEDRICH

Friedrich: Cultiva principalmente el paisaje, con ruinas góticas, noches, cementerios, árboles nudosos y espacio helados que transmiten una sensación de melancolía y angustia.

GROS

Gros: Canta la epopeya napoleónica, pero de una manera diferente a la de su maestro, confiriendo una dimensión dramática a sus lienzos de gran tamaño

GERICAULT

Gericault: Un estilo recargado, de empaste grueso, muy influido por la obra de Rubens

COSTABLE

Costable : Se preocupó por el estudio de la luz, captada en sus paisajes pintados al natural, principalmente vistas de Suffolk y estudios de nubes. Tiene un estilo muy libre que influyó en los pintores románticos franceses

TURNER

Turner: dotó a sus obras de una dimensión onírica, recurriendo a composiciones en espiral y elaborados empastes, prevaleciendo de manera absoluta el color sobre el dibujo

CAPRICHOS

CAPRICHOS . Su sordera 1793 le lleva a acercarse a una pintura más creativa y original, que expresa temáticas menos amables . Una serie de cuadritos en hojalata, a los que él mismo denominaba de capricho e invención, inician la fase madura de la obra del artista y la transición hacia la estética romántica

PINTURA ROMANTICISMO

ROMANTICISMO CARACTERÍSTICAS

CONTEXTO HISTORICO ARTISTICO: Este auge del nacionalismo fue una reacción a la cultura francesa del siglo XVIII, de espíritu clásico y universalista, difundida por toda Europa mediante Napoleón. CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ESTILO El Romanticismo es una reacción contra el espíritu racional y crítico de la Ilustración y el Clasicismo, y favorecía, ante todo: • La conciencia del Yo como entidad autónoma y, frente a la universalidad de la razón dieciochesca, dotada de capacidades variables e individuales como la fantasía y el sentimiento. • La primacía del Genio creador de un Universo propio, el poeta como demiurgo. • Valoración de lo diferente frente a lo común, lo que lleva una fuerte tendencia nacionalista. • El liberalismo frente al despotismo ilustrado. • La originalidad frente a la tradición clasicista y la adecuación a los cánones. Cada hombre debe mostrar lo que le hace único. • La creatividad frente a la imitación de lo antiguo hacia los dioses de Atenas. • La nostalgia de paraísos perdidos (de la infancia o de una nación). • La obra imperfecta, inacabada y abierta frente a la obra perfecta, concluida y cerrada. • Evasión del Tiempo (medievalismo), evasión a otros lugares,(gusto por lo oriental) • Importancia de lo misterioso lo sebrenatural

PINTURAS NEGRAS

Pinturas negras (1819-1823) es el nombre que recibe una serie de catorce obras murales de Francisco de Goya, pintadas con la técnica de óleo al secco (sobre paredes recubiertas de yeso). Las creó como decoración de los muros de su casa, llamada la Quinta del Sordo, que había adquirido en febrero de 1819. Estos murales fueron trasladados a lienzo a partir de 1874, y actualmente se conservan en el Museo del Prado de Madrid. La composición de estos cuadros es muy novedosa. Las figuras suelen aparecer descentradas,lo que es una muestra de una mayor modernidad compositiva. colores obscuros en gama tonal parda y de temática atroz: violencia, mundo fantasmal demoníaco, personajes deformes o mutilados, que van mas allá del sentimiento romántico de su época, por sus vigorosa y expresiva pincelada puede considerarse precursor del expresionismo

ETAPA COSTUMBRISTA

Trabajó realizando patrones o modelos para la Real Fábrica de tapices destinados a decorar los aposentos reales, se denominaban Cartones, no por su material con en el que estaban hechos, pues eran óleo sobre lienzo. Al mismo tiempo se fue perfilando como retratista, ingresó en la academia y en 1786 fue nombrado pintor del rey e en 1789 pintor de cámara de Carlos IV.

1820

Fundamentos II Ángeles del Canto

Retratos

•Género que más cultivo: reyes, nobles y personajes populares.•Tenía una habilidad para plasmar la personalidad del modelo y su situación social.•Se caracteriza por el realismo y la sinceridad, reflejando perfectamente el retrato.•Pincelada sueltas, cortas, dibujos de trazos rotos, discontinuos, y mayor penetración psicológica.•Trabaja excepcionalmente la calidades de los trajes y objetos.. Supo captar a la perfección las transparencias, la ligereza y voluptuosidad de determinados tejidos

PAISAJE

NOSTALGIA

EXPERIMENTACIÓN

REVOLUCIÓN

ROTUNDIDAD

ACADEMICISMO

Templo de Isis y Osiris (1816)

Caminante sobre mar de nubes(1818)

Mar de Hielo( 1824)

El carro de heno(1821)

Lluvia, Vapor y Velocidad(1844)

La barca de Dante (1822)

La Libertad guiando al pueblo (1831)

La Masacre de Quíos (1824)

La batalla de Aboukir(1799)

El Quitasol, 1777

La Familia de Carlos IV 1800

Los Duques de Osuna y sus hijos, 1788

Caprichos 43 El sueño de la razón produce monstruos 1797

Pinturas Negras 1820-24 Dos viejos comiendo sopa

Pinturas Negras 1820-24 El aquelarre

Pinturas Negras 1820-24 La romería de San Isidro

La Balsa de la medusa (1819)

Pinturas negras, Saturno (1819-1823)

1874

1890

1905

MANET

Manet: En su Almuerzo sobre la hierba 1863 Manet presenta un bodegón. Pese a que las figuras representadas son humanas, el autor trabaja el cuadro como si fuera una naturaleza muerta Este trabajo influenciará a los impresionistas en la desatención del modelo y de la narración. Por otra parte El bar del Folies-Bergère 1882 evidenciará el deseo de tratar los fenómenos lumínicos al introducir un espejo al fondo que refleja toda la profundidad de la sala y las grandes lámparas de araña, iluminación artificial que crea una luz difusa y menos directa y, por tanto, más difícil de pintar, recordándonos a las escenas festivas de Renoir.

MONET

Monet: Uno de los creadores del impresionismo. El término impresionismo deriva del título de su obra Impresión, sol naciente (1872) Realiza sus cuadros al aire libre . Desarrolló el concepto de las «series», en las que un motivo es pintado repetidas veces con distinta iluminación. Fachada Catedral de Ruan Al mismo tiempo comenzó a trabajar en el famoso jardín de su casa en Giverny con estanques de nenúfares 1916 que luego utilizó como motivo para sus pinturas

PISSARRO

Pisarro:Pintó la vida rural francesa, sobre todo los paisajes y las escenas en los que aparecían campesinos trabajando, pero también escenas urbanas en Montmartre Bulevar Montmartre, primavera 1897

IMPRESIONISMO

El Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del S. XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes Se busca que la obra reproduzca la percepción visual del autor en un momento determinado, la luz y el color real que emana de la naturaleza en el instante en el que el artista lo contempla.Todo esto hace que elaboren una serie de un mismo objeto en diferentes circunstancias atmosféricas y temporales, no les importa el objeto, sino las variaciones cromáticas que sufre éste a lo largo del día. El término impresionistas les fue impuesto de modo peyorativo por el crítico Louis Leroy al ver la obra de Monet Impresión atardecer o Impresión sol naciente en la exposición de 1874. La primera exposición impresionista tuvo lugar el 15 de Abril de 1874 en el Salón del fotógrafo Nadar. Las figuras principales del movimiento fueron Eduard Manet, Degas, Claude Monet, Auguste Renoir, Morisot, Pisarro y Sisley. Busca captar en las obras la temporalidad, la apariencia fugaz del fenómeno que quieren representar. Ya se trate de un paseante, de un campo de amapolas o de la atmósfera cambiante frente a la fachada de una catedral, lo fundamental es lo que el artista percibe y cómo se siente frente a lo que percibe. En palabras de Pissarro, se trata de «no proceder según reglas o principios, sino pintar lo que se observa y lo que se siente»

POSTIMPRESIONISMO

POSIMPRESIONISMO o postimpresionismo Es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del XX posteriores al impresionismo. Lo acuñó el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres en 1910. Este término engloba diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de este. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. La obra de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent Van Gogh se caracterizó por un uso expresivo del color y una mayor libertad formal. Cézanne se interesó por resaltar las cualidades materiales de la pintura, representando seres vivos y paisajes, volúmenes y relaciones entre superficiesSu interés por las formas geométricas y la luz prismática inherente en la percepción de la naturaleza anticipó los experimentos del cubismo. Gauguin, en un intento por conseguir la capacidad comunicadora del arte popular, se centró en la representación a base de superficies planas y decorativas y la utilización de numerosos significados simbólicos. Van Gogh, por su parte, se aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas coloristas, evocadoras de las emociones internas del artista. Los artistas que iniciaron esta tendencia siguieron planteamientos estéticos propios que abrieron nuevos caminos a la pintura del siglo XX, Cézanne, influyó en el cubismo, Van Gogh, en el expresionismo y Gauguin en el fauvismo

VAN GOGH

Van Gogh: Se aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas coloristas, evocadoras de las emociones internas del artista. Su experimentación subjetiva, ejemplificada en Noche estrellada 1889,, preludió el expresionismo. Primera etapa de los Países Bajos (1880-1886), colores terrosos, Los comedores de patatas y las pinturas sobre los tejedores, dibujos de mineros, de personajes populares y copió obras de su pintor favorito Millet. Etapa impresionista París (1886-1887), es la que le pone en contacto con los impresionistas Etapa :posimpresionista 1885 y 1915. Obras Los Girasoles, 1888 Autoretrato, Habitación ,Retrato del Doctor Gachet ,La iglesia de Auvers, Van Gogh, 1890 Terraza de café por la noche, Van Gogh, 1889 ,Campo de trigo con cipreses, Van Gogh, 1889.

CEZANNE

Cezanne: Se interesó por resaltar las cualidades materiales de la pintura, representando seres vivos y paisajes, volúmenes y relaciones entre superficies. Su interés por las formas geométricas y la luz prismática inherente en la percepción de la naturaleza anticipó los experimentos del cubismo. Bañistas Los cuerpos y sus poses están reducidos a elementos vivos que están ya cercanos a la abstracción, se integran en la naturaleza que las rodea. Utiliza la técnica del «passage» o transición de color. Del verde oscuro se pasa al verde claro y de éste al amarillo. Obras: Bodegón con cortina, 1895Paul Las grandes bañistas, 1900-1905Los jugadores de naipes, 1894-1895, Naturalezas Muertas, Montaña de Santa Victoria

GAUGUIN

Gaugin: En un intento por conseguir la capacidad comunicadora del arte popular, se centró en la representación a base de superficies planas y decorativas y la utilización de numerosos significados simbólicos, como se aprecia en la obra. Calvario bretón (1889 inspirador de los Nabis. Desarrolló la parte más distintiva de su producción en el Caribe (Martinica) y en Oceanía (Polinesia Francesa), volcándose mayormente en paisajes y desnudos muy audaces para la época por su rusticidad y colorido rotundo Vahine no te tiare (Mujer con Flor), 1891¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos? 1897

El expresionismo fue un movimiento artístico vinculado sobre todo al mundo nórdico y germánico Reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939). Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido–. Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad, a través del carácter expresivo de los medios plásticos, que cobraron una significación metafísica, abriendo los sentidos al mundo interior. Entendido como una genuina expresión del alma alemana, su carácter existencialista, su anhelo metafísico y la visión trágica del ser humano en el mundo le hicieron reflejo de una concepción existencial liberada al mundo del espíritu y a la preocupación por la vida y la muerte, . DOS GRUPOS Die Brücke (el puente) con Kirchner y Heckel. Propugnaban un arte como expresión directa de la vida, inmediato y personal, puro y violento. Admiraban la escultura africana primitiva y a Van Gogh que propiciaron un arte exagerado en sus trazos y colores. Der Blaue Reiter (El jinete azul) con Kandinsky, Marc y Macke. Pintores procedentes de Baviera y muy preocupados por la relación de la pintura con la música y todas las formas de creación. Muy intelectuales. A este grupo acabó uniéndose Paul Klee.

FAUVES

El fovismo, fauvismo, en francés fauvisme, (1904-1908) fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color. El precursor de este movimiento fue Henri Matitisse y su mayor influencia en la pintura posterior se ha relacionado con la utilización de color en su estado puro, color libre. En el Salón de Otoño de 1905 El crítico Louis Vauxcelles afirmó sobre ese conjunto de obras (Pero, es Donatello entre las fieras) obras de Matisse:La Señora Matisse o la Raya verde 1905 Armonía en Rojo, La Tristeza del Rey, La danza

NABIS

PINTORES NABIS es la denominación de un grupo de artistas franceses de finales del siglo XIX, caracterizados por su preocupación por el color. Influido por Gauguin, el grupo fue liderado por Paul Sérusier; y entre sus componentes estuvieron los pintores Odilon Redon, Puvis de Chavannes, Édouard Vuillard, Pierre Bonnard, Félix Vallotttton, El color será un elemento prioritario en las composiciones para los artistas de este movimiento. Utilizarán, normalmente, colores planos de gran sentido estético. Emplearán tonos que van de la gama de los pardos a los verdes, pasando por ocres, azulados Pierre Bonard las características de su obra son: temas : Interiores, su esposa aseándose, su técnica se basa en la utilización diferentes bases de color, la pincelada que produce un efecto vibrante, pérdida de la importancia del dibujo.

VANGUARDIAS

1910

SISLEY

Sisley: pintor impresionista francobritánico. Entre 1872 y 1880 realizó lo mejor de su producción: paisajes de gran espontaneidad de los alrededores de París. Paisajes soleados que contrastan con sus célebres inundaciones de Marly, en las que no pierde igualmente su connotación intimista y poética

BONNARD

Bonnard se decantó por escenas íntimas y retratos de familia donde la aplicación del color puro y sin claroscuros, el gusto por la expresividad y la decoración y esas líneas y formas latiendo con el ritmo de su vida diaria influyeron seguramente en los fauvistas.

Fundamentos II Ángeles del Canto

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El Pífano, 1866

Impresión, sol naciente (1872)

Nieve en Argenteuil, 1878.

Noche estrellada 1889

Los grandes Bañistas CEZANNE 1900-1905 Cézanne pintó reiteradamente bañistas, renovando el tema de la mujer en el baño, haciendo de él una construcción moderna. Así lo hizo a partir de la década de 1870, en cuadros en los que los personajes se funden con la naturaleza que los rodea. El tratamiento que da a los desnudos en un paisaje es completamente distinto al de los maestros de siglos precedentes como Tiziano o Poussin. No se trata aquí de figuras mitológicas o literarias. Tampoco las representa según los cánones de la anatomía tradicional. Pinta a las bañistas en diversas posturas: unas de pie, otras sentadas, otras tumbadas. Los cuerpos y sus poses están reducidos a elementos vivos que están ya cercanos a la abstracción, y lo mismo cabe decir del paisaje. Las bañistas se integran en la naturaleza que las rodea. Utiliza la técnica del «passage» o transición de color. Del verde oscuro se pasa al verde claro y de éste al amarillo.

La alegría de vivir, Matisse, 1905-1906

El Estudio Flotante, Manet, 1874

El bar del Folies-Bergère 1882

El Paseo, 1871

Lilas de agua, 1915

Recolecta de Heno de Éragny, 1901

Pierre Bonnard, Café,1915

BODEGÓN CON CORTINA, 1895 En sus bodegones: Cézanne se esforzó por comprender y reflejar la complejidad de la percepción visual humana. Quería ofrecer una visión auténtica de la realidad, y para ello observa los objetos desde distintos puntos de vista, lo que le lleva a representarlos desde perspectivas diferentes simultáneamente. La intensidad de sus colores, unida al aparente rigor de la estructura compositiva, indican que, a pesar de la frecuente desesperación del propio artista, había sintetizado los elementos básicos de representación y expresividad de la pintura de un modo muy personal. Estaba interesado en la simplificación de las formas que ocurrían naturalmente a sus esencia geométrica Todo en la naturaleza se modela según la esfera, el cono, el cilindro. Hay que aprender a pintar sobre la base de estas figuras simples; después se podrá hacer todo lo que se quiera. Cézanne, 1904.

Los jugadores de cartas: es una serie de cinco cuadros sobre el tema de la partida de cartas, que realizó el pintor francés Paul Cézanne entre 1890 y 1895 Especialmente en las tres últimas versiones, todos los volúmenes están definidos de manera geométrica, lo que confiere a los dos personajes una dignidad clásica. En las versiones iniciales son tres jugadores contemplados por otros personajes, composición que va simplificando hasta reducirla a dos campesinos que juegan a las cartas, con una botella de vino en medio, en la que se refleja la luz. Distorsionando la visión perspectiva. Toda la tela está construida con tonos de los colores azul, amarillo y rojo. Esta restricción cromática «intensifica la sensación de austeridad formal». Las pinceladas se presentan solitarias y sintéticas, como el reflejo sobre la botella o el simple trazo que describe el ojo del jugador de la derecha. Pinta con la técnica del facetado, lo que es evidente en la cara del jugador de la izquierda. Éste lleva un sombrero de forma cilíndrica, lo que recuerda la afirmación de Cézanne de que "Todo en la naturaleza está modelado según la esfera, el cilindro y el cono.

Terraza de café por la noche, Van Gogh, 188...

Campo de trigo con cipreses, Van Gogh, 1889

Los girasoles, Van Gogh, 1888

La iglesia de Auvers, Van Gogh, 1890

Niña en un sillón azul, Mary Cassatt, 1878 Mary Stevenson Cassatt 1844 - 1926) fue una pintora y grabadora estadounidense. Aunque nacida en Pensilvania, pasó gran parte de su vida adulta en Francia, donde forjó amistad con Edgar Degas y se incorporó al movimiento impresionista. Cassatt pintó, principalmente, imágenes representando la vida social y privada de las mujeres, con especial énfasis en los lazos entre ellas y sus hijos. Cassatt y Degas colaboraron durante mucho tiempo. Sus estudios estaban bastante cercanos. Degas adquirió el hábito de visitar el estudio de Cassatt, ofreciéndole sus consejos y ayudándole a conseguir modelos. Tenían mucho en común: gustos similares en cuestiones de arte y literatura, ambos provenían de familias ricas, habían hecho estudios de pintura en Italia, y eran independientes y solteros. El grado de intimidad entre ellos no se puede evaluar.Degas enseñó a Cassatt la pintura al pastel y el grabado, técnicas que Cassatt dominó rápidamente; por su parte, Cassatt ayudó a Degas a vender sus pinturas y a promocionar su figura en Estados Unidos. Ambos se consideraban a sí mismos como pintores de la figura humana;

El espejo psiqué, Berthe Morisot,1876 Berthe Morisot. (1841-1895) fue una pintora impresionista francesa. Morisot demostró las posibilidades de las mujeres en las artes a fines del siglo XIX.A la edad de 20 años, Berthe Morisot conoció a Camille Corot, quien la admitió como su discípula y la introdujo en los círculos artísticos. Morisot decidió ser una artista adoptando una postura muy radical que la vincularía al grupo de artistas impresionistas, adquirió la técnica impresionista de pintar al aire libre, donde creaba pequeños cuadros y esbozos para grandes obras que terminaba en el estudio. Su primera participación en el Salón de París fue en 1864 con dos paisajes y continuó exhibiendo continuamente en el Salón hasta 1874. En 1868, conoció a Édouard Manet y en 1874 se casó con Eugène Manet. Ella fue la que convenció al maestro de pintar al aire libre y lo atrajo al grupo de pintores que sería posteriormente los impresionistas.. Asimismo, Berthe fue la modelo de Manet tanto en diversos e importantes retratos como en su obra de gran formato El Balcón, donde el pintor francés da cuenta de su admiración por la obra de Goya Al igual que Mary Cassatt, Berthe Morisot fue relegada a la categoría de "artistas femeninas" por su temática de la vida cotidiana (mujeres, niños y escenas domésticas). Sin embargo, como mandaba la doctrina impresionista ella pintaba el mundo que la rodeaba.

