ICONOGRAFIA BARROCA

EL ARTE DE AYER EN LA MIRADA DEL PRESENTE

Iconografía barroca en el arte contemporáneo

El arte de ayer en la mirada de hoy

Esta muestra ha sido realizada por los alumnos y alumnas de la materia de HISTORIA DEL ARTE de 2º de Bachillerato así como por los de la asignatura EDUCACIÓN PLÁSTICA de 4º de la ESO.

​El arte de ayer en la mirada de hoy

Las manifestaciones artísticas de una época tan intensa y dramática como fue la Barroca encuentran su reflejo en la mirada del artista actual, en algunos casos de forma evidente y directa, en otras de manera más tangencial pero muy sugestiva. Los temas escogidos para esta muestra son tópicos del Siglo de Oro: bodegones, vanitas, retratos, el cuadro dentro del cuadro, cristos, desnudos mitológicos, paisajes, piedades …

Georges de La Tour

El arte de ayer en la mirada de hoy

PAISAJE PINTURA DE GÉNERO

RETRATO FEMENINO MITOLOGÍA

NATURALEZA​MUERTA Bodegón, vanitas...

TEMÁTICA RELIGIOSA Cristo crucificado, Piedad...

CUADRO DENTRO DEL CUADRO Bodegón a lo divino...

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NATURALEZA MUERTA. El bodegón, también conocido como naturaleza muerta, es una obra de arte que representa objetos cotidianos, como frutas, flores, comida o incluso libros. Estos cuadros son conocidos por la cuidadosa colocación de los objetos, la cantidad de colores y buena iluminación. Se trata de un género que permite demostrar la virtuosidad técnica del artista a la vez que sirve de admonición al espectador ante la muerte y el paso del tiempo.

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Ambas obras reflejan dos bodegones, aunque la primera está pintada al óleo y la segunda es una fotografía. Los dos cuadros contienen comida como frutas o animales pero en la obra contemporánea, además de la comida, hay otros objetos cotidianos como un mechero o revistas. Tanto la foto como el cuadro siguen las principales características de los bodegones: la precisa colocación de los objetos, los colores vivos y el estudio de la luz.

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VANITAS. Se trata de bodegones moralizantes (memento mori), complemento indispensable para la predicación y la devoción en Europa. El mensaje que pretende transmitir es la inutilidad de los placeres mundanos frente a la certeza de la muerte, animando a la adopción de un sombrío punto de vista sobre el mundo. ​Su concepción se relaciona con un pasaje del Eclesiastés: «Vanitas vanitatum omnia vanitas» («Vanidad de vanidades, todo es vanidad»).

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En las dos obras se ve representada la vanidad de una forma parecida a pesar de haber sido realizadas en épocas muy distantes. Por ejemplo, el Ipod colocado boca abajo en la obra de Pere Santilari tiene el mismo significado que el laúd de la pintura barroca: el fin de la música. También está representada la calavera que es una clara alusión a la muerte. En ambas imágenes la idea central es la fugacidad de la vida y el paso del tiempo.

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A lo largo de la historia contemporánea se han representado temas iconográficos similares y éste es un claro ejemplo. Aunque estas obras estén separadas en el tiempo por varios siglos (la primera, cuadro de Jacques Linard, pertenece al barroco y la segunda, una fotografía de Arnold Odermatt, a la época contemporánea), se puede apreciar que ambas tienen el mismo simbolismo. Las dos visiones representan la misma idea: el paso del tiempo y la llegada de la muerte. Ya sea con cráneos de humanos o con coches destrozados.

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EL RETRATO. El retrato, en especial el que nos legaron los pintores holandeses, expresa el mundo visible. Es un arte sin protección oficial, sin temática autoritaria ni religiosa, que se ve obligado a servir los gustos populares y a ser su directa expresión. El retrato individual, familiar y de grupo tuvo gran influencia en la pintura de esta época, una importancia considerable que hay que relacionar con la mentalidad burguesa de aquel periodo en Holanda.

La joven de la perla era un tronie, por ello existe una similitud con la fotografía ya que no conocemos a la mujer que hay detrás de ese rostro deformado por el ácido. El hecho de que un sólo foco de luz ilumine sus rostros y el resto esté sumido en la oscuridad es típico del Barroco (tenebrismo). Es interesante ver la antítesis entre la obra barroca que nos muestra a una mujer burguesa del siglo XVII y la fotografía que refleja el sufrimiento, la tristeza, la resistencia, la lucha por la vida, y seguramente, la pobreza. Por último una similitud destacable es la dignidad con que ambas mujeres están representadas.