Henri Matisse, Armonía en rojo, 1908

Pierre Bonard, desnudo a contra luz, 1908

Henri Matisse, La raya verde, 1905

Edouard Manet, Desayuno sobre la hierba, 1863

El dormitorio de Van Gogh en Arlés (1888)

1905

1910

1920

1930

CUBISMO

CUBISMO: CONCEPCIÓN VISUAL 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque. Vauxcelles dijo, despectivamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo».Perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. Tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. El cuadro cobra autonomía como objeto, Incorpora elementos, collage. Representación profundidad: cubismo combina dos puntos de vista. Representación de los volúmenes, cubismo no modula los tonos para dar sensación de volumen, trabaja con colores planos.Utilización de la línea como elemento expresivo separada del color, para diferenciar planos.Incorporación de distintos materiales al cuadro, inicio del collage. A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos. Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fovismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta. Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que representa, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages. La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis por parte de la "crítica", llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica artística. De ahí en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban.

VANGUARDIAS

ART DECÓ

Movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países) que influyó las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura y cinematografía.En 1925 organizaron la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas) en París. Art déco era casi puramente decorativo, por lo que se considera un estilo burgués. A pesar del eclecticismo de sus influencias formales y estilísticas, el art déco es sólido y posee una clara identidad propia. No se trata de un historicismo ni de un anacronismo; es fiel a su época y deja entrever la noción futurista de la Revolución industrial. Su significación gira en torno al progreso, el ordenamiento, la ciudad y lo urbano, la maquinaria. Elegante, funcional y modernista, el art déco fue un avance frente al art nouveau, esta vez exitoso en la generación de un nuevo repertorio de formas acordes con la problemática e imaginería de su tiempo. El art déco era un estilo opulento, una reacción contra la austeridad forzada producto de la Primera Guerra Mundial. De manera simultánea a una creciente depresión económica y al fantasma del acercamiento de la Segunda Guerra, había un deseo intenso por el escapismo. La gente gozó de los placeres de la vida y del art déco durante la era del jazz. La tumba de Tutankamon abierta en 1922 Fue un descubrimiento que tuvo mucha influencia en las artes decorativas del siglo XX Incluyendo elementos ornamentales del antiguo Egipto

1940

GRIS

En 1912 Juan Gris da claramente el salto al cubismo con varias pinturas presentadas en el Salón des Indépendents de París. Empezó a trabajar la técnica del papier collé: recortes de cartón y papel, en ocasiones obtenidos de periódicos, que se pegan sobre el lienzo para combinarse con el óleo. Fue su principal aportación al cubismo. El desayuno, 1914

BRAQUE

BRAQUE 1º FASE cuadros de superficies superpuestas y planos angulares, componiendo a base de cubos; usaba pocos tonos cromáticos. 2º "cubismo analítico" (1909-1912), en el que los objetos quedaban descompuestos en facetas hasta el punto de ser irreconocibles. 3º cultiva el "cubismo sintético", es decir, con unidad compositiva. Impulsa más que Picasso en esta tendencia del cubismo sintético.

PICASSO

Picasso: CUBISMO Las señoritas de Aviñón 1907 supuso un nuevo punto de partida para Picasso, abandona los cánones de profundidad espacial y perspectiva, así como el ideal hasta entonces existente del cuerpo femenino, al reducir la obra a un conjunto de planos angulares, sin fondo delimitado ni perspectiva espacial, otras obras: Los tres Músicos 1921, Retrato de Vollard. 1910, Horta del Ebro Mujer con peras, Pablo Picasso, 1909

ETAPA SURREALISTA

Etapa Surrealista ,en España (Guerra Civil) y el ascenso de los fascismos. En esta época es nombrado director del Museo del Prado por la II República pero nunca ocupa el cargo. El pesimismo y el rechazo a la guerra se plasman en las obras, recurre a elementos oníricos, surrealistas, aparecen monstruos, alarga y deforma las figuras, rasgos que expresan sufrimiento y temor. Ej: Figuras a la orilla del mar, la crucifixión, bañistas, el sueño. El culmen llega con el Guernica en 1937, lienzo expresionista donde renuncia al color para plasmar el sufrimiento, dolor e ira. Transmite todo el dramatismo del momento y se convierte en un símbolo con tres colores (negro, gris y blanco) y con austeridad compositiva. Niña frente al espejo,1932 El sueño , 1932 Retrato de Dora Maar, 1939

TAMARA DE LEMPICKA

Tamara fue "la primera artista mujer en ser una estrella del glamour". Influenciada por el Cubismo, Lempicka fue una de las mayores representantes del estilo Art Deco en dos continentes, fue la artista favorita de muchas estrellas de Hollywood y llamada "la baronesa con pincel". Fue la retratista más reconocida de su generación entre la "alta burguesía" y la aristocracia, pintando duquesas, grandes duques y las altas esferas sociales. A través de su red de amistades, fue capaz de exponer sus pinturas en los salones de mayor élite del momento. Su producción se centra en retratos femeninos y en desnudos de ambos sexos. Siguiendo la tendencia de la pintura art decó, pintaba mujeres etéreas, con ropajes flotantes y dedos largos, si bien dan una impresión férrea y escultural por la pincelada pulida y los marcados contrastes de luces y sombras; son sus mejores ejemplos, junto con los desnudos. Sus influencias principales son Botticelli, Bronzino, el retrato manierista en general, y el Cubismo, pero sin llegar al arte abstracto. Curiosamente, Tamara empleaba este eclecticismo o fusión de estilos antiguos para representar temas actuales, donde las figuras visten ropajes y peinados de última moda. Aunque las imágenes más populares de su arte son desnudos, también retrató a su hija en varias ocasiones y a personas relacionadas con la burguesía artística de París y Nueva York. También realizó cuadros de flores.

Fundamentos II Ángeles del Canto

CUBISMO ANALÍTICO Y SINTÉTICO

Una diferencia fundamental entre el cubismo analítico y el sintético, es que el primero “desarma” más minuciosamente cada figura (al punto que a veces no se entiende qué ha representado el artista) para reordenarla desde perspectivas múltiples (una parte, pongamos por ejemplo un rostro, puede verse de frente y de perfil al mismo tiempo). En cambio, en el sintético, el artista sólo descompone las figuras en sus partes más representativas, es más simple (y como se distinguen claramente las figuras representadas, podemos decir que es “más figurativo” que el anterior). Otra diferencia a simple vista es el color. El cubismo analítico no se “distrae” de su propósito de descomponer las figuras para rearmarlas y utiliza monocromías o muy pocos colores, apagados, oscuros, con grises y ocres. En la segunda etapa, en cambio, se utiliza mucho más colorido. Y la novedad que se incorpora en el cubismo sintético es que, además del óleo, en muchos cuadros veremos sobre la tela recortes de periódicos, de partituras, retazos de telas o trozos de madera. Así nacen los que se consideran los primeros collages de occidente (en oriente, la técnica se utilizaba hace unos dos mil años).

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BRAQUE Mujer con mandolina, 1910

Mujer con peras, Pablo Picasso, 1909

El desayuno, 1914

PICASSO Retrato de Dora Maar, 1939

PICASSO El Sueño, 1932

PICASSO Niña frente al espejo,1932

Las Señoritas de Avignon, Pablo Picasso, 1907

Pablo Ruiz Picasso, Mesa frente a la ventana, 1919

Los grandes Bañistas CEZANNE 1900-1905 Cézanne pintó reiteradamente bañistas, renovando el tema de la mujer en el baño, haciendo de él una construcción moderna. Así lo hizo a partir de la década de 1870, en cuadros en los que los personajes se funden con la naturaleza que los rodea. El tratamiento que da a los desnudos en un paisaje es completamente distinto al de los maestros de siglos precedentes como Tiziano o Poussin. No se trata aquí de figuras mitológicas o literarias. Tampoco las representa según los cánones de la anatomía tradicional. Pinta a las bañistas en diversas posturas: unas de pie, otras sentadas, otras tumbadas. Los cuerpos y sus poses están reducidos a elementos vivos que están ya cercanos a la abstracción, y lo mismo cabe decir del paisaje. Las bañistas se integran en la naturaleza que las rodea. Utiliza la técnica del «passage» o transición de color. Del verde oscuro se pasa al verde claro y de éste al amarillo.

Autorretrato con Bugatti verde,1929

1910

1930

1940

1960

POLLOCCK

Jackson Pollock, creador de un nuevo modo de pintura: el Dripping. El artista sitúa el lienzo en el suelo y, moviéndose alrededor del mismo (y en ocasiones por dentro del mismo lienzo) deja caer finos hilos de pintura que se desprenden del pincel recién cargado en el bote. El resultado es una trama compleja de hilos que forman una trama muy atractiva visualmente. El artista se interesa por el azar, por lo que no es controlable. Tras verse influenciado por el regionalismo, los muralistas mexicanos y los surrealistas, Pollock realiza a principios de los cuarenta unas obras cercanas a la abstracción pero de carácter totémico, primitivo. Será alrededor de 1947 cuando Pollock comienza a pintar con el estilo que le hará mundialmente famoso: se trata de abstracciones libres hechas a base de manchas y de “dripping”, una técnica que consiste en agujerear un bote metálico de pintura y desplazarse con él por el lienzo (previamente puesto en el suelo) dejando caer la pintura. Lo importante para Pollock será esa acción de pintar, el momento y el cómo el artista realiza su obra siguiendo sus impulsos interiores, sin un plan previo. Por eso este tipo de pintura se denominará “action painting” o “pintura de acción”. En 1951 Pollock tendrá un nuevo estilo. Volverá a las pinturas totémicas, pero esta vez abandonará los colores, centrándose sólo en el negro.

FRANCIS BACON

Francis Bacon (Dublín, 1909 - Madrid, 1992) Pintor inglés de origen irlandés, figura destacada de la denominada Nueva Figuración, tendencia que se desarrolla a lo largo de los años sesenta, tras el agotamiento del informalismo. En el panorama del arte de la posguerra, el expresionismo figurativo de Bacon ocupa un lugar aparte, difícilmente relacionable con algunas de las distintas tendencias artísticas que recorren estos años. Toda la trayectoria pictórica de Bacon se caracteriza por una profunda independencia, que hace de su pintura un referente inconfundible del arte europeo de la segunda mitad del siglo XX. Bacon, además, influyó en gran medida en los artistas del movimiento Pop inglés. Tras una infancia marcada por la soledad y la enfermedad, Bacon pasó su juventud en su Irlanda natal. En 1925 se establece luego en Londres, donde trabaja como decorador. Se interesa en seguida por la pintura, sobre todo tras sus estancias, en los años veinte, en Berlín y París, donde junto a los expresionistas (Otto Dix, Max Beckmann), queda impresionado por la obra de Picasso, lo que debe valorarse si se considera la formación autodidacta de Bacon. Las claves a las que responde su pintura son:Elige la figura humana como motivo central de sus cuadros, y la somete a deformaciones y alteraciones hasta un nivel no conocido con anterioridad en la historia del expresionismo. Ya sea en sus retratos, como en sus autorretratos o en composiciones más complejas, los cuerpos mutilados, los órganos atrofiados y todo tipo de anomalías anatómicas dan como resultado una imagen del horror que se inserta en un espacio indefinido, de fondos monocromáticos, que comunica una sensación de aislamiento y claustrofobia.

LUCIEN FREUD

Lucian Freud Después de haberse iniciado en el surrealismo en su juventud, se convirtió tras la Segunda Guerra Mundial en uno de los principales representantes de la pintura figurativa inglesa. Especializado en retratos, estos suelen excluir la expresión de sentimientos y los personajes representados aparecen bajo una fuerte luz, y con una carnalidad muy perceptible en el caso de los desnudos. A partir de los años 1950 empezó a realizar retratos, muy a menudo desnudos, sin nada más, utilizando la técnica del empasto (o impasto). Los colores son a menudo neutros. Los temas de Freud son personas y sus vidas; amistades, familia, colegas, amantes y niños. En contadas ocasiones acepta retratos por encargo. Como él mismo dice en sus memorias: "El tema es autobiográfico, cuanto tiene que ver con la esperanza y la memoria y la sensualidad y la participación, la verdad..." "Pinto gente, no por lo que quisieran ser, sino por lo que son". En sus retratos, centrados principalmente en las personas de su entorno próximo, Freud consigue desvelar la vulnerabilidad del cuerpo humano a través de la carnalidad matérica que rezuman sus obras. Freud valora ante todo el estudio psicológico, que une a un realismo crudo y a unas actitudes desinhibidas que en ocasiones se acercan a lo sórdido. En sus retratos no busca el parecido, sino el reflejo de lo que representan sus personajes, e intenta encontrar la esencia de su personalidad

MONDRIAN

Piet Mondrian, fue un pintor vanguardista neerlandés, miembro de De Stijl y fundador del neoplasticismo, junto con Theo van Doesburg. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción. Al dedicarse a la abstracción geométrica, Mondrian, busca encontrar la estructura básica del universo, la supuesta “retícula cósmica” que él intenta representar con el no-color blanco (presencia de todos los colores) atravesado por una trama de líneas de no-color negro (ausencia de todos los colores) y, en tal trama, planos geométricos (frecuentemente rectangulares) de los ya mencionados colores primarios, considerados por Mondrian como los colores elementales del universo. De este modo, repudiando las características sensoriales de la textura y la superficie, eliminando las curvas, y en general todo lo formal. Expresó que el arte no debe ser figurativo, no debe implicarse en la reproducción de objetos aparentemente reales, sino que el arte debe ser una especie de indagación de lo absoluto subyacente tras toda la realidad fenoménica. Como anécdota de sus ligeras excentricidades cabe mencionar que prohibió el color verde en su casa. Busca, en suma, un "arte puro", despojado de lo particular, y dice que «El propósito no es crear otras formas y colores particulares con todas sus limitaciones, sino trabajar tendiendo a abolirlos en interés de una unidad más grande.» Su radicalismo es tal que, cuando Van Doesburg buscó variaciones a sus estructuras formales a partir de 1924, inclinando los rectángulos, Mondrian abandonó De Stijl.

TEO VAN DOESBURG

Theo Van Doesburg en 1915-16 su obra empezaría un proceso de abstracción y geometrización coincidiendo con los contactos con los primeros miembros del grupo, entre los que se encontraba Piet Mondrian, junto a quien fundaría en Leiden la revista De Stijl, órgano de prensa del movimiento neoplasticista, cuyo primer número saldría en octubre de 1917. Entre 1921 y 1923 seguiría editando la revista desde Weimar, donde organizaría unos cursos paralelos a los que se impartían en la Bauhaus sobre el nuevo estilo a los que asistirían muchos de los estudiantes y profesores de la Bauhaus. Durante su estancia en Weimar, Van Doesburg también había entablado amistad con los constructivistas, especialmente con László Moholy-Nagy, El Lissitzky y Hans Richter, que pertenecen al movimiento Constructivista. Ambos movimientos tenían un objetivo común: proponer la reconstrucción material y espiritual del mundo. Theo van Doesburg fue el primer artista abstracto que contribuiría a modificar la visión de la Bauhaus,. El impacto que causaron aproximadamente al mismo tiempo la influencia de la vanguardia rusa, representada por El Lissitzky, y la holandesa, de la mano de van Doesburg, sería decisivo para lograr el cambio de un método de enseñanza y una actitud basada en el artesanado al de la estética de la máquina y la producción en masa, que tendría lugar en 1923.

OTRAS VANGUARDIAS

HIPERREALISMO

EL HIPERREALISMO es una tendencia de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 1960 que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. El término hiperrealismo es también aplicable a la escultura.Pero es innegable que el arte pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas. En esa época la abstracción era la tendencia dominante y el realismo estaba mal visto; se consideraba un arte que copiaba de fotografías o de la realidad y sin ningún interés. Sin embargo, artistas como Chuck Close, Richard Estes, desarrollaron técnicas totalmente nuevas de representación de la realidad, consiguiendo resultados a veces asombrosos.

POP ART

EL ARTE POP es interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto.Antecedentes: El arte pop tiene como referencia el Dadaísmo. Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los mismos sujetos, el arte pop reemplazaba los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento Dada. Entre los artistas considerados como precursores del movimiento pop están Marcel Duchamp, Kurt Schwiters. Y mas directamente el Neo- dada americano con Jasper Johns y Robert Rauschenberg .Las pinturas de Rauschenberg tienen relación con los trabajos anteriores de Kurt Schwitters y otros dadaístas, y demuestran una preocupación por las cuestiones sociales del momento. Su método consistía en crear arte con materiales efímeros, con los que representaba acontecimientos de actualidad con los que los estadounidenses convivían día a día, lo que dotó a sus obras de una calidad única. Jasper Johns las pinta banderas de los Estados Unidos a la encáustica en la década de 1950. Otros símbolos, como letras, números y dianas, aparecen recurrentemente en sus pinturas y grabados. El movimiento Pop como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1960 en los Estados Unidos.

EXPRESIONISMO FIGURATIVO

Nueva figuración es un movimiento artístico nacido en la segunda mitad del siglo XX, y como bien dice su nombre, es una vuelta a la pintura figurativa después de tanto expresionismo abstracto y otros tipos de abstracción. Eso sí, es una figuración distinta, no del todo divorciada de lo abstracto, más bien se enriquece con sus aportaciones. Por supuesto no hay dos nuevos figurativos iguales, pero podemos decir que la mayoría de ellos le dan el protagonismo a la figura humana, y juegan con el expresionismo en colores, gestos, atmósferas o temas. Destacamos en importancia a los artistas de la Escuela de Londres, que se dedicaron a la figura en la época culmen del arte abstracto.

EXPRESIONISMO

EXPRESIONISMO ALEMÁN: El expresionismo fue un movimiento artístico vinculado sobre todo al mundo nórdico y germánico reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939). Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido–. Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad, a través del carácter expresivo de los medios plásticos, que cobraron una significación metafísica, abriendo los sentidos al mundo interior. Entendido como una genuina expresión del alma alemana, su carácter existencialista, su anhelo metafísico y la visión trágica del ser humano en el mundo le hicieron reflejo de una concepción existencial liberada al mundo del espíritu y a la preocupación por la vida y la muerte, DOS GRUPOS Die Brücke (el puente) con Kirchner y Heckel. Propugnaban un arte como expresión directa de la vida, inmediato y personal, puro y violento. Admiraban la escultura africana primitiva y a Van Gogh que propiciaron un arte exagerado en sus trazos y colores. Der Blaue Reiter (El jinete azul) con Kandinsky, Marc y Macke. Pintores procedentes de Baviera y muy preocupados por la relación de la pintura con la música y todas las formas de creación. Muy intelectuales. A este grupo acabó uniéndose Paul Klee.

EXPRESIONISMO ABSTRACTO

El expresionismo abstracto fue ese movimiento pictórico dentro de la abstracción posterior a la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto. Tras estos terribles acontecimientos siguió un periodo de lógica incertidumbre y de cuestionamiento de la moral humana. Esto da como resultado la proliferación de obras de arte que incluían formas de creación desgarradas en las que quedaba a un lado el goce estético tal y como se entendía hasta entonces. Un desencanto por lo colectivo dio como resultado obras muy personales. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense. Se potencia también la materialidad del cuadro y convierten el proceso artístico casi en un rito religioso, siendo la pintura la prueba documental del mismo. La improvisación formaba parte de este trance casi místico, en el que el artista entraba en contacto directo con sí mismo. Este automatismo podría derivar del surrealismo, que aún estaba vivo en esos años.

NEOPLASTICISMO

Mondrián junto a Van Doesburg publicaban el Manifiesto De Sijl, opuesto en absolutamente todo al primero. Si los dadaístas querían destruir el arte y de características destructivas e irracionales, De Stijl quería su renovación total de manera racionalista, ordenada y simple.Con el nombre de "De Stijl" (El estilo) se conoce al grupo de artistas y revista fundados en 1917 Búsqueda de la renovación estética y de la configuración de un nuevo orden armónico de valor universal, eliminando todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental. Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos. Planteamiento totalmente racionalista. Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos. Creación de ritmos asimétricos, pero con gran sentido del equilibrio, logrado por la compensación de las formas y los colores. Nunca se recurre a la simetría. Colores planos, de carácter saturado (primarios: amarillo, azul, rojo) o tonal (blanco, negro y grises). Empleo de fondos claros.

MARK ROTHKO

Mark Rothko. Creador del llamado “Color Field Painting” fue un artista de dedicación plena y obsesiva a su obra. Alcanzó una técnica exquisita a la hora de fundir tonos y obtener colores expresivos. Pintor de grandes formatos, reivindica la identidad de la abstracción y la expresividad de grandes superficies de color. Comienza siendo expresionista en los años 30 y también se verá atraído por el surrealismo en los 40, pero en los años 50 su pintura se simplifica para centrarse en el color, un estilo que se conocerá como “Color Field Painting”. Se trata de superficies llenas de color en las que las manchas se superponen a modo de veladuras, aumentando así la gama cromática de la obra. Este tipo de pintura, en el que priman las relaciones cromáticas, deriva de los experimentos espaciales de los cubistas. Se trata de una plasmación del mundo interior del artista, algo que debe hacer meditar al espectador, algo totalmente basado en la expresividad

DAVID HOCKNEY

David Hockney Fue un importante contribuidor del movimiento de Arte Pop en la década de 1960, es considerado uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX. Pintor, dibujante, fotógrafo y escenógrafo inglés, célebre por sus pinturas satíricas, su obra gráfica, sus dibujos magistrales y sus agudos retratos de personalidades contemporáneas.Sus obras de la década de 1960, como la serie sobre piscinas de Los Ángeles, están pintadas en un estilo deliberadamente ingenuo y colorista, con una temática extraída de la cultura popular. La ironía y el ingenio de Hockney, junto con su talento para las composiciones y los diseños de fuerte expresividad, le llevaron a finales de la década de 1960 a un estilo más naturalista, en particular en sus retratos. Aunque sin llegar a ser totalmente realistas, estas obras, pintadas en su estilo preferido, superficies planas de pintura acrílica y gran profusión de líneas de esmerado dibujo, son representaciones sensibles que a veces tienden a realzar a sus modelos. Las notables escenografías que realizó para diferentes óperas, son muy importantes sus composiciones hechas con Polaroid, a las que llama ensamblajes, como Henry Moore (1982), constituyen otro ejemplo de su trabajo fotográfico.

CHIRICO

Chirico: Maniquíes, únicos seres capaces de habitar plazas desiertas y calles que se sumergen en el infinito

DALÍ

Salvador Dalí: método paranoico crítico. Este método era empleado en la creación de obras de arte , para lo cual el artista trataba de recrear a través de la obra aquellos procesos activos de la mente que suscitan imágenes de objetos que no existen en realidad, por ejemplo, al superponerse una imagen en primer plano con otra en un plano más alejado. Un ejemplo de esto en la obra final pude ser una imagen doble o múltiple cuya ambigüedad da lugar a diversas interpretaciones

MIRÓ

Miró: Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción . Sus imágenes son simples, con pocos trazos, a la manera de los niños. Rechaza la perspectiva, el modelado, y el acabado minucioso. Traza signos abstractos, simples,, que no tratan de expresar ideas, sino que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo irracional Miró El carnaval del arlequín (1924). Los personajes principales de la composición pictórica son un autómata que toca la guitarra junto con un arlequín con grandes bigotes. Un pájaro con alas azules saliendo de un huevo, un par de gatos jugando con un ovillo de lana, peces volando, un insecto que sale de un dado, una escalera con una gran oreja y, en la parte superior derecha, se ve a través de una ventana una forma cónica con la que quiso representar la torre Eiffel. Numerosos seres y objetos se yuxtaponen en el aparente desorden de una habitación con una pequeña ventana.. La presencia de ciertos objetos, como por ejemplo la escalera, están dotados según explicó el propio Miró de una relación simbólica. La esencia de esta explicación es que estos objetos simbólicos se mezclan con otros objetos en la habitación sin que ello afecte a la expresión artística. irracionales.

JEAN ARP

Jean Arp o Hans Arp combina las técnicas del automatismo y las oníricas en una misma obra, desarrollando una iconografía de formas orgánicas que se han dado en denominar escultura biomórfica, en las que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad. Su poesía se incluye dentro del movimiento surrealista

SURREALISMO

Surrealismo: El surrealismo creía en la existencia de otra realidad y en el pensamiento libre. Plasmó un mundo absurdo, ilógico, donde la razón no puede dominar al subconsciente. Tomó del Dadaísmo la importancia del azar y la rebeldía, pero rechazó su carácter negativo y destructivo. Buscó inspiración en el subconsciente , la imaginación, el método de la escritura automática y el estudio de las teorías del psicoanálisis de Freud. El surrealismo fue el movimiento literario y artístico más importante de entreguerras, pero sus intenciones no se limitaron al arte. Su finalidad era transformar la vida a través de la liberación de la mente del hombre de todas las restricciones tradicionales que la esclavizan. La religión, la moralidad, la familia y la patria se convierten así en instituciones a revisar.

Fundamentos II Ángeles del Canto

DADÁ

PinturaEsculturaPoesíaQuería promover todo lo irracional, absurdo y falto de sentido.Medios de expresión irónicos y satíricos a través del gesto,el escándalo y la provocación. Protesta contra las convenciones de su época.Actitud de burla y humor.Materiales inusuales.Ilógica o de difícil comprensión.Sin reglas.Manifestación contra la belleza, las leyes, la razón,...Sin signos de puntuación.Para ello utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los elementos de las obras. El pintor y escritor alemán Kurt Schwitters destacó por sus collages realizados con papel usado y otros materiales similares. El artista francés Marcel Duchamp expuso como obras de arte productos comerciales corrientes —un secador de botellas y un urinario— a los que denominó ready-mades.

ANDY WARHOL

El institucional expresionismo abstracto dominaba la escena artística y Warhol quiso buscar un estilo completamente distinto. Con su experiencia en publicidad, empezó a mostrar productos de consumo de masas como botellas de coca-cola, latas de sopa Campbell… y al final, personas que eran productos en sí mismos, como Marilyn, Mao o Elvis.

Antonio López "Una obra nunca se acaba, sino que se llega al límite de las propias posibilidades". Con estas palabras Antonio López resume su particular modo de acercamiento al objeto a pintar. Sus cuadros se desarrollan a lo largo de varios años, décadas en ocasiones, con una plasmación lenta, meditada, destilando con cada pincelada la esencia del objeto o paisaje, hasta que el artista consigue plasmar la esencia del mismo en el lienzo. El pintor busca entre la realidad que le rodea aquellos aspectos cotidianos, que él recoge con un tratamiento pleno de detallismo, rozando lo fotográfico. Sus preferencias van desde las vistas de Madrid hasta los retratos de sus familiares, pasando por los objetos más cotidianos y cercanos. A lo largo de la mayor parte de su carrera artística, Antonio López ha desarrollado una obra independiente, en medio de un panorama artístico estructurado en base al informalismo y la abstracción. Tampoco parece tarea fácil vincular la obra de López con las tendencias realistas europeas más recientes, o con el hiperrealismo americano.Gran Vía de Madrid 1974-8

A Bigger Splash (1967)

Reflection, autorretrato Lucien Freud (1985)

Estudio del retrato del Papa Inocencio X de Velázquez (1953)

ROTHCKO Sin título (naranja, ciruela y amarillo) (1950)

POLLOCK Ritmo de otoño (número 30) (1950)

Las sombras: se usan como un presagio , un destino o una amenaza El gabinete del doctor Caligari (1920) , Robert Wiene Metrópolis Fritz Lang, Nosferatu, Mournau

El Jinete azul KANDINSKY (1903)

Composición amarillo, azul y negro (1921)

Francis Bacon, Figura tumbada, 1966

Chirico: Plaza de Italia, 1913

El gran masturbador 1929

Carnaval del arlequín, 1924

Objetos colocados según las leyes del azar (1929)

Su importancia dentro de la historia del cine está a la altura de los más grandes directores de todos los tiempos, Welles, Hitchcock, Ford, , Kurosava, Fellini o BergmanUn perro Andaluz (1929)

Joán Miró, Peinture (Escargot, femme, fleur, étoile), 1934

Andy Warhol, Marilyn, 1962

Salvador Dalí, La persistencia de la memoria, 1931

Salvador Dalí, Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes del despertar, 1944

Mr. and Mrs. Clark and Percy David Hockney, (1971)

1850

1890

1920

1955

NEOGÓTICO

Neogótico:En el siglo XIX la Europa continental vivió una auténtica fiebre neogótica que, además de levantar nuevos edificios, restauró y completó edificaciones medievales, como catedrales y castillos. En Francia destacó la labor restauradora y reconstructora de Eugène Viollet-le-Duc

ART NOVEAU

Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística de finales del siglo XIX y principios del XX, durante el periodo denominado fin de siècle y belle époque. Un arte nuevo, joven, libre y moderno, que representara una ruptura con los estilos dominantes en la época, tanto los de tradición academicista (el historicismo o el eclecticismo) como los rupturistas (realismo o impresionismo). Inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporaban novedades derivadas de la revolución industrial, como el hierro y el cristal, superando la pobre estética de la arquitectura del hierro de mediados del siglo XIX. Art Nouveau –en Bélgica y Francia– Jugendstil –en Alemania y países nórdicos Sezession –en Austria–, Modern Style –en los países anglosajones EEUU , Reino Unido Nieuwe Kunst –en Países Bajos Liberty o Floreale –en Italia Modernismo en España y en Latinoamérica.

MODERNISMO

El modernismo rechaza el estilo poco atractivo de la arquitectura industrial de la primera mitad del siglo XIX , y desarrolla nuevos conceptos arquitectónicos basados en la naturaleza, los materiales de construcción que se emplean, en las formas de los edificios y en las figuras de sus fachadas. Los arquitectos y sus escultores colocan en el exterior de los edificios pájaros, mariposas, hojas y flores a modo de elementos decorativos, ya sea como figuras adosadas o como adorno de la piedra o cerámica. También se colocan figuras de tamaño mayor, animales fabulosos o personas, y en las cornisas elementos de cerámica de color. Las ventanas y los balcones disponen de rejas de hierro forjado, que son labradas artísticamente y contienen motivos inspirados en la naturaleza.3 El desarrollo del modernismo es fomentado en Cataluña por la burguesía, que se siente catalana y es culta y sensible al arte. Esta burguesía ve en esta nueva arquitectura la manera de satisfacer sus ansias de modernización, de expresar su identidad catalana, y de poner de manifiesto de manera discreta su riqueza y su distinción. Fueron más de 100 arquitectos los que realizaron edificios de estilo modernista catalán, destacando entre ellos sobre todo tres: Antoni Gaudí, Lluís Domènech i Montaner y Josep Puig i Cadafalch.

NEOMUDÉJAR

El neomudéjar es un estilo artístico y arquitectónico que se desarrolló principalmente en la Península Ibérica a finales del siglo XIX y principios del XX. Se enmarca dentro de las corrientes orientalistas de la arquitectura historicista imperante en Europa por aquella época. El nuevo estilo se asoció especialmente a construcciones de carácter festivo y de ocio, como salones de fumar, casinos, estaciones de tren, plazas de toros

EXPOSICIONES UNIVERSALES

Exposiciones Universales:Utilización de nuevos materiales industriales en arquitectura: hierro , remaches y cristal • Creación de espacios diáfanos de gran amplitud. • Potenciar la arquitectura espectáculo en cuanto a sus dimensiones y su relación con el ocio y disfrute, incorporación a la arquitectura de otros avances industriales. Como la iluminación eléctrica. • Difusión de los avances arquitectónicos por las fotografías lo que posiblilita su influencia en otros paises Las Exposiciones Universales se originaron en la tradición francesa de exposiciones nacionales, una tradición que culminó con la exposición industrial francesa de 1844 celebrada en París. Esta feria fue pronto seguida por otras exposiciones nacionales en la Europa continental y, finalmente, el Reino Unido. Francia inicia una serie de exposiciones universales, a partir de 1855, cuya periodicidad de 11 años (1855, 1867, 1878, 1889 y 1900) se impone implícitamente. Esta periodicidad es indispensable para encuentros de semejante magnitud. La Exposición Universal de 1855 reúne, por primera vez, las industrias y las Bellas Artes. La primera Exposición Universal se celebró en el Palacio de Cristal en Hyde Park, Londres, Reino Unido, en 1851, bajo el título "Gran Exposición de los Trabajos de la Industria de Todas las Naciones Este fue el caso de Nueva York, ciudad que en 1853 organizó la segunda muestra de estas características y que dispuso de un Crystal Palace basado en la idea de Paxton, con la novedad de presentar una gran cúpula de fundición. La edición correspondiente a 1855 se celebró en París, donde el arquitecto Viel levantó el Palacio de la Industria; un edificio concebido como réplica al de Londres; si bien su ancho duplicó largamente al de aquel, y en el que se emplearon grapas metálicas y cristal engastado. Hasta finales del siglo XIX, Londres y París se alternaron en la organización de estas exposiciones, destacando Francia en cuanto a las novedades arquitectónicas que presentaron los sucesivos certámenes

GAUDÍ

Gaudí,:su obra puede calificarse sin duda ninguna como un modernismo fuertemente impregnado de referencias “historicistas”, incluso románticas, sin duda ninguna exóticas... en la construcción se ven claras inflfluencias neogóticas (el Palacio Arzobispal de Astorga es un buen ejemplo) y neomudéjares (pueden verse por ejemplo la Casa Vicens en Barcelona o El Capricho en Comillas, 1883-1885. En 1900 empieza la etapa que podemos llamar de “madurez” de su obra y de su prestigio. Empieza recibiendo el premio del Ayuntamiento de Barcelona, precisamente por esa Casa Calvet,el Parque Güell. Hasta 1910 desarrolla varios de sus proyectos más importantes, destinados a hacerse famosos: la reforma de la Casa Batlló , 1904-1906 y, en el mismo Paseo de Gracia, la construcción de la Casa Milà, la famosa Pedrera Templo Expiatorio de la Sagrada Familia, iniciado 1882, inicia las obras que llevará a cabo en la Colonia Güell en Santa Coloma de Cervelló. En esta etapa de su obra, Gaudí abandona ya todo tipo de referencias historicistas, y bajo la influencia del simbolismo imperante se lanza a un esteticismo sin excusas, basado en una imaginación totalmente en libertad.

NEOPLASTICISMO

Características de De Sijl y Neoplasticismo.

• Búsqueda de la renovación estética y de la configuración de un nuevo orden armónico de valor universal, eliminando todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental.
• Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos.
• Planteamiento totalmente racionalista.
• Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos.
• Creación de ritmos asimétricos, pero con gran sentido del equilibrio, logrado por la compensación de las formas y los colores. Nunca se recurre a la simetría.
• Colores planos, de carácter saturado (primarios: amarillo, azul, rojo) o tonal (blanco, negro y grises).
• Empleo de fondos claros.

Destacan diseñadores industriales y gráficos, arquitectos y decoradores. En la arquitectura se basó en el desarrollo de la técnica, la limpieza, la economía y lógica elemental y pura. El Arquitecto y diseñador mas importante Gerrit Rietveld

ADOLF LOOS

Adolf Loos ( 1870 1933) fue uno de los arquitectos europeos más influyentes de fifinales del siglo 19 y, a menudo se caracterizaba por su discurso literario Ornamento y Delito que prefiguró las bases de todo el movimiento moderno. Como arquitecto, su influencia se limita principalmente a las grandes obras en su país natal, Austria, y como un escritor tuvo un gran impacto en el desarrollo de la arquitectura del siglo 20, produciendo una serie de ensayos polémicos que elaboraron en su propio estilo arquitectónico por el denunciando ornamento y una serie de males sociales. Considerado por tanto como uno de los precursores del racionalismo arquitectónico, defendiendo una Arquitectura libre de todo ornamento, rompiendo con cualquier tipo de influencia historicista. Introduce un nuevo concepto en sus obras, el “Raumplan”. Un concepto según el cual se adjudica una importancia diferente a cada una de las estancias, a cada uno de los espacios que conforman la edificación. Un dormitorio no ha de tener la misma importancia que una sala de estar; dependiendo de la importancia y cualidad representativa de los diferentes espacios, su tamaño y altura habría de variar en consonancia Casa Steiner, Viena, 1910.

MIES VAN DER ROHE

Mies Van Der Rohe (1886-1969): vinculado a la Bauhaus, Se interesa desde siempre por los materiales como elementos expresivos. Esta característica definirá su obra; la piedra, los mármoles, el acero, el vidrio, serán utilizados de forma pura, desnuda. Sus espacios nunca son cerrados, se abren hacia el exterior buscando la integración con el entorno. Las ventanas se abren hacia fuera, creando nuevos planos y otra peculiaridad serán los pilares metálicos. En 1919 traza un proyecto de rascacielos de metal y vidrio con el que se sentó las bases de todos lo grandes edificios modernos.

LE CORBUSIER

LE CORBUSIER (1887-1965): Su contribución al racionalismo estriba en su relación con la vanguardia (es el creador, junto con Ozenfant, del Purismo, con el manifiesto Après le Cubisme, redactado en 1918), en el planteamiento del tema del estándar, que responde a motivos de eficacia, de precisión, orden y, por tanto, de belleza, y en su formulación de la vivienda mínima. Le Corbusier es conocido por su definición de la vivienda como la La machine à habiter también llamada la máquina para habitar traducido literalmente. Con ello, Le Corbusier ponía en énfasis no sólo el componente funcional de la vivienda, sino que esta funcionalidad debe estar destinada al vivir, comprendiéndose esto último desde un punto de vista metafísico. Le Corbusier creía que el objetivo de la arquitectura es generar belleza (muy conocida también es su frase: «la Arquitectura es el juego sabio, correcto y magnífico de los volúmenes reunidos bajo la luz»), y que ésta debía repercutir en la forma de vida de los ocupantes de los propios edificios. Define cinco puntos para una nueva arquitectura que reflejan la exigencia de codificar el propio lenguaje. Son:

• La casa sobre pilotes para que el suelo quede libre como un jardín
• El techo-jardín para que, en lugar de cubiertas inclinadas, las terrazas sean otro jardín más.
• El plano libre, no rígidamente distribuido por tabiques fijos.
• La ventana continua, desarrollada en horizontal.
• La fachada libre, es decir, independiente de la estructura portante.

Posteriormente formuló tres nuevos principios teórico-prácticos: El Modulor, especie de módulo constructivo, medida universal y armónica, aplicable a la arquitectura y a la mecánica, que parte de las dimensiones de la figura humana (medida de pie y con el brazo levantado) y de sus relaciones con el espacio del ambiente doméstico y urbano. La Grille Ciam (1947-49), o sea, la creación de un esquema geométrico, para la realización de planes de ordenación urbana. La Synthèse des arts majeurs, o sea la voluntad de reunificar las tres artes plásticas (pintura, escultura, arquitectura), a partir del proyecto con la intervención directa de los diversos artistas directamente en la obra

FRANK LLOYD WHRIGT

Frank Lloyd Wright (Arquitectura Orgánica) EEUU. En 1893 abrió su propio estudio de arquitectura en Chicago.Siempre rechazó los estilos neoclasicistas y victorianos de finales del siglo XIX, oponiéndose a la imposición de cualquier estilo, porque estaba convencido de que la forma de cada edificio debía estar vinculada a su función, al entorno y a los materiales empleados en su construcción, aspecto en el que demostró gran maestría, combinando con inteligencia todos los materiales de acuerdo con sus posibilidades estructurales y estéticas. Otra de sus aportaciones fundamentales a la arquitectura moderna fue el dominio de la planta libre, con la que obtuvo impresionantes espacios que fluyen de una estancia a otra, en una continuidad en la que paredes, suelo, techo y chimenea forman bloques ininterrumpidos. Este concepto será evidente en las llamadas casas de la pradera. Características: Influencia del ideal de casas japonesas, tipos de cubierta, concepto de espacio interior. Continuidad: paredes, suelo, techo y chimenea forman bloques ininterrumpidos. Complementación de la naturaleza. Ruptura del concepto de espacio fraccionado. La altura de los interiores se adapta a las proporciones humanas. Biaxialidad: dos ejes desiguales que se cruzan en ángulo recto visible desde arriba. De 1909 a 1911 Wright viaja a Europa donde le influirá el cubismo. En 1936 dará un giro decisivo a su carrera: abandona los volúmenes cúbicos y la composición ortogonal, iniciándose el período de las curvas.Formas extravagantes y fantásticas.