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DESNUDO MITOLÓGICO. es un tema que proviene del arte clásico y que se reanuda en el periodo del barroco en el que hacen nuevas versiones del los temas clásicos. La desnudez en el arte ha reflejado por lo general los estándares sociales para la estética y la moralidad de la época en que se realizó la obra, así sucede en el Barroco cuando la coartada mitológica permite la representación, a menudo, sensual del desnudo femenino.

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En la imagen barroca podemos apreciar a una mujer desnuda, con la que el autor pretendía transmitir la belleza de los cuerpos desnudos, el amor, la fertilidad, recuperando el ideal clásico. En ella la mujer se está mirando al espejo, se muestra desnuda sin ningún pudor para que todo el mundo la pueda apreciar; sin embargo en la imagen contemporánea podemos ver un cuerpo de una mujer desnuda pero lo que el autor parece transmitir es lo contrario, una composición totalmente cerrada de la mujer ocultándose, cubriéndose quizá por la indefensión que le provoca su desnudez.

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CUADRO DENTRO DEL CUADRO. Es una técnica para “estructurar” una obra que consiste en pintar diferentes escenas, normalmente dos: una en primer plano y otra que aparece más al fondo. En ocasiones el tema representado en segundo término es el principal como ocurre en los “bodegones a lo divino” de Velázquez. Otra técnica que desarrolla la misma idea es la técnica del espejo, creando una abertura en el fondo del cuadro con intención apologética. Mediante esta técnica la pintura se confunde con la realidad gracias a un espacio abierto hacia el espectador.

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PAISAJE. Género pictórico que representa escenas de la naturaleza, tales como montañas, valles, árboles, ríos y bosques (marinas, paisajes fluviales, paisajes urbanos…). Casi siempre se incluye el cielo (que recibe el nombre técnico de celaje), y las condiciones atmosféricas que pueden ser un elemento importante de la composición. Así mismo la captación de la luz y su incidencia sobre lo material. En la historia de la pintura el paisaje fue adquiriendo poco a poco cada vez más relevancia como se constata en el Barroco cuando se consolida como un género pictórico independiente.

En la imagen barroca podemos observar un predominio de tonos verdosos y marrones que otorgan a la imagen un aire melancólico mientras en la obra contemporánea hay un mayor peso de los tonos azules y verdes, colores vivos que transmiten una visión más alegre. En la obra barroca se puede observar que no hay una línea definida en los elementos sino que una luz difusa contribuye a desdibujar sus límites, mientras que en la contemporánea se recupera la línea precisa y realista dando una mayor definición de los distintos elementos: río, árboles, animales…

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CRISTO CRUCIFICADO. Tema de carácter religioso que adquiere importancia en la plástica románica en la que se representa a Cristo crucificado con cuatro clavos en posición frontal y sin ningún tipo de sufrimiento incidiendo en la idea de triunfo sobre la muerte. A partir del gótico la representación cambia de apariencia pasando a ser un Cristo sufriente y humanizado. Esta nueva sensibilidad religiosa y artística será la que predomine en el Barroco español sobre todo en la escultura.

En la imagen Barroca la iconografía es utilizada como símbolo de devoción cristiana al Cristo salvador mientras que Banksy utiliza esta imagen como crítica de la sociedad consumista actual que va en contra de los valores cristianos que promueve la Iglesia Católica como la austeridad. Así también la navidad que debería ser una época de reflexión y sin embargo se ha convertido en el periodo del año en el que se produce más consumo.

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LA PIEDAD. Tópico religioso en el que la Virgen María recibe en sus brazos el cuerpo inerte de su hijo tras el descendimiento de la cruz convirtiéndose en la absoluta representación del dolor. En el barroco la figura de Cristo parece resbalar de los brazos de su madre creando una inestable diagonal. Sin duda se trata de un motivo iconográfico que representa a la perfección la tradición escultórica de época barroca en España.

Las dos obras, separadas por cuatro siglos de historia reflejan, sin embargo, el mismo dolor inconsolable de una madre que ha perdido a su hijo de forma violenta. En ambos casos el cuerpo del hijo muerto yace inerte entre los brazos de su madre. En la escultura barroca el rostro de la virgen implora con los ojos y las manos a Dios mientras que en la fotografía de la revuelta yemení la cara de la madre queda oculta; a pesar de lo cual intuimos su sufrimiento por la manera en la que sus manos se aferran a su hijo.