CALATRAVA

Santiago Calatrava concibe cada proyecto como una obra de arte viva donde todas las partes que la componen están relacionadas. Da gran importancia a al efecto dinámico, al hormigón y al acero como materiales de construcción. Se inspira en la naturaleza y en los esqueletos humanos. Fusiona arquitectura, ingeniería, escultura y se inspira en las formas de la naturaleza. El blanco es su color símbolo. Los diseños se caracterizan por un aire futurista y la innovación técnica y estética. Sus amplios conocimientos de ingeniería le han permitido especializarse en el diseño de grandes estructuras, entre las que destacan sus puentes, muchos de ellos célebres.

HADID

Es una de las mejores representantes de la Arquitectura Deconstructivista, corriente caracterizada por •Romper con todos los principios de la arquitectura. No hay equilibrio en la estructura, ni armonía, ni el concepto del espacio tradicional •Imaginación y creatividad desbordante del arquitecto. •Separar la forma de la función. •Fragmentar el edificio (deconstruir). Desintegrar el espacio. Formas irregulares. •Son edificios dinámicos, aparentemente irrealizables. •Complejidad constructiva y técnica que obligan a apoyarse en sofisticados medios informáticos en los diseños. •Utilización de un lenguaje escultórico. •Materiales variados y novedosos que alcanzan gran protagonismo. •Resultado espectacular y fascinador en el espectador.

ARQUITECTURA XIX - XX

VÍCTOR HORTA

ART-NOVEAU BELGICA VICTOR HORTA La ondulación de los tejados y fachadas, la aplicación de materiales como el hierro forjado, los motivos de vegetación natural y el cuidado diseño de la decoración y de cada elemento arquitectónico y de mobiliario del interior son características de sus obras: de Van de Velde es la casa Bloemenwerf; y de Horta la casa Solvay (especialmente su característico interior de diseño muy recargado, con lámparas, papel pintado, vidrieras, etc.), la casa Tassel, la Casa del Pueblo y la Casa van Eetvelde, todo ello en Bruselas, así como el Gran Bazar de Fráncfort. Las cuatro casas - la Casa Tassel, la Casa Solvay, la Casa van Eetvelde y la Casa-taller de Horta – están situadas en Bruselas y significaron una revolución estilística caracterizada por el plano abierto, la difusión de la luz y la brillante integración de las líneas curvas en la decoración y en la estructura del edificio.. Las cuatro casas de Victor Horta fueron inscritas en el Patrimonio de la Humanidad de la Unesco el año 2000 Casa Solvai Museo Horta

FOSTER

FOSTER Los rasgos que la definen son •Los componentes tecnológicos, forman parte del proyecto y de la expresión arquitectónica. •TECNOLOGÍA AL SERVICIO DEL HOMBRE. Deben facilitar nuestra vida. •Los exteriores tienen apariencia metálica y brillante. •Muestran estructuras y conductos: dejando a la vista los diversos elementos constructivos. •Aúnan criterio racionalista de aprovechamiento funcional de los espacios con una apariencia exterior desnuda y elegante. •Les influye la arquitectura racionalista. •Destacan los materiales industrializados, en especial para las cubiertas, los pisos y hasta para los muros. •Intenta integrar la arquitectura con la naturaleza respetando el medio ambiente. •En los 90 se incorpora en los edificios nuevas fuentes de energía. con una visión de ahorro energético y sostenibilidad. •Más adelante, la conocida como arquitectura sostenible, da paso al término Eco-tech, en donde finalmente la construcción de edificios, apuesta por la baja emisión de energía,

GEHRY

Frank Gehry, arquitecto canadiense que alcanza su plenitud con la construcción del Museo Guggenheim de Bilbao, 1991-1997, ubicado en la ría de Nervión, en un espacio industrial en declive, rehabilitado para uso cultural y de ocio. En 1989 fue galardonado con el Premio Pritzker. Gehry, en este edificio recoge todos los principios del Deconstructivismo y se convierte en un icono. Es un edificio- escultura de titanio, piedra caliza y cristal, que aprovecha para jugar con los reflejos de la luz y el color. Parece un barco anclado en la ría. El museo está formado por dos módulos, uno ortogonal de piedra y otro curvado de láminas de titanio, ambos unidos por muros de vidrio. Transmite flexibilidad y movimiento. Una arquitectura visual, la de Gehry, que enfrenta a detractores y apasionados aunque a ambos les gusta lo que ha hecho el arquitecto canadiense. Sus obras arquitectónicas son puro arte, esculturas suele llamarlas él mismo. Aunque el secreto de su éxito pasa por que sus esculturas son plenamente funcionales.

Fundamentos II Ángeles del Canto

ART DECÓ

Art Decó: se inspira en las Primeras Vanguardias. Las influencias provienen del constructivismo, cubismo, futurismo, del art nouveau, del que evoluciona, y también del estilo racionalista de la escuela Bauhaus. Los progresivos descubrimientos arqueológicos en el Antiguo Egipto marcaron asimismo su impronta en ciertas líneas duras y la solidez de las formas. Como estilo de la edad de la máquina, utilizó las innovaciones de los tiempos para sus formas: las líneas aerodinámicas, iluminación eléctrica, la radio, el revestimiento marino y los rascacielos. Estas influencias del diseño se expresaron en formas fraccionadas, cristalinas, con presencia de bloques cubistas o rectángulos y el uso de la simetría. El color se nutrió de las experiencias del fovismo; trapezoides, facetamientos, zigzags y una importante geometrización.

ART-NOVEAU BELGICA Interior de la Casa, Tassel 1892-1893 La Casa Tassel Es una de las primeras construcciones del arquitecto . Fue una obra faro ya que rompió la disposición clásica de las habitaciones en las residencias de Bruselas. En ellas, la puerta de entrada se encontraba siempre al lado de la fachada y se prolongaba hacia el interior por un largo pasillo lateral permitiendo entonces acceder a las tres partes que siguen una a continuación de la otra: el salón en el lado de la calle, el comedor en medio y el patio cubierto al lado del jardín. Víctor Horta puso la puerta de entrada en medio de la fachada, colocó el pasillo en la zona central de la casa y sacrificó el centro de la casa para instalar un pozo de luz.

Templo Expiatorio de la Sagrada Familia, iniciado 1882

Casa Batlló , 1904-1906

El Capricho de Gaudí, Antonio Gaudí 1883-1885

Plaza de Toros de Madrid 1922-29

Parlamento de Londres Neogótico 1840-1865

El Crystal Palace de Paxton, calificado por algunos de sus detractores como el monstruo de cristal, fue catalogado durante mucho tiempo como obra maestra e, incluso, como una de las maravillas del mundo arquitectónico. Desgraciadamente hoy desaparecido a causa de un incendio, este palacio ejerció una decisiva influencia en la concepción de otros pabellones levantados en posteriores exposiciones universales.

La Exposición Universal de París de 1889 contó con una Galería de Máquinas, construida según el proyecto del arquitecto Louis Dutert (1845-1906) y del ingeniero Contamin (1840-1893). Algo menor que el Crystal Palace londinense, huía del aspecto de invernadero y sus monumentales pilares descansaban sobre 40 pilastras de albañilería. La bóveda, cuya altura alcanzaba los 43 metros, cubría, sin ningún apoyo intermedio, una superficie de 4,5 hectáreas. El edificio despertó una expectación similar a la que en su día suscitara el pabellón de Paxton. Eiffel, experto en la construcción de puentes, estaciones de ferrocarril y edificios de hierro, ya había participado en la construcción de la estación de Pest (Hungría), en la de los almacenes Au Bon Marché de París y en los cálculos del techo de la Galería de Máquinas de la Exposición de 1867. Asimismo, suya fue la ejecución de muchos puentes, entre los que destacan el del Duero, en Portugal, y el viaducto de Garabit, en Francia, de 165 metros de luz sobre las aguas del río Thuyére, como igualmente concebiría la estructura metálica que sustenta la estatua de La Libertad, en Nueva York. La construcción de la torre Eiffel, de 300 metros de altura, Exposición Universal de París de 1887, conmemorativa del centenario de la Revolución francesa, donde Eiffel lleva adelante otro ejemplo de la nueva arquitectura. Se trata de la famosa torre que tomó su nombre, una obra que sorprendió y desató entonces toda suerte de reacciones, negativas en su mayoría.

Villa Müller,1928-1930

Gerrit Rietveld (Casa Shroder)

Pabellón de Alemania en la Exposición Universal de Barcelona 1929

Villa Savoya

Notre Dame du Haut 1955

Casa de la Cascada (1934-37)

Museo Gugenheim de Nueva York (1944-1959)

Norman Foster, Renovación del Edificio Reichstag, 1999

Norman Foster,Torre 30 St Mary Axe, 2004

Frank Gehry, Museo Guggenheim Bilbao, 1997

Zaha Hadid, Centro Heydar Aliyev, 2012.

Santiago Calatrava, Puente del Alamillo, 1992

Edificio Chrysler, Art Decó 1928

1787

1920

1930

1940

CÁNOVA

El nombre de Canova se asocia esencialmente a esculturas de mármol de acabado y pulido perfectos, que encarnan la belleza ideal y son frías y distantes, libres de la expresión de cualquier sentimiento o turbación. Este escultor, que encarna de maravilla el gusto de su tiempo, plasmó la belleza natural en reposo, libre de cualquier movimiento espontáneo y con una monocromía y simplicidad que contrastan vivamente con la etapa precedente. Esta belleza en reposo idealizada contrasta con la escultura barroca anterior en la que prima el movimiento, el dramatismo y la tensión.

RODIN

Rodin Viajó a Italia , donde se sintió atraído por el tratamiento del movimiento y la acción muscular en las obras de los escultores del renacimiento Donatello y Miguel Ángel (el fuerte impacto de la terribilitá de Miguel Angel se aprecia en toda su obra).La Edad de Bronce: Para Rodin , la belleza en el arte consistía en una representación fidedigna del estado interior, y para lograr este fin a menudo distorsionaba sutilmente la anatomía. Manos de amantes, obra de 1904. Esculpidas en mármol blanco, las dos manos se acarician con gran sensualidad. Con ellas, Rodin alcanza la máxima depuración formal. Las manos eran uno de los temas favoritos del artista . Cuentan que tenía montones de ellas en su taller. De todos los tamaños y de ambos sexos. En esta escultura se puede apreciar la influencia de Miguel Ángel en el tipo de bases que utiliza para sus piezas. Son soportes que dan una idea de inacabado. forma de decir: ahí lo dejo. No lo acabo porque el mundo termina cuando yo lo decido non finito de Miguel Ángel es especialmente evidente en Fugit amor, una obra en la que un hombre y una mujer están fundidos en un abrazo. Una escultura que es necesario rodear totalmente para poder aprehenderla en todos sus detalles. El escultor francés dotaba a su trabajo de gran fuerza psicológica expresada a través del modelado y la textura . En el arte de Rodin se funden una técnica impresionista , que con la rugosidad de las superficies y la multiplicación de planos obtiene efectos de luz , la profundidad vital y la fuerza colosal que anima las figuras. Se le considera uno de los escultores más importantes del siglo XIX y principios del XX EL BESO una representación visual del amor en la que una fuerza interna une en audaces enlaces y abrazos a seres que así manifiestan la expansión de su energía vital, de la felicidad compartida. 1888 - 1889 mármol 181,5 x 112,3 x 117 cm EL BESO Esta desmitificación y la representación del amor como parte del comportamiento de todo ser humano provocó una fuerte reacción en sus contemporáneos que juzgaron como crudamente realista e impúdica a El Beso (escena aceptada y gozada siempre que se diera un contexto mítico o literario) LAS PUERTAS DEL INFIERNO (1880-1917) La puerta representaba principalmente escenas del Infierno, la primera parte de la Divina Comedia de Dante . Aunque Rodin no completó las Puertas del infierno, creó modelos y estudios de muchos de sus componentes escultóricos , siendo todos ellos aclamados como obras independientes.

BENLLURE

Mariano Benlliure (1862-1947) Benlliure liberó a la escultura española de los aspectos idealistas que perduraban desde el Romanticismo. Su obra se caracteriza por un sentido narrativo, minucioso y realista. Y esa minuciosidad realista, es lo que le conduce a un excesivo y pictórico detallismo. Se preocupó, además, por captar el movimiento, el aspecto transitorio y dinámico de la vida. Puede ser considerado como el puente con el Modernismo. Una de sus esculturas decorativas más modernistas es el grupo alegórico que corona el edificio de La Unión y el Fénix. Entre sus monumentos destaca la estatua ecuestre del General Martínez Campos. Una estatua antiheroica, de realismo casi fotográfico. El jinete cabalga pesadamente, con el capote abrochado al cuello y flotando sobre sus hombros, mientras el caballo, que ha detenido su marcha, vuelve la cabeza para rascarse.

BRANCUSI

Constantin Brancusi eliminación de los detalles que le condujo casi a la abstracción, Inspirándose en el arte escultórico prehistórico y africano, intentó mostrar la naturaleza subyacente al desnudo mediante una simplificación extrema de la forma. Trabajó el mármol, piedra caliza, bronce y la madera. Predomina en sus obras dos formas simples: el huevo y el cilindro alargado.

GARGALLO

Pablo Gargallo Influido por Julio Gonzalez, desarrolló un estilo de escultura basado en la creación de objetos tridimensionales de placas planas de metalq ue es la culminación de su concepto cubista de escultura del hueco y a la vez posee una energía expresionista

ESCULTURA VASCA

ESCULTURA VASCA La recuperación de las estéticas geométricas europeas (el neoplasticismo y el constructivismo soviético)y su influencia en la cultura vasca generan las bases de lo que se denomina la escuela de la escultura vasca. Eduardo Chillida Agustín Ibarrola Jorge de Oteiza (Orio, Guipúzcoa1908 - 2003) fue un escultor español. Se le considera uno de los máximos exponentes de la Escuela Vasca de Escultura. Se le concede por concurso la realización de la estatuaria para el friso y la fachada de la Basílica de Nuestra Señora de Arantzazu (1949-51), obra del arquitecto Francisco Javier Sáenz de Oiza. En esta gran obra, Oteiza pone en práctica sus teorías sobre el debilitamiento de la expresión figurativa, aplicándolas a un tema religioso. La Iglesia prohíbe los trabajos, retrasando su conclusión a 1968, cuando se termina de colocar el friso de apóstoles y se coloca en la fachada una imagen de la Virgen con el hijo muerto a sus pies.Con la experimentación heredada del constructivismo, Oteiza se embarca en lo que denomina su Propósito Experimental (1955), título con el que se presenta en la Bienal de São Paulo (1957), donde obtiene el premio extraordinario de escultura. En 1959, por entender que había alcanzado a su fase conclusiva, decide abandonar la actividad escultórica. En estos cinco años de actividad Oteiza realiza una operación de gran trascendencia, al situar su obra en la senda de la tradición geométrica europea, reivindicando el neoplasticismo y el constructivismo soviético. La recuperación de las estéticas geométricas europeas y su influencia en la cultura vasca generan las bases de lo que se denomina la escuela de la escultura vasca. Durante los 60 y 70 Oteiza investiga la lengua vasca y las manifestaciones populares de su pueblo. En 1963 publica Quousque tandem…! Ensayo de interpretación del alma vasca, que se convertiría en su texto más conocido y polémico. En este libro se hace una defensa de la cultura popular vasca y su identidad, a la vez que se propone la estética como ciencia bajo la que subsumir todo el conocimiento. Evoluciona influido proponiéndose trasladar el concepto de vacío de la pintura constructivista a la escultura, creando estructuras geométricas que aluden a este concepto, obras destacadas: “Caja metafísica” activaba el espacio al inducir una percepción del espacio sugerido dentro o fuera de los planos curvados que conforman materialmente la escultura.

MOORE

ESCULTURA: Henri Moore Aunque el artista siguió un aprendizaje académico, enseguida buscó un lenguaje propio y en los años veinte se unió a la corriente artística que volvió su mirada hacia las formas primitivas (Picasso, Derain, Brancusi…). las esculturas arcaicas, tendrán una influencia directa en el trabajo de Moore, que inicia en 1922 una de sus series más célebres, Madre e hijo.Durante los años 1930 se unió al movimiento modernista. Moore realizaba varios bocetos y dibujos para cada escultura. Sus primeras esculturas mostraban vacíos convencionales, producto de extremidades flexionadas que se separaban y regresaban al cuerpo. Posteriormente sus figuras se volvieron más abstractas y tenían agujeros que penetraban directamente el cuerpo. Por medio de este tipo de figuras Moore exploró formas cóncavas y convexas.

NAUM GABO

NAUM GABO Escultor estadounidense de origen ruso. Fue uno de los líderes del constructivismo del siglo XX. En 1920 publicó junto con su hermano el Manifiesto Realista, que preconizaba la utilización de formas artísticas nuevas, basadas en el espacio y el tiempo, trazando las líneas fundamentales de lo que se conocería como constructivismo; al amparo de estas teorías realizó varias obras, con partes dotadas de movimiento, a las que denominó esculturas cinéticas. Vivió en Alemania entre 1922 y 1932 y allí ejecutó piezas que se caracterizan por su calidad arquitectónica monumental, como la Columna (1923, Museo de Arte Moderno, Nueva York), de cristal, metal y plástico

PESVNER

NAUM GABO Escultor estadounidense de origen ruso. Fue uno de los líderes del constructivismo del siglo XX. En 1920 publicó junto con su hermano el Manifiesto Realista, que preconizaba la utilización de formas artísticas nuevas, basadas en el espacio y el tiempo, trazando las líneas fundamentales de lo que se conocería como constructivismo; al amparo de estas teorías realizó varias obras, con partes dotadas de movimiento, a las que denominó esculturas cinéticas. Vivió en Alemania entre 1922 y 1932 y allí ejecutó piezas que se caracterizan por su calidad arquitectónica monumental, como la Columna (1923, Museo de Arte Moderno, Nueva York), de cristal, metal y plástico

IBARROLA

Agustín Ibarrola 1930- Escultor y pintor. En 1950 conoció a otro artista que tuvo gran influencia sobre su producción y su mentalidad artística, el escultor vasco Jorge Oteiza; junto a él se introdujo en la división y análisis del espacio propia del constructivismo. También aprendió de Oteiza la mentalidad de creación artística conjunta, donde participaran numerosos artistas y diferentes artes. En 1956, y tras realizar diversas exposiciones en España, se trasladó a París. En esta ciudad conoció a otros artistas españoles residentes allí, con los cuales en 1957, en el café Rond Point fundaron el Equipo 57; entre integrantes de dicho grupo fueron José Duarte, Ángel Duarte y Juan Serrano. En este época, a través de José Ortega, descubre la técnica del grabado y se integra en el movimiento de "Estampa Popular" del País Vasco. Esta es su época del constructivismo. Durante los años 60 inicia su actividad política y social, siendo detenido en 1962 y encarcelado varios años, la prisión de Burgos por su militancia comunista. Hace algunos años decidió retirarse a su caserío realizando obras pictóricas y escultóricas de gran formato, y trabajando en sus intervenciones en la naturaleza en sus Bosques, decoraciones pictóricas realizadas en árboles. Un ejemplo de estos, y quizá su trabajo más conocido, es el Bosque de Oma, cerca de Guernica

CHILLIDA

Eduardo Chillida (San Sebastián, 1924- 2002) fue un escultor español conocido por sus trabajos en hierro y en hormigón, destacado continuador de la tradición de Julio González y Pablo Picasso. Sus primeras esculturas son obras figurativas lo acercan al lenguaje de Henry Moore. En 1949 realizó Metamorfosis, obra que ya puede ser considerada abstracta. Alrededor de 1951, con su empleo en la fragua, se inicia en el trabajo del hierro. Emprende entonces un ciclo de esculturas no imitativas en las que destaca su preocupación por la introducción de espacios abiertos. Huye de la imitación de la naturaleza y va en busca de la creación e invención. Cada una de sus obras plantea un problema espacial que trata de resolver con la ayuda del material, según las características o propiedades del mismo. Para las puertas de Aranzazu busca chatarras y desechos industriales que puedan servirle. No pretende hacer unas puertas donde se coloquen esculturas, sino que ellas mismas sean las esculturas.En 1957 abre una nueva etapa de experimentación. Hasta entonces, en su lenguaje predominaban las líneas horizontales, verticales y curvas y ahora adoptará ritmos lineales más movidos e inquietos, de difícil comprensión. Son variadas composiciones que asentadas en rudos bloques de granito o madera, parecen extender sus ritmos al espacio con gran ligereza, a pesar del material, que no lo oculta.

ESCULTURA XIX - XX

Fundamentos II Ángeles del Canto

JORGE OTEIZA

ACADEMICISMONEOCLÁSICO

Cánova. El beso, 1787

EL PENSADOR una de las obras en la que la influencia de Miguel ángel se refleja con mayor intensidad. La enérgica concentración del rostro y de los músculos tensos y las manos fornidas, recuerdan al gran maestro florentino

BURGUESES DE CALAIS 1889 bronce 217 x 255 x 177 cm Los burgueses de Calais anuncia las vigorosas deformaciones del Expresionismo , anticipando con sus formas sarmentosas y sus expresiones enigmáticas algunos de los caminos que la escultura recorrerá en el siglo XX; esta escultura es un monumental grupo en bronce en el que se representan personajes históricos con gran diferenciación psicológica

El beso, 1907

Pájaro en el espacio, 1928

El Profeta 1933

Mascara de Greta Garbo con mechón, 1930

Columna de la paz, 1954

Construccion liberal en el espacio nº2

Maternidad o mujer reclinada con niño, 1975-1976

En Peine del viento la naturaleza interviene como un elemento más, sin forzarla. Recurre al viento y al agua, intentando que todos formen parte de la escultura.

Bosque de Oma, cerca de Guernica

Jorge Oteiza construccion Vacía 1957

Sirena varada (1972)Eduardo Chillida

1820

1920

1925

1930

MOBILIARIO ROMANTICISMO

Muebles Estilo Regencia (Regency) Se desarrolló en Inglaterra (1811-1820), Muebles Estilo Segundo Imperio, Napoleón III El estilo Segundo Imperio también llamado estilo Napoleón III es un estilo arquitectónico que nació en Francia bajo el Segundo Imperio, el reinado de Napoleón III. Tuvo gran éxito entre la burguesía entre las décadas de 1860 y de 1880 Se buscaba inspiración en los grandes clásicos de la ebanistería francesa

JOYERÍA MODERNISTA

JOYERÍA MODERNISTA la naturaleza como la principal fuente de inspiración. Complementaron esta renovación los nuevos niveles de virtuosismo alcanzados en el esmaltado y los nuevos materiales como ópalos y otras piedras semipreciosas. Interés generalizado en el arte japonés y el entusiasmo especializado en las habilidades de metalistería Lalique incluyo elementos nuevos–como libélulas y hierbas- inspirados en sus encuentros con el arte japonés. Revolucionó muchos tópicos de la alta joyería, incorporando en la elaboración de sus piezas un sentido escultórico que privilegiaba la forma y composición sobre los materiales, utilizando vidrio, el esmalte, el cuerno, el marfil o las piedras semipreciosas. Lluis Masriera, miembro de una conocida saga catalana de artistas, que además fue pintor, dramaturgo y escenógrafo. Sus piezas de joyería se caracterizan por la aplicación de esmaltes translúcidos. Su obra presenta una gran influencia de Lalique, Fuera de Cataluña,

NEOPLASTICISMO

CARACTERÍSTICAS DEL NEOPLASTICISMO •Búsqueda de la renovación estética y de la configuración de un nuevo orden armónico de valor universal, eliminando todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental. •Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos. •Planteamiento totalmente racionalista. •Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos. •Creación de ritmos asimétricos, pero con gran sentido del equilibrio, logrado por la compensación de las formas y los colores. Nunca se recurre a la simetría. •Colores planos, de carácter saturado (primarios: amarillo, azul, rojo) o tonal (blanco, negro y grises). •Empleo de fondos claros.

BAUHAUS

Bauhaus: Funcionalidad: la forma sigue la función La Bauhaus hace suyo este principio del arquitecto norteamericano Louis Sullivan y lo aplica al diseño y la arquitectura. El diseño Bauhaus intenta resolver todos los problemas de funcionalidad con el mínimo de adornos decorativos y busca la armonía entre la función y los medios artísticos y técnicos de fabricación. Simplicidad y formas geométricas El diseño Bauhaus se reconoce por la simplicidad de líneas y formas que se manifiesta en líneas rectas y curvas suaves. Influenciada por el cubismo y la obra de artistas contemporáneos como Picasso o Gris, la Bauhaus utiliza formas geométricas, abstractas y simples para crear objetos de diseño novedoso y contemporáneo.

COCO CHANEL

Cocó Chanel: el uso de prendas sport y de influencia masculina, influencia marinera, los trajes como prendas elegantes o la bisutería como sustituto perfectamente aceptable de las joyas. Una de las mayores revoluciones de Chanel fue romper este vínculo del color negro al luto e introducir ese color en la vida de la mujer como sinónimo de elegancia. El Petite Robe Noir (PRB), el Little Black Dress (LBD) o simplemente el vestido negro que revolucionó la moda en 1926 y que fue calificado como “el modelo Ford T de Chanel“ o como el uniforme de la mujer moderna tras ser publicado en Vogue.Triunfa en Estados Unidos con su pieza estrella estos años: el traje de tweed.

BALENCIAGA

Cristóbal Balenciaga Eizaguirre (1895 - 1972), fue un prestigioso diseñador de moda español, considerado uno de los creadores más importantes de la alta costura, que desempeñó su trabajo principalmente en la ciudad de París durante más de tres décadas. Anteriormente tuvo una formación de sastre y diversas marcas propias en España. Contemporáneo de Coco Chanel y Christian Dior. abrió una tienda llamada Eisa (como homenaje a su apellido materno) en San Sebastián, en 1919, que se expandiría hacia Madrid y Barcelona. La Familia Real Española y la aristocracia llevaban sus diseños. Cuando estalló la Guerra Civil Española se vio forzado a cerrar sus tiendas, y se trasladó a París. Balenciaga abrió su taller parisino en la Avenida George V en agosto de 1937. Impuso un estilo totalmente innovador presentando una línea de hombros caídos, cintura pinzada y caderas redondas. Es a partir de los años 50 cuando empieza a ser reconocido y despliega toda su creatividad.

MIES VAN DER ROHE

Mies van der Rohe: Arquitecto innovador en Alemania durante la República de Weimar, fue el último director de la Bauhaus, una escuela de arte y arquitectura germen de la arquitectura moderna. Con el ascenso del nazismo al poder, que se oponía frontalmente a la modernidad que esta escuela representaba, se ordenó su cierre, y Mies emigró a Estados Unidos. Allí aceptó el puesto de director de la escuela de arquitectura del Instituto de Tecnología de Illinois en Chicago.

MODA

Tras la década antimoda 1970, en la que predominó la ropa de calle e informal, era inevitable el regreso de la figura del diseñador. En la década de 1980 se prestó cada ves mas atención a la alta costura y los diseñadores se convirtieron en celebridades. Los nombre de algunos se identificaban con sus icónicas piezas: el italiano Gianni Versace con sus vestidos de fiesta de colores metálicos que sentaban como un guante: Christian Lacroix con la falda globo y los estampados rosas, Gautier con el sujetador de copas cónicas, Karl Lágerfeld con el clásico traje Chanel modernizado con colores vivos. La moda está presente en los diferentes medios de comunicación: radio, televisión y prensa desde los más generalistas a los suplementos semanales, las revistas especializadas. La presencia de diseñadores y supermodelos beneficia a las marcas pues las vale como publicidad. La alfombra roja de los Oscars y festivales de cine se convierte en la mejor forma de difundir el nombre de la marca entre las masas.

DISEÑO

CARTEL

CARTEL es un soporte de la publicidad. Consiste en una lámina de papel, cartón u otro material que se imprime con algún tipo de mensaje visual (texto, imágenes y todo tipo de recursos gráficos) que sirve de anuncio para difundir una información o promocionar un (bien o servicio) producto (economía) un evento, una reivindicación o cualquier tipo de causa. Las causas de su aparición: El inicio de la industrialización a gran escala, que generó la necesidad de una publicidad extensiva. El otro fue el invento, en 1798, de un nuevo método de impresión, la litografía, que hacía mucho más fácil la ilustración de carteles en color. Los representantes del Art Nouveau introdujeron un estilo pictórico alternativo creando carteles de imágenes exóticas y estilizadas por medio de líneas fluidas y de elegantes formas alargadas. Artistas : el francés nacido en Checoslovaquia ALPHONSE MUCHA, , el austriaco GUSTAV KLIMT .Dentro de esta corriente modernista destacan en España RAMÓN CASAS, autor del célebre cartel de Anís del mono y SANTIAGO RUSIÑOL.

MUCHA

Alphonse Mucha (1860-1939),mujeres jóvenes, hermosas y saludables, flotando en atuendos vagamente neoclásicos, frecuentemente rodeadas de exuberantes flores las que a veces formaban halos detrás de sus cabezas. Este estilo fue imitado con frecuencia. carteles de la actriz francesa Sarah Bernhardt o l champangne Moet Chandon. Gismonda,1895 Las cuatro estaciones,1896 Cycles Perfecta ,1902

CHERET

CHERET: revolucionó su apariencia dando el papel preponderante a la ilustración En lugar de escenas realistas dibujaba figuras idealizadas, realzando su belleza, vitalidad y movimiento. Se especializó en carteles de teatro, de los que hizo alrededor de 1.000

TOULOUSE LAUTREC

El cartel y la obra gráfica de Henri de Toulouse-Lautrec. La obra de Toulouse-Lautrec se caracteriza por su estilo fotográfico, al que corresponden la espontaneidad y la capacidad de captar el movimiento en sus escenas y sus personajes, siendo el suyo un estilo muy característico. A esto hay que añadir la originalidad de sus encuadres, influencia del arte japonés, que se manifiesta en las líneas compositivas diagonales y el corte repentino de las figuras por los bordes. Poseía una memoria fotográfica y pintaba de forma muy rápida. Sin embargo, su primera influencia fue la pintura impresionista y, sobre todo, la figura de Degas, de quien siguió la temática urbana alejándose de los paisajes que interpretaban Monet o Renoir. Fue la vanguardia del modernismo y del Art Nouveau. Lautrec fue fundamentalmente un dibujante e ilustrador, tareas que le permitieron subsistir. Sus pinturas al óleo son comparativamente escasas y apenas las expuso en vida. Al contrario que Van Gogh, su «malditismo» o fama de persona marginal no implicaron que fuese un artista fracasado; y de hecho fue muy popular por sus ilustraciones y carteles publicitarios. Aportó quince diseños al semanario Le Rire y también ilustró el programa de mano del estreno teatral de Salomé de Oscar Wilde.

Fundamentos II Ángeles del Canto

JOYERÍA ART DECÓ

JOYERÍA DECÓ La 1ª Guerra Mundial supuso una ruptura en el diseño de joyería. La guerra cambió el papel de la mujer en la sociedad. La necesidad de que las mujeres ocuparan los puestos de trabajo de los hombres creó una gran emancipación. Los “Locos Años 20” florecieron con un gusto por el lujo decadente. La joyería ART DECO está caracterizada por los diseños geométricos, diversas combinaciones de color y motivos abstractos. En 1922, la apertura de la tumba de TUTANKAMON, inspiró un revival de lo egipcio. También son comunes las influencias del arte MAYA. Las piedras preciosas más populares del período ART DECO fueron los diamantes Rubíes, zafiros, esmeraldas, coral, marfil, jade, madreperla y cristal de cuarzo fueron empleadas como acentos de color junto a los diamantes o en solitario. El metal preferido fue el PLATINO

BALLETS RUSOS

En 1910 se produjo un cambio rotundo en la moda, influenciado por el "Ballet Ruso" que recorría los escenarios europeos. Los colores llamativos y la onda oriental, reemplazó la hegemonía en tonos pastel y las faldas largas. Bailarinas como la sensual y enigmática Mata Hari, se transformaron en iconos de belleza seguidos mundialmente. Gracias a esta nueva moda las mujeres se atrevieron a desafiar los sólidos principios morales que las ataban y comenzaron a mostrar el cuerpo, lo que por supuesto no fue posible sin escándalo eclesiástico y machista de por medio. Escote en "V" , las faldas se acortaron levemente, dejando al descubierto los tobillos, cosa que también causó estupor en la época porque durante siglos las piernas femeninas habían sido el símbolo erótico . En 1908, la moda ya no fue tan incómoda y la cintura dejó de marcarse tanto y se puso de moda el talle imperio , inspirado en la época de Napoleón, que daba una silueta mucho más recta, sin marcar tanto la cintura y se produjo una oleada de orientalismo debido a los diseños de Paul Poiret y los ballets rusos.

MOBILIARIO MODERNISTA

Las principales características del estilo modernista que se pueden aplicar a los muebles son: Inspiración en la naturaleza y utilización de motivos vegetales en la decoración, uso de la línea curva y de la asimetría. Maderas nobles y textiles con dibujos que frecuentemente adoptaban la forma del “coup de fouet” tan propio del modernismo, así como diseños inspirados en la naturaleza. El mobiliario modernista fue diseñado por auténticos genios, artistas innovadores y vanguardistas, se emplearon maderas exóticas que no se habían utilizado mucho en Europa, como un reto a los diseños clásicos, muchos arquitectos diseñaron muebles para ocupar lugares privilegiados en edificios modernistas, los mejores ebanistas crearon auténticas joyas combinando tipos de maderas con bronces, cerámicas, nácar. También se empleó la técnica del pirograbado que enriquecía aún más los muebles.

1980

CÓMIC AMERICANO

ESTADOS UNIDOS SUPERHÉROES El primer súper héroe: "Superman" Joe Shuster ,1933 Jerry Siegel, En 1938 nace Superman, el primer superhéroe de comics que ha permanecido hasta nuestros días y que ha sido llevado a la televisión y al cine .Originalmente los creadores de Superman, concibieron al personaje como un villano creado por un científico loco pero dándole vueltas a la idea crearon un cuento de un Súper Hombre proveniente de otro planeta que hacia el bien Batman , Bob Kane, 1939 es una serie de cómics con el héroe homónimo de DC Comics. 1939. En 1940, un mes después de la primera apareció su nuevo compañero, Robin el Chico Maravilla.Autores Bob Kane, Bill Finger. "Captain America"Jack Kirby,1941 Joe Simon,.El superpatriota supersoldado de los Estados Unidos. Steve Rogers fue inoculado con un misterioso suero del supersoldado

CÓMIC LÍNEA CLARA

COMIC: EUROPA: LINEA CLARA:Delimitación de las figuras mediante una línea continua y depurada. Ausencia de tonos intermedios, manchas de negro y efectos de sombra y luz.Aplicación del efecto máscara, es decir la combinación de unos personajes gráficamente caricaturescos con un entorno realista.. Respeto a la narrativa clásica, aunque no excesivamente encorsetada en el montaje de los planos (viñetas). Amor a la Historieta de Género, especialmente a la historieta de aventuras.Europa Belgica :"Tintín” de HergéEn la serie, junto a Tintín, un intrépido reportero de aspecto juvenil y edad nunca aclarada que viaja por todo el mundo junto con su perro Milú, hay una serie de personajes secundarios que han alcanzado tanta o más celebridad que el protagonista: entre ellos, el capitán Haddock,. Las aventuras de estos personajes están cuidadosamente ambientadas en escenarios reales de los cinco continentes, y en lugares imaginarios creados por Hergé.

Muebles Estilo Segundo Imperio, Napoleón III El estilo Segundo Imperio también llamado estilo Napoleón III es un estilo arquitectónico que nació en Francia bajo el Segundo Imperio, el reinado de Napoleón III. Tuvo gran éxito entre la burguesía entre las décadas de 1860 y de 1880 Se buscaba inspiración en los grandes clásicos de la ebanistería francesa. Los artesanos fabrican alternativamente a turnos de brazo y a bajo precio falsos Riesener, falsos Boulle. La galvanoplastia permitió la multiplicación de falsos bronces. El papel maché da la ilusión de la laca (proporcionó a los bolsillos más modestos muebles brillantes). Sobre un fondo negro se despliegan grandes ramos de flores pintados en vivos colores. Estas maderas oscuras están en armonía con telas ricas (rojo y oro) que vuelven cálidos los interiores. A menudo tienen incrustaciones de materiales preciosos, nacarados o escamados lo que acentúa el aspecto llamativo. Aparecen muebles nuevos: el puf, la boudeuse (especie de divan), la crapaud o silla sapo, completamente recubierta de tela hasta las patas, de modo que la madera no aparece, y a menudo está acolchada.. El mobiliario segundo imperio tiene, además, la característica esencial de ser mucho más cómodo que sus predecesores, como consecuencia de las nuevas técnicas de acolchado que se manifiestan en estos años. Los materiales empleados en la construcción de muebles son muy variados, Las maderas son normalmente oscuras o laqueadas con negro: La chauffeuse: es una silla baja con toda la madera cubierta por el tapizado y con flecos que llegan al suelo. Puf: es un asiento redondo sin respaldo ni apoya brazos, acolchado y recubierto en su totalidad por tela, y con flecos que llegan hasta el suelo. Borne: conocido también como canapé rond o milieu de salon, un tipo de diván redondo u ovalado y con un respaldo central en forma de cono truncado. Los primeros ejemplares aparecen a partir de 1820, pero se ponen de moda especialmente durante el segundo imperio. A veces los asientos pueden estar separados por brazos, pero normalmente forman un único plano de asiento. El crapaud: es un sillón forrado totalmente de tela, sin madera expuesta, y con el borde inferior adornado con flecos hasta el suelo. El tête-à-tête (confidente): es de dos plazas y está constituido por dos sillones unidos de manera opuesta formando una S. El indiscret: uno de los muebles más originales del segundo imperio, un diván formado por tres sillones unidos entre sí por uno de sus brazos. Su estructura de madera está oculta por un cómodo acolchado, y por valiosas telas. La disposición de los asientos, muy original, permitía la conversación cara a cara de los usuarios, cuyas piernas quedaban colocadas de forma opuesta. El velador: característico de este estilo es de caoba, pero con mas frecuencia de peral ennegrecido. Tablero circular o festoneado y pie central terminado en trípode, con incrustaciones de nácar y dibujos pintados o dorados de motivos chinos, flores y frutos. La pata central es en forma de balaustre y tiene adornos dorados. Buffet: Es un mueble de dos cuerpos con una base de dos o más estantes para la vajilla y un cuerpo superior, constituido normalmente por una vitrina. Los modelos más sencillos tienen sólo la base y un tablero con altos bordes. Étagère: formado por una serie de estantes sustentados por dos montantes. Puede estar exenta (colgante, de pared o en el suelo) forma parte de otro mueble, o constituye el cuerpo superior de un aparador.

Muebles Estilo Regencia (Regency) Se desarrolló en Inglaterra (1811-1820), paralelamente a los estilos franceses Directorio e Imperio. Se inspira en formas griegas antiguas y adaptaciones del románico con influencias chinas y góticas. También se le llama estilo Imperio Inglés. La tendencia preponderante de la época era el estilo Neoclásico. Aunque básicamente el Regency era una imitación del estilo Imperio francés, los artistas le introdujeron los detalles que complacían de mejor forma a los ciudadanos ingleses. Este estilo no debe confundirse con el Régence francés, que se desarrolló anteriormente, durante la transición desde el Barroco, alcanzando su mayor popularidad entre 1715 y 1723, para luego derivar al Rococó.

La silla roja y azul (The Red Blue Chair en inglés) es una silla diseñada en 1917 por Gerrit Rietveld. Representa una de las primeras exploraciones del movimiento de arte De Stijl en las tres dimensiones. La silla original tenía un acabado natural y luego fue pintada con la paleta de colores primarios del De Stijl: negro, gris y blanco. Sin embargo, más tarde fue cambiada para parecerse a las pinturas de Piet Mondrian cuando Rietveld entró en contacto con la obra del artista en 1918. Rietveld finalmente se unió al movimiento De Stijl en 1919. Por su concepción extremadamente simplificada, este modelo fue concebido para ser fabricado en serie. La silla está expuesta actualmente en el Museo de Arte Moderno en Nueva York.

CARTIER , Cartier crea piezas con nuevas formas en lo que entonces se llamó el “estilo moderno”, inaugurando así el futuro estilo Art Decó adelantándose a sus rivales en la creación artística. Introdujo formas geométricas como influencia de las vanguardias y el color como influencia del Fauvismo. La colección Tutti Frutti es conocida por hasta mezclar y trabajar en igualdad de condiciones con materiales y piedras más nobles (diamantes, zafiros, esmeraldas y rubíes) y otros de menos valor (onix, coral, jade...)Motivos : los elementos naturales y los animales. a palmeras, bambúes y todo tipo de vegetación extranjera. "La Pantera" Cartier, Brazalete.

René Lalique, Mujer libélula,1899

La silla Barcelona fue diseñada por Mies van der Rohe con la colaboración de su socia y compañera, la diseñadora Lilly Reich, cuya participación le ha sido reconocida recientemente. La estructura del mobiliario estaba realizada originalmente en acero inoxidable pulido, mientras que las superficies del asiento y el respaldo fueron hechas de cuero de piel de cerdo. Más tarde, en 1950 se harían ajustes al diseño para producirlo en masa. Las proporciones armoniosas y la forma elegante convirtieron a la silla Barcelona casi en un objeto escultural digno de galería de exposición. Su forma está basada en la sella curulis, un tipo de silla usada por los magistrados romanos.

La Silla Weissenhof (también llamada MR10 y MR20) fue diseñada en el año 1927 por el arquitecto Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969) y por la diseñadora Lilly Reich La silla formaba parte del equipamiento para las viviendas que Mies van der Rohe construyó en la Exposición de la Weissenhofsiedlung realizada en 1927.

La toilette Toulouse-Lautrec 1889.

Las cuatro estaciones,1896

Jane Avril. Tolouse-Lautrec 1899

MUCHA Cycles Perfecta ,1902

MODA: CARACTERÍSTICAS GENERALES: Las flappers. Pocas cosas pueden resumir tan perfectamente el espíritu de esos locos y supuestamente felices años como esas mujeres liberadas, que se enfrentan a todas las normas establecidas y piden el voto femenino, bailan jazz, beben licores, fuman con boquilla, conducen, se cortan el pelo en bobs o el incluso más atrevido “Eton Crop” que se puede apreciar en revistas como Vogue o Vanity Fair en esos años. Llos gustos estéticos preferidos de Gabrielle “Coco” Chanel sigan siendo los que hoy siguen dominando: mujeres altas y delgadas, de piel morena, el uso de prendas sport y de influencia masculina, la influencia marinera, los trajes como prendas elegantes o la bisuteria como sustituto perfectamente aceptable de las joyas. APORTACIONES: el Petite Robe Noir o simplemente el vestido negro que revolucionó la moda en 1926El traje chaqueta de Tweed y El bolso con cadena Coco Chanel, Pantalón.

Diseño de alta costura .Cristóbal Balenciaga

Alexander McQueen, Diseños de alta costura El estilo de McQueen se caracterizaba por una brutalidad atemperada con lirismo. La sensibilidad gótica de un cuento de los Hermanos Grimm está más cerca del espíritu de la ropa de McQueen que el fetichismo, el gore y la misoginia de los que le acusan sus detractores. Por muy oscuros que fuesen sus diseños, siempre poseían una feminidad por la que se dejaron seducir desde Björk hasta la actual Duquesa de Westminster. La influencia de cortes angulares y agresivos tiene su origen en el figurinista de la MGM Adrian, Christian Dior y Thierry Mugler.

. Pippermint, 1899.

Salón de la Rue des Moulins 1894

LA OBRA CREATIVA DE WALT DISNEY Walter Elias "Walt" Disney (Chicago 1901-1966) fue un productor, director, guionista y animador estadounidense. Figura capital de la historia del cine de animación infantil, está considerado un ícono internacional gracias a sus importantes contribuciones a la industria del entretenimiento durante gran parte del siglo XX, famoso por personajes como el Pato Donald o Mickey Mouse. APORTACIONES Interacción de actores reales con dibujos animados Cortos conocidos como Alice Comedies (1923 En 1928 Steamboat Willie, primera película de animación con sonido de Blancanieves y los siete enanitos (Snow White and the Seven Dwarfs) se prolongó desde 1935 hasta mediados de 1937. Blancanieves, el primer largometraje animado , y el primero en utilizar el Technicolor, fue distribuido en febrero de 1938 por RKO. Fue la película con mayor éxito de taquilla de 1938 se presentó la cámara multiplano que inventó William Garity para la compañía. Sonido estereofónicoEn Fantasía en 1940 y por primera vez en una película comercial, Disney usó sonido estereofónico multicanal. Canción del Sur, en 1946, no solo fue el primer largometraje de Disney en usar a actores reales, sino el primero en hacerlos compartir escena con dibujos animados 101 Dálmatas introdujo un nuevo proceso de Xerografía: TronAnimación por ordenador CAPS (Computer Animation Production System) 2006 compro Pixar Mickey Mouse, 1928

Georges Rémi (Hergé), Herge Tintin, 1929

Joe Shuster, Superman, 1938

Bob Kane, Batman, 1939

Jack Kirby, Capitán América, 1941

1850

1929

1939

1950

PRIMERAS IMPRESIONES

La fotografía más antigua que se conserva es una reproducción de la imagen conocida como Vista desde la ventana en Le Gras, obtenida en 1826 con la utilización de una cámara oscura y una placa de peltre recubierta en betún. Cuando Niepce comenzó sus investigaciones necesitaba un poco más de ocho horas de exposición, a plena luz del día, para obtener sus imágenes. En 1827, Niepce entra en contacto con Daguerre, quien se interesa por su invento e insiste en un acuerdo de trabajo para que le revele su procedimiento, el cual logra firmar con Niepce poco antes de su muerte en 1833. Desde entonces, Daguerre continúa sus experimentaciones, regresando al uso de las sales de plata que habían sido desestimadas por Niépce, y en 1839 hace público -con apoyo del Estado Francés y gran despliegue mediático-, su proceso para la obtención de fotografías sobre una superficie de plata pulida, a la que denominó DAGUERROTIPO. Resolvía algunos problemas técnicos del procedimiento inicial de Niepce y reducía los tiempos necesarios de exposición, para hacerlo más adecuado a los fines del retrato de personas.

fotografóa social

Diferencia entre reportaje documental y reportaje de actualidad: La fotografía documental trata de situaciones existentes y prolongadas. Examina sucesos y las condiciones relacionándolos con las vidas afectadas por ellos. Busca las causas del suceso y las consecuencias de éste para las personas que han tomado parte o que se ven afectadas por él. Está motivada por un sentimiento de identificación, la toma de cierta postura y por el interés que posee el fotógrafo. Lo que está mostrando es importante para él y desea que ella, en el convencimiento de que si las consecuencias humanas son comprendidas, el público tomará consciencia y actuará.

HAMILTON

Hamilton: fotógrafo inglés autodidacta, famoso desde la década de los 1970 por sus series de retratos de mujeres adolescentes desnudas o semidesnudas. Posee un estilo característico en el que suelen predominar los colores suaves, atmósferas difuminadas y el [grano] grueso, que acabó llamándose hamiltoniano. Tuvo un tipo muy definido de modelo: iniciara la adolescencia (hacia los 11 años) o fuera plena adolescente o hubiera salido ya de la adolescencia, su modelo debía transmitir perfección, elegancia innata, naturalidad, inocencia y sutil erotismo. :

CARTIER BRESSON

Henri Cartier Bresson (1908-2004)1 fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotoreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo: Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mis momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.

WALKER EVANS

Walker Evans: Su trabajo está relacionado con la crisis económica del 29, durante esta década participa en el programa Farm Security Administration. Las imágenes de los aparceros en Alabama, al igual que las de Dorothea Lange se encuentran entre los iconos del mundo moderno. Evans encuentra la belleza en los objetos banales y cotidianos Su obra fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte en 19942 Todos los derechos corresponden por lo tanto al Met, excepto las fotos que hizo para el Farm Security Administration y que conserva la Biblioteca del Congreso

GYENES

(Gyenes János) (1912 - 1995) fue un fotógrafo de origen húngaro que desde 1940 estuvo trabajando en España. Realizó retratos a numerosos personajes entre los que se encuentran Sara Montiel, María Félix, Salvador Dalí, Pablo Picasso, Joan Miró, Andrés Segovia, Montserrat Caballé, Jacinto Benavente, Cayetana Fitz-James, Omar Sharif, Tsuguharu Foujita, Herbert von Karajan, Artur Rubinstein, Gina Lollobrigida, Charlton Heston, Lola Flores, Julio Iglesias, Raphael, Isabel Preysler, Charles Chaplin y la cantante y actriz española Marisol-Pepa Flores. Los retratados se presentan en su espacio habitual rodeados por sus objetos que funcionan como una escenografía que ayuda a comprender la personalidad del retratado

FOTOGRAFÍA DE GUERRA

Fotografía de guerra: La Guerra Civil fue precursora en el uso de nuevos armamentos, tácticas militares, protección del patrimonio, además del dominio de la información y la propaganda en sus distintos soportes: radio, prensa escrita, cine y documentales de guerra, fotografía y cartelística. La imagen, y sobre todo el control de la misma, serían cruciales en un momento en el que la tecnología cada vez era más avanzada. La fotografía, con cámaras cada vez menos pesadas y ágiles, sería el medio con el que introducir la mirada del mundo entero en el conflicto. El desarrollo de la técnica en los años posteriores, facilita el hacer tomas rápidas fundamentales para captar eventos en la fotografía de Guerra. El fotógrafo se hace con un equipo que le permite manejarse con rapidez. En la fotografía documental es fundamental la investigación para conocer todas las claves de la realidad que se pretende reflejar y conectarse con ella. Hacer lo posible por no influir en la escena.Mientras menos influencia tengas sobre el encuadre, más auténtico será el resultado. Que las personas no miren a la cámara. Los detalles son importantes. La fotografía documental no tiene que contener personas para contar una historia.

IRVING PENN

Irving Penn: es junto a Richard Avedon y Helmut Newton uno de los grandes retratistas y fotógrafos de moda estadounidense. La carrera de Penn abarcó casi seis décadas y un amplio espectro de trabajos, especialmente para la revista Vogue, pero también retratos, fotografías publicitaria y de tribus. El clásico ‘menos es más’ se convirtió en su lema. El dominio de la luz en estudio y el fuerte contrate del blanco y negro fueron su marca personal. Tras largas horas de experimentación con la luz y en el cuarto oscuro, Penn logró el dominio técnico. Pero el secreto de su arte partía de una convicción: el ingrediente más importante en la fotografía está en la captura un alma –ya sea a través del vuelo de un vestido o un trozo de carne–, es parte de un mismo misterio que no puede ser conocido. En sus fotografías, el sujeto solía posar ante un sencillo fondo blanco o gris, usando la simplicidad más efectivamente que otros fotógrafos de la época.

CINE Y FOTOGRAFÍA

NADAR

Gaspard-Félix Tournachon más conocido como Nadar, fue un fotógrafo, periodista, ilustrador, caricaturista y aeronauta francés. En todo momento se negó a colorear los retratos, así como a practicar cualquier tipo de retoque. También renunció a la utilización de elementos de atrezzo. Nadar únicamente se sirve de la luz –modo de iluminar al modelo– y del gesto – mirada y actitud de los modelos favorecida por la relajación de los amigos fotografiados. Nadar hacía retratos como lo haría un pintor pero con un medio nuevo. Seguía los cánones clásicos ya sentados en la pintura con una técnica nueva, no deja de cultivar un género artístico del que también participa la pintura. A Nadar se deben las primeras fotografías aéreas de la historia en el año 1858, realizadas con una cámara fotográfica desde un globo aerostático. Esta innovación tuvo un gran interés militar. En los años 1870 fue nombrado comandante de una compañía de globos aeroestáticos para tomar fotografías de las posiciones de los prusianos que cercaban el París de la Comuna. También fue el primer fotógrafo en realizar fotografías con luz artificial consiguiendo captar imágenes de las catacumbas de París.

CECIL BEATON

Cecil Beaton : Realizó numerosos retratos de celebridades en el Hollywood de los años 1930, y fue retratista oficial de la familia real británica en 1937 A principios de la década de 1950, acusó una cierta decadencia como fotógrafo de moda, y se convirtió en un fotógrafo independiente. En esta época, se encargó de fotografiar la magnificente fiesta organizada en su palacio de Venecia por el excéntrico multimillonario de origen hispano-mexicano Carlos de Beistegui, a quien llegó a conocer de cerca. A partir de entonces, se fue volcando en la elaboración de decorados y vestuarios para el teatro y para el cine.

dorotea lange

Dorotea Lange: Fue una influyente fotoperiodista documental estadounidense, mejor conocida por su obra la "Gran Depresión" para la oficina de Administración de Seguridad Agraria. Las fotografías humanistas de Lange sobre las terribles consecuencias de la Gran Depresión la convirtieron en una de las periodistas más destacadas del fotoperiodismo mundial. Con el comienzo de la Gran Depresión, Lange llevó el objetivo de sus cámaras de su estudio a las calles. Sus estudios de desempleados y gente sin hogar llamaron pronto la atención de fotógrafos locales y la llevaron a ser contratada por la administración federal, posteriormente llamada "Administración para la Seguridad Agraria" (Farm Security Administration).

Fundamentos II Ángeles del Canto

lewis hine

Lewis Hine: En 1932 publicó su colección Men at Work, Periodo 1920-1940 que documentó la dignidad y personalidad de quienes trabajaban en la industria. Esta serie culminó a principios de los años treinta con un excepcional proyecto documental sobre la construcción del Empire State Building, desde la primera excavación hasta la colocación de la viga de acero más alta. Hine apuntó por vez primera que la idea de una fotografía documental completamente real y objetiva, era imposible.

BRASSAI

Brassaï :El trabajo de Gyula Halász y su amor por la ciudad, cuyas calles recorría asiduamente de noche, le llevó a la fotografía. Más tarde escribiría que la fotografía le permitía atrapar la noche de París y la belleza de las calles y jardines, bajo la lluvia y la niebla. Brassaï capturó la esencia de la ciudad en sus fotografías, publicando su primer libro fotográfico en 1933. Sus esfuerzos tuvieron gran éxito, siendo llamado "El ojo de París" en un ensayo por su amigo Henry Miller. Además de fotos del lado sórdido de París, también produjo escenas de la vida social de la ciudad, sus intelectuales, su ballet y grandes óperas. Fotografió a muchos de sus amigos artistas, incluidos Salvador Dalí, Pablo Picasso, Henri Matisse, Alberto Giacometti y a muchos de los prominentes escritores de la época como Jean Genet y Henri Michaux.

1980

GARCÍA RODERO

Cristina García Rodero (Puertollano, 1949) y cuenta con una trayectoria fotográfica de más de cuatro décadas. España oculta es una de sus obras más conocidas, a la que dedicó 15 años de trabajo. En 2009 se convirtió en la primera española en entrar en la agencia Magnum.. En1973 se plantea la tarea de fotografiar costumbres y fiestas por toda España para lo que recibe una beca. Posteriormente ha realizado reportajes sobre tradiciones en diferentes países. Su obra fotográfica se podría enmarcar en el reportaje, aunque desde un punto de vista muy personal. Su trabajo es una indagación en el alma española, García Rodero, dijo : “Yo no soy épica, sino de individualidades. Voy siempre a lugares de mucha gente para acabar haciendo medios planos o retratos. Nunca planos generales, porque no me emocionan. El ser humano es lo que me interesa, lo otro… lo otro es meramente descriptivo. La gente sencilla es la que construye un país”.

GARCÍA ALIX

Alberto García -Alix. (León, 1956) es un fotógrafo español. Premio Nacional de Fotografía en 1999. Su obra recorre diversos países y es admirada en publicaciones como Vogue, British Journal of Photography o Vanity Fair. Amante de las motocicletas y de los retratos, sus cámaras Leica y Hasselblad han inmortalizado a importantes artistas nacionales e internacionales. Las motos, los tatuajes, la música y la noche han sido algunas de sus musas de inspiración.Dentro de su notable gusto por el retrato, que él define como un enfrentamiento en el que suele colocarse frontalmente frente a su modelo, cara a cara. Fue uno de los protagonistas más destacados de la llamada Movida madrileña, habiendo dejado conocidas y poderosas imágenes sobre jóvenes de este movimiento cultural - algunos de los cuales se encuentran entre sus amigos - que posteriormente se han convertido en personalidades de prestigio en diferentes campos: Pedro Almodóvar, Rossy de Palma, Emma Suárez, Camarón de la Isla y otros muchos. También son habituales sus retratos de desnudos directos y violentamente carentes de todo pudor, incluso sobreactuados, pero de una fuerza expresiva y una eficacia gráfica y fotográfica incuestionables.

ANSEL ADAMS

Ansel Adams (1902 - 1984) fotógrafo estadounidense, nacido en San Francisco. Conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional Yosemite en Estados Unidos (entre otros paisajes) y como autor de numerosos libros sobre fotografía. Sus imágenes empezaron a volverse símbolos de Angloamérica, muchas de ellas centradas en el parque natural Yosemite. Ansel Adams luchó por defender la naturaleza y a sus animales, siendo los paisajes el principal tema de sus fotografías. Precisamente por esto fue criticado a menudo, ya que raramente se podía ver a una persona en una fotografía suya. Algunos dicen que Adams fotografió lugares que ya ni existen, pero para otros ocurre lo contrario; algunos lugares siguen existiendo debido a Adams y su entusiasmo y esfuerzo por salvar estos lugares, a través de sus fotografías.

Vista desde la ventana de Gras .Fotografía realizada por Joseph Nicéphore Niépce desde su estudio, considerada como la primera fotografía que se tomó con una cámara.

Retrato de Sarah Bernardt. Con un estilo retratista simple y directo, Nadar utilizaba simplemente fondos lisos y neutros, con figuras de pie iluminadas por una enorme claraboya. A pesar de estos cánones algo clásicos, buscaba el realismo, y se negó en todo momento a colorear los retratos (costumbre muy extendida), y a colocar adornos superfluos (excepto en los retratos de actores y cantantes caracterizados). Hasta la cesión de su taller a su hijo, sus obras no fueron nunca retocadas, sirviéndose únicamente de la iluminación y el gesto del modelo para intentar captar la personalidad de sus retratados.En el caso del retrato femenino, las fotografías más elocuentes resultan las realizadas a la gran Sarah Bernhardt. Destacan los escuetos, aunque poco habituales, elementos de atrezzo: la propia vestimenta de la actriz es importante, y con sus pliegues da plasticidad a la fotografía, y a su vez recuerda a la voluminosa moda femenina de mediados del XIX (con esta tela no está sino imitando los caros diseños que llevaban nobles de toda Europa); y la pequeña columna, utilizada como soporte para el brazo de Sarah. La postura, tremendamente similar a la que vemos en las obras de Ingres (La condesa de Haussonville,1845, ala derecha) y Madrazo (La condesa de Vilches,1853, ala izquierda), destaca el carácter pensativo de la actriz, así como la forma del rostro, que en el caso de la fotografía está peor iluminado.

Madre migrante Dorotea Lange

Construcción del Empire State

Cecil Beaton, Fotografía de Audrey Hepburn.

Miliciano. Robert Capa. El primer fotoperiodista de guerra reconocido fue Robert Capa. Destaca especialmente su trabajo sobre la guerra civil española, donde su compañera la fotógrafa Gerda Taro murió aplastada por un tanque. También por haber realizado las únicas imágenes existentes sobre el desembarco de Normandía, en la playa Omaha. Algunos de los carretes expuestos por Capa en aquella batalla de la II Guerra Mundial, se estropearon en el laboratorio perdiéndose así imágenes de incalculable valor.

Henri Cartier Bresson, Paris. Place de l’Europe. Gare Saint Lazare (1932)

Gran Central Station, Nueva york, 1957

Davisd Hamilton. Degas Ballerinas

Gyenes: Una foto de Francisco Franco fue seleccionada para la impresión de una popular serie de sellos de Correos con su efigie

Irving Penn. Retrato de Dalí

García Alix. Autorretrato

Ansel Adams, Iglesia de Adams, Taos, Pueblo 1942

Ansel Adams, Paisaje

1850

1929

1939

1950

PRIMERAS IMPRESIONES

La fotografía más antigua que se conserva es una reproducción de la imagen conocida como Vista desde la ventana en Le Gras, obtenida en 1826 con la utilización de una cámara oscura y una placa de peltre recubierta en betún. Cuando Niepce comenzó sus investigaciones necesitaba un poco más de ocho horas de exposición, a plena luz del día, para obtener sus imágenes. En 1827, Niepce entra en contacto con Daguerre, quien se interesa por su invento e insiste en un acuerdo de trabajo para que le revele su procedimiento, el cual logra firmar con Niepce poco antes de su muerte en 1833. Desde entonces, Daguerre continúa sus experimentaciones, regresando al uso de las sales de plata que habían sido desestimadas por Niépce, y en 1839 hace público -con apoyo del Estado Francés y gran despliegue mediático-, su proceso para la obtención de fotografías sobre una superficie de plata pulida, a la que denominó DAGUERROTIPO. Resolvía algunos problemas técnicos del procedimiento inicial de Niepce y reducía los tiempos necesarios de exposición, para hacerlo más adecuado a los fines del retrato de personas.

fotografóa social

Diferencia entre reportaje documental y reportaje de actualidad: La fotografía documental trata de situaciones existentes y prolongadas. Examina sucesos y las condiciones relacionándolos con las vidas afectadas por ellos. Busca las causas del suceso y las consecuencias de éste para las personas que han tomado parte o que se ven afectadas por él. Está motivada por un sentimiento de identificación, la toma de cierta postura y por el interés que posee el fotógrafo. Lo que está mostrando es importante para él y desea que ella, en el convencimiento de que si las consecuencias humanas son comprendidas, el público tomará consciencia y actuará.

HAMILTON

Hamilton: fotógrafo inglés autodidacta, famoso desde la década de los 1970 por sus series de retratos de mujeres adolescentes desnudas o semidesnudas. Posee un estilo característico en el que suelen predominar los colores suaves, atmósferas difuminadas y el [grano] grueso, que acabó llamándose hamiltoniano. Tuvo un tipo muy definido de modelo: iniciara la adolescencia (hacia los 11 años) o fuera plena adolescente o hubiera salido ya de la adolescencia, su modelo debía transmitir perfección, elegancia innata, naturalidad, inocencia y sutil erotismo. :

CARTIER BRESSON

Henri Cartier Bresson (1908-2004)1 fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotoreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo: Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mis momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.

WALKER EVANS

Walker Evans: Su trabajo está relacionado con la crisis económica del 29, durante esta década participa en el programa Farm Security Administration. Las imágenes de los aparceros en Alabama, al igual que las de Dorothea Lange se encuentran entre los iconos del mundo moderno. Evans encuentra la belleza en los objetos banales y cotidianos Su obra fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte en 19942 Todos los derechos corresponden por lo tanto al Met, excepto las fotos que hizo para el Farm Security Administration y que conserva la Biblioteca del Congreso

GYENES

(Gyenes János) (1912 - 1995) fue un fotógrafo de origen húngaro que desde 1940 estuvo trabajando en España. Realizó retratos a numerosos personajes entre los que se encuentran Sara Montiel, María Félix, Salvador Dalí, Pablo Picasso, Joan Miró, Andrés Segovia, Montserrat Caballé, Jacinto Benavente, Cayetana Fitz-James, Omar Sharif, Tsuguharu Foujita, Herbert von Karajan, Artur Rubinstein, Gina Lollobrigida, Charlton Heston, Lola Flores, Julio Iglesias, Raphael, Isabel Preysler, Charles Chaplin y la cantante y actriz española Marisol-Pepa Flores. Los retratados se presentan en su espacio habitual rodeados por sus objetos que funcionan como una escenografía que ayuda a comprender la personalidad del retratado

FOTOGRAFÍA DE GUERRA

Fotografía de guerra: La Guerra Civil fue precursora en el uso de nuevos armamentos, tácticas militares, protección del patrimonio, además del dominio de la información y la propaganda en sus distintos soportes: radio, prensa escrita, cine y documentales de guerra, fotografía y cartelística. La imagen, y sobre todo el control de la misma, serían cruciales en un momento en el que la tecnología cada vez era más avanzada. La fotografía, con cámaras cada vez menos pesadas y ágiles, sería el medio con el que introducir la mirada del mundo entero en el conflicto. El desarrollo de la técnica en los años posteriores, facilita el hacer tomas rápidas fundamentales para captar eventos en la fotografía de Guerra. El fotógrafo se hace con un equipo que le permite manejarse con rapidez. En la fotografía documental es fundamental la investigación para conocer todas las claves de la realidad que se pretende reflejar y conectarse con ella. Hacer lo posible por no influir en la escena.Mientras menos influencia tengas sobre el encuadre, más auténtico será el resultado. Que las personas no miren a la cámara. Los detalles son importantes. La fotografía documental no tiene que contener personas para contar una historia.

IRVING PENN

Irving Penn: es junto a Richard Avedon y Helmut Newton uno de los grandes retratistas y fotógrafos de moda estadounidense. La carrera de Penn abarcó casi seis décadas y un amplio espectro de trabajos, especialmente para la revista Vogue, pero también retratos, fotografías publicitaria y de tribus. El clásico ‘menos es más’ se convirtió en su lema. El dominio de la luz en estudio y el fuerte contrate del blanco y negro fueron su marca personal. Tras largas horas de experimentación con la luz y en el cuarto oscuro, Penn logró el dominio técnico. Pero el secreto de su arte partía de una convicción: el ingrediente más importante en la fotografía está en la captura un alma –ya sea a través del vuelo de un vestido o un trozo de carne–, es parte de un mismo misterio que no puede ser conocido. En sus fotografías, el sujeto solía posar ante un sencillo fondo blanco o gris, usando la simplicidad más efectivamente que otros fotógrafos de la época.

CINE Y FOTOGRAFÍA

NADAR

Gaspard-Félix Tournachon más conocido como Nadar, fue un fotógrafo, periodista, ilustrador, caricaturista y aeronauta francés. En todo momento se negó a colorear los retratos, así como a practicar cualquier tipo de retoque. También renunció a la utilización de elementos de atrezzo. Nadar únicamente se sirve de la luz –modo de iluminar al modelo– y del gesto – mirada y actitud de los modelos favorecida por la relajación de los amigos fotografiados. Nadar hacía retratos como lo haría un pintor pero con un medio nuevo. Seguía los cánones clásicos ya sentados en la pintura con una técnica nueva, no deja de cultivar un género artístico del que también participa la pintura. A Nadar se deben las primeras fotografías aéreas de la historia en el año 1858, realizadas con una cámara fotográfica desde un globo aerostático. Esta innovación tuvo un gran interés militar. En los años 1870 fue nombrado comandante de una compañía de globos aeroestáticos para tomar fotografías de las posiciones de los prusianos que cercaban el París de la Comuna. También fue el primer fotógrafo en realizar fotografías con luz artificial consiguiendo captar imágenes de las catacumbas de París.

CECIL BEATON

Cecil Beaton : Realizó numerosos retratos de celebridades en el Hollywood de los años 1930, y fue retratista oficial de la familia real británica en 1937 A principios de la década de 1950, acusó una cierta decadencia como fotógrafo de moda, y se convirtió en un fotógrafo independiente. En esta época, se encargó de fotografiar la magnificente fiesta organizada en su palacio de Venecia por el excéntrico multimillonario de origen hispano-mexicano Carlos de Beistegui, a quien llegó a conocer de cerca. A partir de entonces, se fue volcando en la elaboración de decorados y vestuarios para el teatro y para el cine.

dorotea lange

Dorotea Lange: Fue una influyente fotoperiodista documental estadounidense, mejor conocida por su obra la "Gran Depresión" para la oficina de Administración de Seguridad Agraria. Las fotografías humanistas de Lange sobre las terribles consecuencias de la Gran Depresión la convirtieron en una de las periodistas más destacadas del fotoperiodismo mundial. Con el comienzo de la Gran Depresión, Lange llevó el objetivo de sus cámaras de su estudio a las calles. Sus estudios de desempleados y gente sin hogar llamaron pronto la atención de fotógrafos locales y la llevaron a ser contratada por la administración federal, posteriormente llamada "Administración para la Seguridad Agraria" (Farm Security Administration).

Fundamentos II Ángeles del Canto

lewis hine

Lewis Hine: En 1932 publicó su colección Men at Work, Periodo 1920-1940 que documentó la dignidad y personalidad de quienes trabajaban en la industria. Esta serie culminó a principios de los años treinta con un excepcional proyecto documental sobre la construcción del Empire State Building, desde la primera excavación hasta la colocación de la viga de acero más alta. Hine apuntó por vez primera que la idea de una fotografía documental completamente real y objetiva, era imposible.

BRASSAI

Brassaï :El trabajo de Gyula Halász y su amor por la ciudad, cuyas calles recorría asiduamente de noche, le llevó a la fotografía. Más tarde escribiría que la fotografía le permitía atrapar la noche de París y la belleza de las calles y jardines, bajo la lluvia y la niebla. Brassaï capturó la esencia de la ciudad en sus fotografías, publicando su primer libro fotográfico en 1933. Sus esfuerzos tuvieron gran éxito, siendo llamado "El ojo de París" en un ensayo por su amigo Henry Miller. Además de fotos del lado sórdido de París, también produjo escenas de la vida social de la ciudad, sus intelectuales, su ballet y grandes óperas. Fotografió a muchos de sus amigos artistas, incluidos Salvador Dalí, Pablo Picasso, Henri Matisse, Alberto Giacometti y a muchos de los prominentes escritores de la época como Jean Genet y Henri Michaux.

1980

GARCÍA RODERO

Cristina García Rodero (Puertollano, 1949) y cuenta con una trayectoria fotográfica de más de cuatro décadas. España oculta es una de sus obras más conocidas, a la que dedicó 15 años de trabajo. En 2009 se convirtió en la primera española en entrar en la agencia Magnum.. En1973 se plantea la tarea de fotografiar costumbres y fiestas por toda España para lo que recibe una beca. Posteriormente ha realizado reportajes sobre tradiciones en diferentes países. Su obra fotográfica se podría enmarcar en el reportaje, aunque desde un punto de vista muy personal. Su trabajo es una indagación en el alma española, García Rodero, dijo : “Yo no soy épica, sino de individualidades. Voy siempre a lugares de mucha gente para acabar haciendo medios planos o retratos. Nunca planos generales, porque no me emocionan. El ser humano es lo que me interesa, lo otro… lo otro es meramente descriptivo. La gente sencilla es la que construye un país”.

GARCÍA ALIX

Alberto García -Alix. (León, 1956) es un fotógrafo español. Premio Nacional de Fotografía en 1999. Su obra recorre diversos países y es admirada en publicaciones como Vogue, British Journal of Photography o Vanity Fair. Amante de las motocicletas y de los retratos, sus cámaras Leica y Hasselblad han inmortalizado a importantes artistas nacionales e internacionales. Las motos, los tatuajes, la música y la noche han sido algunas de sus musas de inspiración.Dentro de su notable gusto por el retrato, que él define como un enfrentamiento en el que suele colocarse frontalmente frente a su modelo, cara a cara. Fue uno de los protagonistas más destacados de la llamada Movida madrileña, habiendo dejado conocidas y poderosas imágenes sobre jóvenes de este movimiento cultural - algunos de los cuales se encuentran entre sus amigos - que posteriormente se han convertido en personalidades de prestigio en diferentes campos: Pedro Almodóvar, Rossy de Palma, Emma Suárez, Camarón de la Isla y otros muchos. También son habituales sus retratos de desnudos directos y violentamente carentes de todo pudor, incluso sobreactuados, pero de una fuerza expresiva y una eficacia gráfica y fotográfica incuestionables.

ANSEL ADAMS

Ansel Adams (1902 - 1984) fotógrafo estadounidense, nacido en San Francisco. Conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional Yosemite en Estados Unidos (entre otros paisajes) y como autor de numerosos libros sobre fotografía. Sus imágenes empezaron a volverse símbolos de Angloamérica, muchas de ellas centradas en el parque natural Yosemite. Ansel Adams luchó por defender la naturaleza y a sus animales, siendo los paisajes el principal tema de sus fotografías. Precisamente por esto fue criticado a menudo, ya que raramente se podía ver a una persona en una fotografía suya. Algunos dicen que Adams fotografió lugares que ya ni existen, pero para otros ocurre lo contrario; algunos lugares siguen existiendo debido a Adams y su entusiasmo y esfuerzo por salvar estos lugares, a través de sus fotografías.

Vista desde la ventana de Gras .Fotografía realizada por Joseph Nicéphore Niépce desde su estudio, considerada como la primera fotografía que se tomó con una cámara.

Retrato de Sarah Bernardt. Con un estilo retratista simple y directo, Nadar utilizaba simplemente fondos lisos y neutros, con figuras de pie iluminadas por una enorme claraboya. A pesar de estos cánones algo clásicos, buscaba el realismo, y se negó en todo momento a colorear los retratos (costumbre muy extendida), y a colocar adornos superfluos (excepto en los retratos de actores y cantantes caracterizados). Hasta la cesión de su taller a su hijo, sus obras no fueron nunca retocadas, sirviéndose únicamente de la iluminación y el gesto del modelo para intentar captar la personalidad de sus retratados.En el caso del retrato femenino, las fotografías más elocuentes resultan las realizadas a la gran Sarah Bernhardt. Destacan los escuetos, aunque poco habituales, elementos de atrezzo: la propia vestimenta de la actriz es importante, y con sus pliegues da plasticidad a la fotografía, y a su vez recuerda a la voluminosa moda femenina de mediados del XIX (con esta tela no está sino imitando los caros diseños que llevaban nobles de toda Europa); y la pequeña columna, utilizada como soporte para el brazo de Sarah. La postura, tremendamente similar a la que vemos en las obras de Ingres (La condesa de Haussonville,1845, ala derecha) y Madrazo (La condesa de Vilches,1853, ala izquierda), destaca el carácter pensativo de la actriz, así como la forma del rostro, que en el caso de la fotografía está peor iluminado.

Madre migrante Dorotea Lange

Construcción del Empire State

Cecil Beaton, Fotografía de Audrey Hepburn.

Miliciano. Robert Capa. El primer fotoperiodista de guerra reconocido fue Robert Capa. Destaca especialmente su trabajo sobre la guerra civil española, donde su compañera la fotógrafa Gerda Taro murió aplastada por un tanque. También por haber realizado las únicas imágenes existentes sobre el desembarco de Normandía, en la playa Omaha. Algunos de los carretes expuestos por Capa en aquella batalla de la II Guerra Mundial, se estropearon en el laboratorio perdiéndose así imágenes de incalculable valor.

Henri Cartier Bresson, Paris. Place de l’Europe. Gare Saint Lazare (1932)

Gran Central Station, Nueva york, 1957

Davisd Hamilton. Degas Ballerinas

Gyenes: Una foto de Francisco Franco fue seleccionada para la impresión de una popular serie de sellos de Correos con su efigie

Irving Penn. Retrato de Dalí

García Alix. Autorretrato

Ansel Adams, Iglesia de Adams, Taos, Pueblo 1942

Ansel Adams, Paisaje

1850

1929

1939

1950

LOS ORÍGENES DEL CINE

Thomas Alva Edison, inventor de la lámpara incandescente y el fonógrafo, estuvo muy cerca también de inventar el cine, al patentar el kinetoscopio solo permitía funciones muy limitadas. Inspirándose en éste e integrándolo a diversos inventos y descubrimientos de la época, como el rollo de fotos de Eastman, con antiguos conocimientos como la persistencia retiniana (consiste en que una imagen cuando es capturada por la retina, queda fija unos breves instantes, al ocurrir esto el cerebro se encarga de unir una imagen con la siguiente, hasta que se logra la sensación del movimiento), los hermanos Lumière, hijos del fotógrafo Antoine Lumière, crearon el cinematógrafo: este dispositivo que desarrollaron permitía la toma, proyección y hasta el copiado de imágenes en movimiento; el espectáculo público derivado de la exhibición del funcionamiento del aparato. La primera presentación fue el 28 de diciembre de 1895, en París, y consistió en una serie de imágenes documentales, de las cuales se recuerdan aquella en la que aparecen los trabajadores de una fábrica y la de un tren que parecía abalanzarse sobre los espectadores, ante estas imágenes las personas reaccionaron con un instintivo pavor, creyendo que el tren los atropellaría. La función de las primeras "películas" era mayormente documental, con el agregado del movimiento.

WALT DISNEY

Walter Elias "Walt" Disney (Chicago 1901-1966) fue un productor, director, guionista y animador estadounidense. Figura capital de la historia del cine de animación infantil, está considerado un ícono internacional gracias a sus importantes contribuciones a la industria del entretenimiento durante gran parte del siglo XX, famoso por personajes como el Pato Donald o Mickey Mouse. Fundó junto a su hermano Roy O. Disney la compañía Walt Disney Productions, que años después se convirtió en la más célebre productora del campo de la animación y en la actualidad es la mayor compañía de medios de comunicación y entretenimiento del mundo. :

BUÑUEL

Con esta película Buñuel da un giro a su obra, alejándose del surrealismo ortodoxo para acercarse a propuestas más sociales y al comunismo. Pero el surrealismo siempre aspiró a reflejar la realidad en sus distintas facetas y nunca a darle la espalda. Partían de la realidad para encontrar los elementos nunca vistos convencionalmente para constituir nuevas facetas del surrealismo, que era un movimiento de rebeldía contra la sociedad burguesa en todos sus aspectos y que tenía como arma principal el escándalo. Buena parte de estos objetivos se cumplen en esta cinta de Buñuel, pues consiguió escandalizar a los gobernantes e intelectuales de su tiempo y con ello obtuvo una repercusión que permitió difundir el mensaje social y de denuncia que tenía este documental financiado por el intelectual anarquista Ramón Acín. La belleza terrible y amarga de las imágenes de Las Hurdes (el burro matado por abejas, el entierro del niño en su ataúd blanco descendiendo por el río) encierra tanto surrealismo como La Edad de Oro.

GRIFFITH

El punto de partida para el cine estadounidense fue Griffith con The Birth of a Nation que fue pionera en la filmación de vocabulario que todavía domina el celuloide hasta el día de hoy. El nacimiento de una nación es uno de los grandes hitos de la historia del cine, y lo es porque reúne y sistematiza todos los recursos narrativos que había ido desarrollando el cine hasta ese momento: El salto de eje El uso de los primeros planos La alternancia entre planos generales que permiten que el espectador comprenda y organice mentalmente el espacio donde transcurre la acción Planos cortos donde se aprecia el detalle

HITCHCOCK

Hitchcock definía el suspense: El suspende es la sensación que tiene el espectador de que está en posesión de una información que el actor desconoce, de que algo va a pasar y está esperando que pase». Se dice con frecuencia que más que dirigir películas, Hitchcock, dirigía a los propios espectadores. Decía que el público era un gigantesco instrumento que el cineasta podía tocar a su antojo. Daba una gran importancia al subconsciente de los espectadores y al empleo de efectos subliminales.Para ello, el genio creativo de Hitchcock se expresa a través de una serie de efectos visuales o auditivos, de trucos sorprendentes destinados a hacer que el público quede sobrecogido o se ría nerviosamente.

eisenstein

Dirigida por Serguéi Eisenstein en 1925 y considerada una obra maestra del cine. Filmada poco después del triunfo bolchevique en la Guerra Civil Rusa (1917-23),31 los cineastas usaron el acorazado abandonado Dvenádtsat Apóstolov para simular el ya desguazado Potemkin.33 Eisenstein transformó el motín en un precedente directo de la Revolución de noviembre de 1917 que llevó a los bolcheviques al poder en Rusia enfatizando su papel en el mismo y sugiriendo que su rebelión fracasó porque Matushenko y el resto de cabecillas no eran buenos bolcheviques. El director realizó otros cambios para dramatizar el relato, como ignorar el incendio que arrasó el puerto de Odesa mientras el Potemkin estaba allí fondeado, combinar los muchos enfrentamientos entre manifestantes y soldados en la ya mítica escena de la masacre perpetrada por los soldados zaristas en la escalinata de Odesa (hoy conocida como Escalera Potemkin) y mostrando como los oficiales arrojan una lona sobre los marineros para ejecutarlos.

CHAPLIN

El Gran Dictador. Película estadounidense de 1940 escrita, dirigida y protagonizada por el británico Charles Chaplin, único cineasta en Hollywood que seguía realizando películas mudas cuando el sonido ya estaba plenamente implantado en el cine, y esta fue su primera película sonora y la de mayor éxito. En el momento de su estreno, Estados Unidos todavía estaba en paz con la Alemania nazi, pero la película ya era una feroz y controvertida condena contra el nazismo, el fascismo, el antisemitismo y las dictaduras en general. En la película, Chaplin define a los nazis como "hombres-máquinas, con cerebros y corazones de máquinas". Chaplin interpreta dos papeles, el del dictador Adenoid Hynkel (clara parodia de Adolf Hitler) y el del barbero judío. Este último guarda muchas similitudes con el personaje más famoso de Chaplin, el vagabundo Charlot. Aunque no se especifica si se trata de él o no, generalmente se considera que en esta película se produce la última aparición de Charlot. El largometraje recibió cinco nominaciones en la 13.ª edición de los Premios Óscar, sin embargo no ganó ninguno. Esta película no se estreno en España hasta 1975 cuando Franco murió

CINE Y FOTOGRAFÍA

MELIES

George Méliès, un ilusionista que en principio, usó el cinematógrafo como un elemento más para sus espectáculos, pero luego los desarrollaría en el cine, creando rudimentarios -pero eficaces- efectos especiales. Su obra más conocida es El viaje a la luna (1902).Aplica a la puesta en escena la tradición carnavalesca y de las fiestas populares, dando a sus películas un cierto aire fantasmagórico.

CINE EXPRESIONISTA

CINE EXPRESIONISTA :La escenografía: decorados pintados, las calles y perspectivas no tiene una profundidad real sino que esto se logra gracias a un telón de fondo que representa la prolongación de las calles mediante líneas inclinadas dando la sensación de un movimiento y vértigo La iluminación:Los directores expresionistas se caracterizaron por dar un toque muy particular a la elaboración del claro oscuro acentuando el contraste entre luces y sombras y destacando el exceso de relieve deformado y el contorno de un objeto. El paisaje natural y el estudio: Para el cine expresionista existía un vínculo especial entre los paisajes y los seres humanos lo que provocaba un factor dramático. Los personajes: Se caracterizan por aparentar ser misteriosos o siniestros ocupando un lugar especial en las películas pudiendo ser inofensivos o malvados. Pueden tener también un desdoblamiento de la personalidad por ejemplo, Caligari es al mismo tiempo un charlatán de feria como un eminente doctor. El vestuario:Sus personajes se caracterizan por vestir capas y sombreros de copas. Además, sus manos son extremadamente salientes o crispadas La interpretación: Movimientos abruptos y duros componen el rasgo habitual de los personajes. Además, se produce una deformación de los gestos por medio de movimientos intensos que superan la realidad. Las sombras: se usan como un presagio , un destino o una amenaza

Fundamentos II Ángeles del Canto

SURREALISMO

CINE SURREALISTA Proveniente de la poesía y de las artes plásticas, el cine surrealista mantiene muchos de sus grandes motivos: Confusión espacio-temporal Un humor un tanto negro, e incluso cruel Cobra importancia el erotismo La imagen cobra un nuevo cariz, siendo evaluada como un todo más que como un parte Importancia del fundido y el montaje, muchas veces arbitrario Muestra un universo onírico Ideado al margen de toda estética y moral Utilizado para criticar y escandalizar Los precedentes del cine surrealista están en el más amplio movimiento del cine de vanguardia de carácter cubista y dadaísta, que comenzó a desarrollarse hacia 1925.

LENI RIEFENSTHAL

Hay formas de filmar, de ponerse tras una cámara, que fue Leni Riefenstahl quién las utilizó por primera vez en el cine; tomas diferentes; utilizó el traveling de modo completamente innovador. En Olimpiada con 35 cámaras y numerosos teleobjetivos, captó los pequeños detalles de cada competición. Tuvo a 60 operadores trabajando a sus órdenes y experimentó con métodos revolucionarios para la época, colocó ruedas bajo las cámaras para poder seguir la marcha de los atletas y cavar fosos en el estadio para captar los saltos desde una perspectiva aérea. Se valió de un objetivo de 600 mm, el de más largo alcance y de una cámara subacuática, ideada especialmente por uno de sus colaboradores para los saltos de trampolín.

2000

LUBITSCH

La comedia sofisticada, que se desarrolla en ambientes aristocráticos o entre la alta sociedad y tienen con principal objetivo la evasión. Son esas comedias plagadas con diálogos brillantes que están repletas de situaciones equívocas y todo tipo de confusiones que, a pesar de su cariz ingenuo o amable, solían destacar al hipocresía latente en la sociedad. Es el tipo de comedia que un cineasta tan extraordinario como Ernst Lubitsch desarrollaría a lo largo de su filmografía en la que proliferaría la sátira política y un esmerado refinamiento estético

CINE ESPAÑOLTRANSICIÓN

En los 60 se impulsaron las ayudas estatales y la Escuela Oficial de Cine, de la que saldría la mayoría de nuevos directores, generalmente de izquierdas y opuestos a la dictadura franquista. Entre estos destacan Mario Camus (Young Sánchez, 1964); Miguel Picazo (La tía Tula, 1964); Francisco Regueiro (El buen amor, 1963); Manuel Summers (Del rosa al amarillo, 1963) y, sobre todo, Carlos Saura (La caza, 1965). Ajeno a esta corriente, Fernando Fernán Gómez realizaría la clásica El extraño viaje (1964). Mientras tanto, Orson Welles filmó la película Campanadas a medianoche, en 1965. De la televisión procedía Jaime de Armiñán, autor de Mi querida señorita (1971) y Jo, papá (1975), ambas con enorme éxito de taquilla.De la llamada «Escuela de Barcelona», originalmente más experimentalista y cosmopolita, destacan Vicente Aranda, Jaime Camino o Gonzalo Suárez, que realizarían sus obras más importantes ya en la década de los 80.

LA COMEDIA MUSICAL

La comedia musical norteamericana Se crearon los más deslumbrantes números musicales de la historia del cine. Sus aportaciones fueron: -Pensar la coreografía y el aparato escenográfico en función del punto de vista de la cámara, rompiendo con la frontalidad y unidad de lo teatral. -Desarrollar un montaje capaz de resumir una larga historia en pocos minutos. Fred Astaire creó un estilo visual también ajeno al teatral, pero basado en sus cualidades como bailarín. Suyo es el primer esfuerzo serio por integrar los números musicales en la trama argumental de la película. En la década de 1940 hizo su aparición Gene Kelly (el amo del género: actor, bailarín, coreógrafo, productor y director), y el musical no volvió a ser el mismo. Junto a Stanley Donen, lo llevaron a lo más alto en Un día en Nueva York (1949). Con ellos, los rodajes salieron al exterior y el musical alcanzó la mayoría de edad.

COPPOLA

Francis Ford Copola Su carrera inició en 1963 con la dirección de Dementia 13, de la cual también realizó el guión. Desde eso ha dirigido más de una veintena de películas, algunas de ellas aclamadas por la crítica cinematográfica, entre las que destacan producciones como la bélica Apocalypse Now (1979) o la adaptación al cine de la novela de Bram Stoker Drácula (1992). Sin embargo sus obras más reconocidas y ovacionadas son El padrino y El padrino II, ambas adaptaciones del superventas homónimo del novelista italoamericano Mario Puzo, la primera es una de los filmes más reconocidos y elogiados de todos los tiempos, que le hizo acreedor a dos nuevos premios de la Academia por Mejor película y Mejor guión adaptado (que compartió con Puzo por co- escribirlo), mientras que la segunda es la secuela más apreciada en la cinematografía estadounidense), con la que recibió un premio de la Academia por Mejor director. Es considerado uno de los más grandes directores de la segunda mitad del siglo XX y uno de los más grandes de todos los tiempos. Desde sus inicios Coppola desarrolló de igual forma su carrera como productor

CINE ESPAÑOL

Alejandro Amenábar A comienzos de los años 90 con cortometrajes Por estos títulos recibió sus primeros galardones en diversos festivales especializados.En estas películas se apreciaba su inclinación al thriller y las influencias de Alfred Hitchcock, Stanley Kubrick o Steven Spielberg, fundamentándose principalmente su carrera en títulos de suspense, como “Tesis” (1996), su primer largometraje que abordaba una intriga sobre las snuff movies. “Abre Los Ojos” (1997), título que conoció un remake en Hollywood, “Vanilla Sky”, dirigido por Cameron Crowe y protagonizado por Tom Cruise, Cameron Diaz y Penélope Cruz, protagonista del título original junto a Eduardo Noriega. Por “Abre Los Ojos”, película candidata al Goya como mejor film español del año, Amenábar recibió una nominación como mejor director y como mejor guionista. “Los Otros” (2001), título protagonizado por Nicole Kidman que consiguió una excelente acogida internacional y el Goya a la mejor película.El drama “Mar Adentro” (2004) se basaba en las vivencias del parapléjico Ramón Sampedro con el protagonismo de Javier Bardem. La película ganó el Oscar y el Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa y catorce premios Goya, entre ellos mejor película y mejor dirección.Más tarde dirigió “Ágora” (2009), film de carácter histórico ambientado en Alejandría y en los tiempos del primer cristianismo. Gira en torno a la figura de la astrónoma Hipatia encarnada en la película por Rachel Weisz. 2015 estrenó el thriller psicológico “Regresión”, film con el protagonismo de Ethan Hawke y Emma Watson.

1980

El discurso de los hermanos Lumière. Pretende plasmar la realidad, no obstante manipula lo que aparece en imagen (lo mediatiza), al buscar composiciones que recogieran los estilos pictóricos en boga en la época.

Viaje a la luna . Melies

El nacimiento de una nación. Griffith

Luis Buñuel La gran mayoría de su obra fue producida en México y Francia, debido a sus convicciones políticas y a las dificultades impuestas por la censura franquista para filmar en España. Su importancia dentro de la historia del cine está a la altura de los más grandes directores de todos los tiempos, Welles, Hitchcock, Ford, , Kurosava, Fellini o BergmanUn perro Andaluz (1929)

El gabinete del doctor Caligari (1920) , Robert Wiene

En Blancanieves y los 7 enanitos investigaría acerca de la animación realista de seres humanos, la creación de personajes animados con personalidad definida, efectos especiales, y el uso de procesos especializados y aparatos como la cámara multiplano. Frente a la cámara se coloca una serie de capas espaciadas unas de otras, y se mueven a distintas velocidades, para generar una sensación de profundidad. El proceso de producción de Blancanieves y los siete enanitos (Snow White and the Seven Dwarfs) se prolongó desde 1935 hasta mediados de 1937. Blancanieves, el primer largometraje animado de lengua inglesa, y el primero en utilizar el Technicolor, fue distribuido en febrero de 1938 por RKO. Fue la película con mayor éxito de taquilla de 1938.

Serguéi Eisenstein, El acorazado Potemkin, fotograma de "La escalera de Odessa", 1925

Con Olimpíada, una epopeya sobre los Juegos Olímpicos de Berlín de 1936, obtuvo no solamente el gran reconocimiento del gobierno y pueblo nazi, sino que además fue premiada con gran éxito de público y crítica con un León de Oro en el Festival de Venecia

Las Hurdes, tierra sin pan Es un documental de 27 minutos, dirigido por el cineasta español Luis Buñuel y rodado entre el 23 de abril y el 22 de mayo de 1932.Al estreno del filme en el Palacio de la Prensa de Madrid acudió el doctor Gregorio Marañón, que había acompañado a Alfonso XIII en su visita a Las Hurdes en 1922. Indignado por lo desagradable y ,según él ,lo injusto de la película, protestó enérgicamente contra ella, opinión que recibió y compartió el gobierno de la Segunda República que decidió prohibirla por la mala imagen que presentó de España. En 1937 el filme se estrenó en Francia donde, también a los pocos días de su proyección, hubo de ser retirada a instancias del gobierno francés y de la prensa.

Durante los años 30 y 40, la época dorada de Hollywood, se forjará un sistema de estudios que, gracias al eficaz control global del mercado, constituye el origen de la posterior hegemonía del cine norteamericano. El germen del sistema de estudios puede considerarse en 1908, cuando diez importantes fabricantes de equipos cinematográficos se unieron para formar la Motion Picture Patents Company (MPPC), que se aprovechó de su poder de monopolio para imponer el pago de tarifas a productores y exhibidores. Hasta entonces la industria había sido relativamente flexible, en la que existían multitud de productores y cineastas que competían entre sí.

RKO Pictures elevaba al estrellato a la pareja formada por Fred Astaire y Ginger Rogers, en una serie de películas (Sombrero de copa, El desfile del amor), que les hicieron un sitio en la historia del cine.

Recuerda , Hitchcok Utilizaba la relación tiempo real-tiempo fílmico como en una única secuencia en La soga, o el único espacio en Náufragos, o la fotografía trucada, los decorados extraños (Salvador Dalí le diseñó los decorados para la secuencia del sueño de Recuerda), los montajes sorprendentes de imagen y sonido, las fantasías elaboradas a partir de trucos ópticos, de la multiplicación de lentes, la superposición de imágenes como la de Psicosis, cuando mezcla la cara de Anthony Perkins con la calavera de su madre, en un alarde de subliminalidad, o la utilización pionera de máquinas y artilugios e incluso algunas aves asesinas mecánicas para su película Los pájaros.

Los pájaros, Histcock

Ser o no ser (1942) es, junto a El gran dictador (1940, Charles Chaplin), la parodia más divertida e inspirada que ha hecho el cine sobre Hitler y el nazismo. El comienzo de la película es magistral: nos encontramos en Varsovia, capital de Polonia en Agosto de 1939. Una compañía teatral promociona una obra sobre el nazismo llamada “Gestapo” y uno de sus actores se pasea disfrazado de Hitler por las calles de Varsovia, sembrando el desconcierto en la población. Lubitsch utiliza la comedia no como un género ligero sino como un arma magistral y afilada contra el apogeo nazi. A través de la caricaturización del opresor, consigue desautorizar sus actos, su ideología. A pesar de las innumerables críticas que recibió por este enfoque, su atrevimiento es indudable y sólo el paso del tiempo le dio el lugar que merecía. En España, por ejemplo, no se estrenó hasta 1971, casi treinta años después de ser filmada.

Sátira Cómica : El Gran Dictador – Charles Chaplin Osadísimo proyecto artístico-político, al punto que el Presidente Roosevelt contactó a Chaplin para motivarlo por la oposición de la industria cinematográfica a su propuesta. La película logra un balance casi imposible: una sátira cómica de Hitler, al tiempo que una contundente denuncia pública sobre el Holocausto de los judíos, erigiéndose como el primer largometraje anti-Nazi de la historia. Chaplin, quien fuera la leyenda del cine mudo realiza uno de los discursos más memorables de la historia del cine, un manifiesto humanista en su máxima expresión.

En los 70 Con el fin de la dictadura, se suprime la censura y se permiten las manifestaciones culturales en otras lenguas españolas, además del castellano, fundándose, por ejemplo, el Institut de Cinema Català, entre otros. En un principio triunfan los fenómenos populares del destape y el landismo. En los primeros años de la democracia, se abordan temas polémicos y se revisa la historia nacional reciente en películas que, en algunos casos, tienen una innegable calidad como sucede, por ejemplo, con Canciones para después de una guerra (Basilio Martín Patino, 1976) o El espíritu de la colmena (Víctor Erice, 1973), otras son dignas recreaciones de los años más grises de la dictadura como ocurre con Pim, pam, pum... ¡fuego! (Pedro Olea, 1975), donde se describen las dificultades de supervivencia de los perdedores en la España más puramente franquista; o particulares visiones esperpénticas del franquismo, como sucede en La escopeta nacional (Luis García Berlanga, 1978). Los cambios políticos de esos años se reflejan de forma inmediata en filmes como Camada negra, de Manuel Gutiérrez Aragón; Tigres de papel, de Fernando Colomo y, en un tono menos militante pero de mayor calado popular, Asignatura pendiente, de José Luis Garci, Cría cuervos Carlos Saura

José Luis Garci (1944), es un productor, crítico, presentador de televisión, autor literario, guionista y director de cine español. En 1983 ganó el primer Óscar para una producción española a la mejor película de habla no inglesa por Volver a empezar. Ha sido nominado para esta misma distinción otras tres veces, más que ningún otro director de cine español, por las películas: Sesión continua (1984), Asignatura aprobada (1987) y El abuelo (1998). Es miembro de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood. En su estilo se da una evolución en sus primeras películas había un deseo de transmitir la realidad social que acontecía en la España de la transición después de evolucionó hacia un estilo teatral y lleno de diálogos.

Pedro Almodóvar 1949 Dos años después estrenó en 16 mm “Pepi, Luci, Bom y Otras Chicas Del Montón” (1980), un film definidor del ambiente underground que le rodeaba y una película que muestra su tendencia al protagonismo de personajes femeninos, generalmente mejor construidos e interesantes que sus caracteres masculinos. Formó parte de la denominada movida madrileña de los 80. “Laberinto De Pasiones” (1982). Provocador y estiloso, tan influenciado por Luis Buñuel como por Alfred Hitchcock, John Waters,las películas de Pedro Almodóvar, pivotando en singulares personajes, historias camp y apariencia kitsch que confluyen en torno a sus habituales obsesiones sexuales, socioculturales y religiosas, muestran también una distintiva perspectiva de las costumbres y tradiciones españolas, expandiendo su propio universo en base a diversos géneros, abordando tanto la comedia negra, como el melodrama, el thriller o el drama social, con lugares para la sátira, la farsa o el esperpento. En “Mujeres Al Borde De Un Ataque De Nervios” (1988) Almodóvar atemperó sus aristas más sexuales y creó una divertida farsa plagada de curiosos personajes. consiguiendo una nominación al Oscar como mejor película de habla no inglesa. En “Átame” (1990), “Tacones Lejanos” (1991), cinta que consiguió el premio César francés a la mejor película extranjera, “Kika” (1993), “La Flor De Mi Secreto” (1995) o “Carne Trémula” (1995), “Todo Sobre Mi Madre” (1999) supuso su consagración como autor, logrando el Oscar y el Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa, mejor director en el Festival de Cannes, mejor director en los premios del Cine Europeo, y siete premios Goya, entre ellos el de mejor película y mejor director.

Toy Story (1995)Productoras animación, Pixar

Shrek (2001) Productoras animación, Dreamworks